Размещено 3 года назад по предмету Музыка от mingalievreval. Как называется инструментальное вступление к опере, балету, оперетте? антракт партитура увертюра либретто.
Как называется музыкальное вступление в классической опере ответ?
Увертюра к опере «Севильский цирюльник» Джоаккино Россини, ещё при жизни композитора получившая признание слушателей, и в нынешнее время причисляется к хитам классической музыки. По классическим канонам опера начинается инструментальным вступлением, длительностью в несколько минут. Это вступление задает общий тон музыкального произведения, зрители слушают музыку, готовясь увидеть на сцене исполнителей. Как называется? Увертюра – это музыкальное произведение, исполняющееся в начале оперы или балета. Оно представляет собой самостоятельную композицию, которая вводит слушателей в атмосферу произведения и даёт представление о его музыкальных темах и сюжете. как называется музыкальное вступление в классической опере. Попроси больше объяснений. • (фр. ouverture от uvrir — открывать) музыкальное вступление к опере, балету, кинофильму и т. п. • оркестровое вступление к опере, балету, спектаклю, самостоятельная музыкальная пьеса. • самостоятельное музыкальное произведение для оркестра.
Информация
РИТУРНЕЛЬ и особенно вокальных украшений, которые лишь отвлекают внимание от развития драмы; увертюра должна предвосхищать содержание драмы, а оркестровое сопровождение вокальных партий - соответствовать характеру текста; в речитативах должно быть подчеркнуто вокально-декламационное начало, то есть контраст между речитативом и арией не должен быть чрезмерным. Большая часть этих принципов воплотилась в первой и лучшей из реформаторских опер Глюка «Орфее и Эвридике» 1762, Вена. Речитативы с оркестровым сопровождением, ариозо и арии не разделены в этой опере резкими границами, а отдельные эпизоды - в том числе танцы и хоры - объединены в крупные сцены со сквозным драматическим развитием. В отличие от сюжетов опер-сериа с их запутанными интригами, переодеваниями и побочными линиями, сюжет «Орфея» апеллирует к простым человеческим чувствам. На рубеже 18 и 19 веков Важное значение для истории оперы имела и реформа венецианского драматурга К. Гольдони см. Галуппи см. ГАЛУППИ Бальдассаре - создателей более сложной и богатой разновидности оперы-буффа, известной под жанровым наименованием веселая драма. Высший синтез оперы 18 в.
Моцарта см. К началу 19 в. На волне этого процесса «демократизации» возникла и расцвела опера спасения см. Керубини см. Вкусами широкой публики был предопределен и расцвет французского романтического жанра grand opera см. В Германии особой популярностью пользовались оперы на сказочные и фантастические сюжеты К. Маршнер см. Расцвет оперы В итальянских серьезных операх первоe трети 19 в.
Россини см. Доницетти см. Беллини см. В лучших зрелых операх Доницетти и, особенно, в творчестве раннего Дж. Верди см. ВЕРДИ Джузеппе намечается тенденция к более дифференцированной обрисовке характеров и к большей связности и динамике в развитии драматического действия. В зрелых операх Р. Вагнера см.
ВАГНЕР Рихард принцип разделения речитатива и арии заменен так называемой бесконечной мелодией и высокоразвитой системой лейтмотивов см. В своих последних операх «Отелло» 1887 и «Фальстаф» 1893 от номерной структуры отказывается и Верди; его примеру следуют представители веризма см. Пуччини см. Тенденция к большей гибкости формы и психологически правдивой передаче эмоций и страстей присуща и французской опере того времени «комическая опера» «Кармен» Ж. Бизе см. Массне см. Дебюсси см. Новые оперные школы В 19 в.
На ранних этапах становления они опирались на национальную историю и фольклор и в то же время активно ассимилировали западноевропейский опыт. Это новое течение породило ряд шедевров, среди которых выделяется «Борис Годунов» М. Мусоргского см. Штраус см. Яначек см. Берг см. Прокофьев см. Шостакович см.
Бриттен см. Стравинский см. Вместе с тем в 20 в. Возникла в Италии на рубеже 16 и 17 вв. В ходе исторической эволюции выработаны разнообразные оперные формы: ария , речитатив , вокальный ансамбль , хоры , оркестровые номера увертюра , антракты. Иногда опера включает балетные сцены, разговорный диалог , мелодраму. Некоторые виды оперы тесно связаны с определенной национальной культурой и эпохой - итальянская опера-сериа серьезная , опера-буффа комическая , французская большая опера , опера-комик , лирическая опера , немецкая и австрийская зингшпиль , английская балладная опера. Первые русские оперы появились во 2-й пол.
Классические произведения оперного жанра в России возникли в 19 в. Беллини , Г. Вебер , Р. Сметана , А. Серов , М. Чайковский , Н. Академический словарь Музыкально-драматическое произведение, сочетающее инструментальную музыку с вокальной и предназначенное для исполнения в театре. Дуэт из оперы Чайковского.
Опера Верди «Травиата». Театральное исполнение такого произведения, а также театр, где оно исполняется. Чайковский, Письмо Н. Мекк, 4-16 марта 1880. Однажды с великим трудом мне удалось вытащить его в Большой театр на оперу «Ночь перед рождеством». Линьков, Горькая правда. Драматические тексты в опере поются; пение и сценическое действие почти всегда сопровождаются инструментальным обычно оркестровым аккомпанементом. Для многих опер характерно также наличие оркестровых интерлюдий вступлений, заключений, антрактов и т.
Опера родилась как аристократическая забава, но вскоре стала развлечением для широкой публики. Первый общедоступный оперный театр был открыт в Венеции в 1673, спустя всего лишь четыре десятилетия после появления на свет самого жанра. Затем опера стремительно распространилась по всей Европе. Как публичное развлечение она достигла наивысшего развития в 19 - начале 20 вв. На всем протяжении своей истории опера оказывала мощное влияние на другие музыкальные жанры. Симфония выросла из инструментального вступления к итальянским операм 18 в. Виртуозные пассажи и каденции фортепианного концерта являются во многом плодом попытки отразить оперно-вокальную виртуозность в фактуре клавишного инструмента. Вагнера, созданное им для грандиозной "музыкальной драмы", определило дальнейшее развитие целого ряда музыкальных форм, и даже в 20 в.
Оперная форма. В комической опере пение обычно чередуется с разговорными сценами. Название "комическая опера" opra comique во Франции, opera buffa в Италии, Singspiel в Германии в большой мере условно, ибо далеко не все произведения этого типа имеют комическое содержание характерный признак "комической оперы" - наличие разговорных диалогов. Вид легкой, сентиментальной комической оперы, получивший распространение в Париже и Вене, стал называться опереттой; в Америке он называется музыкальной комедией. Пьесы с музыкой мюзиклы , снискавшие славу на Бродвее, обычно более серьезны по содержанию, чем европейские оперетты. Все эти разновидности оперы основываются на убеждении, что музыка и особенно пение усиливают драматическую выразительность текста. Правда, временами другие элементы играли в опере не менее важную роль. Так, во французской опере определенных периодов и в русской - в 19 в.
Но в масштабах всей истории оперы пение все же играло доминирующую роль. Если певцы являются ведущими в оперном представлении, то оркестровая партия образует обрамление, фундамент действия, движет его вперед и готовит слушателей к грядущим событиям. Оркестр поддерживает певцов, подчеркивает кульминации, своим звучанием заполняет лакуны либретто или моменты смены декораций, наконец, выступает в заключении оперы, когда опускается занавес. В большинстве опер имеются инструментальные вступления, помогающие настроить восприятие слушателей. В 17-19 вв. Увертюры представляли собой лаконичные и самостоятельные концертные пьесы, тематически не связанные с оперой и потому легко заменяемые. Например, увертюра к трагедии Аврелиан в Пальмире Россини позже превратилась в увертюру к комедии Севильский цирюльник. Но во второй половине 19 в.
Возникла форма вступления Vorspiel , которое, например в вагнеровских поздних музыкальных драмах, включает в себя основные темы лейтмотивы оперы и непосредственно вводит в действие. Форма "автономной" оперной увертюры пришла в упадок, и ко времени появления Тоски Пуччини 1900 увертюра могла заменяться всего лишь несколькими вступительными аккордами. В ряде опер 20 в. Итак, оперное действие развивается внутри оркестрового обрамления. Но так как сущность оперы есть пение, высшие моменты драмы находят отражение в завершенных формах арии, дуэта и в других условных формах, где музыка выходит на первый план. Ария подобна монологу, дуэт - диалогу, в трио обычно воплощаются противоречивые чувства одного из персонажей по отношению к двум другим участникам. При дальнейшем усложнении возникают разные ансамблевые формы - такие, как квартет в Риголетто Верди или секстет в Лючии ди Ламмермур Доницетти. Введение подобных форм обычно останавливает действие, чтобы дать место развитию одной или нескольких эмоций.
Только группа певцов, объединенная в ансамбль, может выразить сразу несколько точек зрения на совершающиеся события. Иногда в роли комментатора поступков оперных героев выступает хор. В основном текст в оперных хорах произносится сравнительно медленно, фразы часто повторяются, чтобы сделать содержание понятным слушателю. Сами по себе арии не составляют оперы. В классическом типе оперы главным средством донесения до публики сюжета и развития действия является речитатив: быстрая мелодизированная декламация в свободном метре, поддержанная простыми аккордами и основанная на естественных речевых интонациях. В комических операх речитатив часто сменяется диалогом. Речитатив может показаться скучным слушателям, не понимающим смысла произносимого текста, но часто незаменим в содержательной структуре оперы. Не во всех операх можно провести четкую грань между речитативом и арией.
Вагнер, например, отказался от завершенных вокальных форм, имея целью непрерывное развитие музыкального действия. Эта новация была подхвачена, с различными модификациями, целым рядом композиторов. На русской почве идея непрерывной "музыкальной драмы" была, независимо от Вагнера, впервые опробована А. Даргомыжским в "Каменном госте" и М. Мусоргским в "Женитьбе" - они называли данную форму "разговорной оперой", opera dialogue. Опера как драма. Драматургическое содержание оперы воплощается не только в либретто, но и в самой музыке. Создатели оперного жанра называли свои произведения dramma per musica - "драмой, выраженной в музыке".
Опера - это нечто большее, чем пьеса со вставными песнями и танцами. Драматическая пьеса самодостаточна; опера без музыки - лишь часть драматического единства. Это относится даже к операм с разговорными сценами. В произведениях такого типа - например, в Манон Леско Ж. Массне - музыкальные номера все равно сохраняют ключевую роль. Крайне редко оперное либретто можно поставить на сцене как драматическую пьесу. Хотя содержание драмы выражено в словах и налицо характерные сценические приемы, все же без музыки пропадает нечто важное - то, что может быть выражено только музыкой. По этой же причине лишь изредка драматические пьесы могут быть использованы как либретто, без предварительного сокращения числа персонажей, упрощения сюжета и главных характеров.
Надо оставить место для дыхания музыки, она должна повторяться, образовывать оркестровые эпизоды, менять настроение и колорит в зависимости от драматических ситуаций. И поскольку пение все же затрудняет понимание смысла слов, текст либретто должен быть настолько ясным, чтобы его можно было воспринять при пении. Таким образом, опера подчиняет себе лексическое богатство и отточенность формы хорошей драматической пьесы, но возмещает этот ущерб возможностями собственного языка, который обращен непосредственно к чувствам слушателей. Так, литературный источник Мадам Баттерфлай Пуччини - пьеса Д. Беласко о гейше и американском морском офицере безнадежно устарела, а выраженная в музыке Пуччини трагедия любви и предательства ничуть не поблекла от времени. При сочинении оперной музыки большинство композиторов соблюдали некоторые условности. Например, использование высоких регистров голосов или инструментов означало "страсть", диссонирующие гармонии выражали "страх". Подобные условности не были произвольными: люди вообще повышают голос при волнении, а физическое ощущение страха дисгармонично.
Но опытные оперные композиторы применяли более тонкие средства для выражения в музыке драматического содержания. Мелодическая линия должна была органично соответствовать словам, на которые ложилась; гармоническое письмо должно было отражать отливы и приливы эмоций. Следовало создавать разные ритмические модели для стремительных декламационных сцен, торжественных ансамблей, любовных дуэтов и арий. Выразительные возможности оркестра, в том числе тембры и другие характеристики, ассоциирующиеся с разными инструментами, тоже ставились на службу драматическим целям. Однако драматическая выразительность - не единственная функция музыки в опере. Оперный композитор решает две противоречащие друг другу задачи: выражать содержание драмы и доставлять удовольствие слушателям. В соответствии с первой задачей, музыка служит драме; в соответствии со второй, музыка самодостаточна. Многие великие оперные композиторы - Глюк, Вагнер, Мусоргский, Р.
Штраус, Пуччини, Дебюсси, Берг - подчеркивали в опере экспрессивное, драматургическое начало. У других авторов опера приобретала более поэтический, сдержанный, камерный облик. Их искусство отмечено тонкостью полутонов и меньше зависит от перемен в общественных вкусах. Композиторы-лирики любимы певцами, ибо, хотя оперный певец должен быть в известной степени актером, все же главная его задача - чисто музыкальная: он должен точно воспроизводить нотный текст, придавать звуку необходимую окраску, красиво фразировать. К числу авторов-лириков можно отнести неаполитанцев 18 в. Редкие авторы достигали почти абсолютного равновесия драматического и лирического элементов, среди них - Монтеверди, Моцарт, Бизе, Верди, Яначек и Бриттен. Оперный репертуар. Традиционный оперный репертуар состоит в основном из произведений 19 в.
Романтизм с его тяготением к возвышенным деяниям и дальним странам способствовал развитию оперного творчества по всей Европе; рост среднего сословия обусловил проникновение в оперный язык народных элементов и обеспечил опере обширную и благодарную аудиторию. Традиционный репертуар тяготеет к сведению всего жанрового многообразия оперы к двум весьма емким категориям - "трагедии" и "комедии". Первая обычно представлена шире, чем вторая. Основу репертуара сегодня составляют итальянские и немецкие оперы, особенно "трагедии". В области "комедии" преобладает опера итальянская или хотя бы на итальянском языке например, оперы Моцарта. Французских опер в традиционном репертуаре немного, и те обычно исполняются в манере итальянцев. Свое место в репертуаре занимают несколько русских и чешских опер, исполняющихся почти всегда в переводе. Вообще же, крупные оперные труппы придерживаются традиции исполнения произведений на языке оригинала.
Главный регулятор репертуара - популярность и мода. Известную роль играет распространенность и культивирование определенных типов голосов, хотя некоторые оперы подобно Аиде Верди часто исполняются без учета того, имеются ли в наличии необходимые голоса или нет последнее встречается чаще. В эпоху, когда из моды вышли оперы с виртуозными колоратурными партиями и аллегорическими сюжетами, мало кто заботился о соответствующем стиле их постановки. Операми Генделя, например, пренебрегали до тех пор, пока знаменитая певица Джоан Сазерленд и другие не начали их исполнять. И дело тут не только в "новой" публике, открывшей красоты этих опер, но и в появлении большого количества певцов с высокой вокальной культурой, которые могут справиться с изощренными оперными партиями. Точно так же возрождение творчества Керубини и Беллини было инспирировано блестящими исполнениями их опер и открытием "новизны" старых произведений. Композиторы раннего барокко, в особенности Монтеверди, а также Пери и Скарлатти, равным образом были извлечены из забвения. Все такого рода возрождения требуют комментированных изданий, особенно произведения авторов 17 в.
Бесконечные повторения в т. Современный слушатель вряд ли способен разделить страсть слушателей даже французской большой оперы 19 в. Россини, Спонтини, Мейербер, Галеви к развлечению, занимавшему целый вечер так, полная партитура оперы Фернандо Кортес Спонтини звучит 5 часов, не считая антрактов. Нередки случаи, когда темные места партитуры и ее размеры вводят дирижера или постановщика в соблазн сокращать, переставлять номера, делать вставки и даже вписывать новые куски, зачастую столь топорно, что перед публикой предстает лишь дальний родственник того произведения, которое значится в программе. В соответствии с диапазоном голосов оперные певцы делятся обычно на шесть типов. Три женских типа голосов, от высоких к низким - сопрано, меццо-сопрано, контральто последнее в наши дни встречается редко ; три мужских - тенор, баритон, бас. Внутри каждого типа может быть несколько подвидов в зависимости от качества голоса и стиля пения. Лирико-колоратурное сопрано отличается легким и исключительно подвижным голосом, такие певицы умеют исполнять виртуозные пассажи, быстрые гаммы, трели и другие украшения.
Лирико-драматическое lirico spinto сопрано - голос большой яркости и красоты. Тембр драматического сопрано - насыщенный, сильный. Различие между лирическими и драматическими голосами относится также к тенорам. У басов выделяются два главных типа: "певческий бас" basso cantante для "серьезных" партий и комический basso buffo. Постепенно сформировались правила выбора певческого тембра для определенной роли. Партии главных героев и героинь обычно поручались тенорам и сопрано. Вообще, чем старше и опытней персонаж, тем ниже должен быть его голос. Невинная юная девушка - например, Джильда в Риголетто Верди - это лирическое сопрано, а коварная соблазнительница Далила в опере Сен-Санса Самсон и Далила - меццо-сопрано.
Партия Фигаро, энергичного и остроумного героя моцартовской Свадьбы Фигаро и россиниевского Севильского цирюльника написана обоими композиторами для баритона, хотя в качестве партии главного героя партия Фигаро должна бы предназначаться первому тенору. Партии крестьян, волшебников, людей зрелого возраста, властителей и стариков обычно создавались для бас-баритонов например, Дон Жуан в опере Моцарта или басов Борис Годунов у Мусоргского. Изменения общественных вкусов играли определенную роль в формировании оперных вокальных стилей.
Приоритет слова и нарратива казался очевидным; условные персонажи вроде Трагедии, Гармонии или Музыки в изысканной форме анонсировали публике сюжет предстоящего действа. И напоминали, что именно от древности перенята сама эта затея — recitar cantando, «разговаривать пением». Со временем затея эта утратила острую новизну и в столь возвышенной апологетике нуждаться перестала, но прологи никуда не девались десятилетиями. Нередко в них возникало вдобавок прославление того или иного монарха: за исключением Венецианской республики, опера XVII века оставалась прежде всего придворным увеселением, тесно связанным с официальными празднествами и церемониями. Полноценная увертюра возникает в 1640-е годы во Франции. Введенная Жан-Батистом Люлли модель так называемой «французской увертюры» — это стальная формула: медленная и помпезная первая часть в узнаваемом пунктированном ритме эдакий подскакивающий ямб , быстрая вторая с фугированным началом.
Она тоже связана по духу со строгим порядком двора Людовика XIV, но стала необычайно популярной во всей Европе — даже там, где французскую оперную музыку в целом встречали в штыки. Итальянцы со временем ответили собственной формулой: увертюрой в трех частях, быстро-медленно-быстро, менее церемонной, уже без ученых затей вроде фугато — это та самая «итальянская увертюра», которой требовал Фридрих Великий. Соперничество этих двух увертюр на самом деле очень показательно. Увертюра французская к середине XVIII века вышла из употребления, но до того успела перерасти оперный контекст: изобретение Люлли без труда опознается во вступлениях хоть оркестровых сюит Баха, хоть «Музыки для королевских фейерверков» Генделя. Увертюра итальянская ее, как правило, называли sinfonia в оперном контексте жила подольше, но куда важнее совсем другая ее жизнь — ее превращение в последней трети века из оперной увертюры в самостоятельное произведение, из sinfonia в симфонию. А с чем осталась опера? Опера в лице Глюка и его современников меж тем задумывалась о том, что хорошо бы увертюре быть тематически и эмоционально, органически связанной с материалом самой драмы; что не стоит поступать, как прежде — когда по одной и той же схеме склепанные вступления писались к операм любого содержания.
А в 1926 году открылся первый государственный театр оперетты — Хабаровский театр. Вскоре в этом жанре появились и оригинальные постановки отечественных композиторов, герои и темы которых соответствовали новой советской идеологии.
Основоположниками советской оперетты называют Николая Стрельникова и Исаака Дунаевского. Дьяконова, Сыктывкар Сцена из оперетты Иоганна Штрауса «Летучая мышь» в постановке Горьковского театра оперы и балета им. Пушкина сейчас — Нижегородский государственный академический театр оперы и балета им. Пушкина , Нижний Новгород.
ТОП-10 увертюр опер и балетов
Риторика — это искусство выразительного чтения или произнесения речи. В опере риторика может быть использована для передачи эмоций и переживаний героев во время интродукции. Увертюра — это синоним термина овертюра, который означает вступление в опере. Она может состоять из различных инструментальных произведений и помогает привлечь внимание зрителей еще до начала действия. Овертюра в опере Овертюра — это музыкальное вступление в оперу, которое играется перед прологом или финалом спектакля. Она представляет собой отдельное музыкальное произведение, композицию, которая служит введением к драматическому сюжету и создает настроение для зрителей и слушателей. Увертюра выполняет важную роль в опере, ведь она ставит зрителей в нужную риторику спектакля, передает настроение и атмосферу произведения. Она может быть либо пышной и впечатляющей, либо нежной и задумчивой. Овертюра чаще всего исполняется оркестром и является самостоятельным произведением, но она может также содержать музыкальные мотивы и темы, которые встретятся в дальнейшем в опере. Овертюра может быть написана в различных стилях и формах, от барокко до романтизма.
Иногда овертюра может также называться прелюдией, однако есть некоторое различие между этими двумя музыкальными формами. Прелюдия — это самостоятельное музыкальное произведение, которое исполняется в начале спектакля или премьеры оперы. Она также служит для создания настроения, но не всегда имеет связь с сюжетом оперы. Таким образом, овертюра является важной частью оперы, она приглашает зрителей в мир произведения и устанавливает нужную риторику и настроение спектакля. Она является одним из первых произведений, которые слышат зрители и слушатели. Часто она становится одним из наиболее запоминающихся и любимых музыкальных моментов в опере. Постлюдия в опере Опера — это особый вид искусства, где в музыкальной форме рассказывается драматическая история. Она состоит из различных частей, каждая из которых играет свою роль в создании единого художественного образа. Прелюдия — это музыкальное вступление, которое заряжает слушателей на настроение и подготавливает их к произведению.
Оно может быть интродукцией или овертюрой, и часто включает в себя основные мелодии и мотивы, встречающиеся в опере. Пролог — это начальная часть оперы, которая обычно содержит введение в сюжет, представление главных героев и основную идею произведения. Здесь часто происходит описание фоновой информации, на основе которой будет развиваться сюжетная линия. Пролог вносит ясность и понимание, помогая зрителям и слушателям лучше вникнуть в происходящее на сцене. Читайте также: Как сотрудники военкомата определяют, что призывник - гей Риторика в опере — это искусство выразительного чтения или рассказа, которое основывается на чертах жестовой речи, мимике, выражении голоса и других средствах коммуникации. Это важный элемент оперного искусства, который помогает актерам передать эмоции и чувства персонажей аудитории. Таким образом, риторика становится непременной частью проведения оперной премьеры. Финал — это завершающая часть оперы, которая является кульминацией всего представления.
В комической опере пение обычно чередуется с разговорными сценами.
Название "комическая опера" opra comique во Франции, opera buffa в Италии, Singspiel в Германии в большой мере условно, ибо далеко не все произведения этого типа имеют комическое содержание характерный признак "комической оперы" - наличие разговорных диалогов. Вид легкой, сентиментальной комической оперы, получивший распространение в Париже и Вене, стал называться опереттой; в Америке он называется музыкальной комедией. Пьесы с музыкой мюзиклы , снискавшие славу на Бродвее, обычно более серьезны по содержанию, чем европейские оперетты. Все эти разновидности оперы основываются на убеждении, что музыка и особенно пение усиливают драматическую выразительность текста. Правда, временами другие элементы играли в опере не менее важную роль. Так, во французской опере определенных периодов и в русской - в 19 в. Но в масштабах всей истории оперы пение все же играло доминирующую роль. Если певцы являются ведущими в оперном представлении, то оркестровая партия образует обрамление, фундамент действия, движет его вперед и готовит слушателей к грядущим событиям. Оркестр поддерживает певцов, подчеркивает кульминации, своим звучанием заполняет лакуны либретто или моменты смены декораций, наконец, выступает в заключении оперы, когда опускается занавес.
В большинстве опер имеются инструментальные вступления, помогающие настроить восприятие слушателей. В 17-19 вв. Увертюры представляли собой лаконичные и самостоятельные концертные пьесы, тематически не связанные с оперой и потому легко заменяемые. Например, увертюра к трагедии Аврелиан в Пальмире Россини позже превратилась в увертюру к комедии Севильский цирюльник. Но во второй половине 19 в. Возникла форма вступления Vorspiel , которое, например в вагнеровских поздних музыкальных драмах, включает в себя основные темы лейтмотивы оперы и непосредственно вводит в действие. Форма "автономной" оперной увертюры пришла в упадок, и ко времени появления Тоски Пуччини 1900 увертюра могла заменяться всего лишь несколькими вступительными аккордами. В ряде опер 20 в. Итак, оперное действие развивается внутри оркестрового обрамления.
Но так как сущность оперы есть пение, высшие моменты драмы находят отражение в завершенных формах арии, дуэта и в других условных формах, где музыка выходит на первый план. Ария подобна монологу, дуэт - диалогу, в трио обычно воплощаются противоречивые чувства одного из персонажей по отношению к двум другим участникам. При дальнейшем усложнении возникают разные ансамблевые формы - такие, как квартет в Риголетто Верди или секстет в Лючии ди Ламмермур Доницетти. Введение подобных форм обычно останавливает действие, чтобы дать место развитию одной или нескольких эмоций. Только группа певцов, объединенная в ансамбль, может выразить сразу несколько точек зрения на совершающиеся события. Иногда в роли комментатора поступков оперных героев выступает хор. В основном текст в оперных хорах произносится сравнительно медленно, фразы часто повторяются, чтобы сделать содержание понятным слушателю. Сами по себе арии не составляют оперы. В классическом типе оперы главным средством донесения до публики сюжета и развития действия является речитатив: быстрая мелодизированная декламация в свободном метре, поддержанная простыми аккордами и основанная на естественных речевых интонациях.
В комических операх речитатив часто сменяется диалогом. Речитатив может показаться скучным слушателям, не понимающим смысла произносимого текста, но часто незаменим в содержательной структуре оперы. Не во всех операх можно провести четкую грань между речитативом и арией. Вагнер, например, отказался от завершенных вокальных форм, имея целью непрерывное развитие музыкального действия. Эта новация была подхвачена, с различными модификациями, целым рядом композиторов. На русской почве идея непрерывной "музыкальной драмы" была, независимо от Вагнера, впервые опробована А. Даргомыжским в "Каменном госте" и М. Мусоргским в "Женитьбе" - они называли данную форму "разговорной оперой", opera dialogue. Опера как драма.
Драматургическое содержание оперы воплощается не только в либретто, но и в самой музыке. Создатели оперного жанра называли свои произведения dramma per musica - "драмой, выраженной в музыке". Опера - это нечто большее, чем пьеса со вставными песнями и танцами. Драматическая пьеса самодостаточна; опера без музыки - лишь часть драматического единства. Это относится даже к операм с разговорными сценами. В произведениях такого типа - например, в Манон Леско Ж. Массне - музыкальные номера все равно сохраняют ключевую роль. Крайне редко оперное либретто можно поставить на сцене как драматическую пьесу. Хотя содержание драмы выражено в словах и налицо характерные сценические приемы, все же без музыки пропадает нечто важное - то, что может быть выражено только музыкой.
По этой же причине лишь изредка драматические пьесы могут быть использованы как либретто, без предварительного сокращения числа персонажей, упрощения сюжета и главных характеров. Надо оставить место для дыхания музыки, она должна повторяться, образовывать оркестровые эпизоды, менять настроение и колорит в зависимости от драматических ситуаций. И поскольку пение все же затрудняет понимание смысла слов, текст либретто должен быть настолько ясным, чтобы его можно было воспринять при пении. Таким образом, опера подчиняет себе лексическое богатство и отточенность формы хорошей драматической пьесы, но возмещает этот ущерб возможностями собственного языка, который обращен непосредственно к чувствам слушателей. Так, литературный источник Мадам Баттерфлай Пуччини - пьеса Д. Беласко о гейше и американском морском офицере безнадежно устарела, а выраженная в музыке Пуччини трагедия любви и предательства ничуть не поблекла от времени. При сочинении оперной музыки большинство композиторов соблюдали некоторые условности. Например, использование высоких регистров голосов или инструментов означало "страсть", диссонирующие гармонии выражали "страх". Подобные условности не были произвольными: люди вообще повышают голос при волнении, а физическое ощущение страха дисгармонично.
Но опытные оперные композиторы применяли более тонкие средства для выражения в музыке драматического содержания. Мелодическая линия должна была органично соответствовать словам, на которые ложилась; гармоническое письмо должно было отражать отливы и приливы эмоций. Следовало создавать разные ритмические модели для стремительных декламационных сцен, торжественных ансамблей, любовных дуэтов и арий. Выразительные возможности оркестра, в том числе тембры и другие характеристики, ассоциирующиеся с разными инструментами, тоже ставились на службу драматическим целям. Однако драматическая выразительность - не единственная функция музыки в опере. Оперный композитор решает две противоречащие друг другу задачи: выражать содержание драмы и доставлять удовольствие слушателям. В соответствии с первой задачей, музыка служит драме; в соответствии со второй, музыка самодостаточна. Многие великие оперные композиторы - Глюк, Вагнер, Мусоргский, Р. Штраус, Пуччини, Дебюсси, Берг - подчеркивали в опере экспрессивное, драматургическое начало.
У других авторов опера приобретала более поэтический, сдержанный, камерный облик. Их искусство отмечено тонкостью полутонов и меньше зависит от перемен в общественных вкусах. Композиторы-лирики любимы певцами, ибо, хотя оперный певец должен быть в известной степени актером, все же главная его задача - чисто музыкальная: он должен точно воспроизводить нотный текст, придавать звуку необходимую окраску, красиво фразировать. К числу авторов-лириков можно отнести неаполитанцев 18 в. Редкие авторы достигали почти абсолютного равновесия драматического и лирического элементов, среди них - Монтеверди, Моцарт, Бизе, Верди, Яначек и Бриттен. Оперный репертуар. Традиционный оперный репертуар состоит в основном из произведений 19 в. Романтизм с его тяготением к возвышенным деяниям и дальним странам способствовал развитию оперного творчества по всей Европе; рост среднего сословия обусловил проникновение в оперный язык народных элементов и обеспечил опере обширную и благодарную аудиторию. Традиционный репертуар тяготеет к сведению всего жанрового многообразия оперы к двум весьма емким категориям - "трагедии" и "комедии".
Первая обычно представлена шире, чем вторая. Основу репертуара сегодня составляют итальянские и немецкие оперы, особенно "трагедии". В области "комедии" преобладает опера итальянская или хотя бы на итальянском языке например, оперы Моцарта. Французских опер в традиционном репертуаре немного, и те обычно исполняются в манере итальянцев. Свое место в репертуаре занимают несколько русских и чешских опер, исполняющихся почти всегда в переводе. Вообще же, крупные оперные труппы придерживаются традиции исполнения произведений на языке оригинала. Главный регулятор репертуара - популярность и мода. Известную роль играет распространенность и культивирование определенных типов голосов, хотя некоторые оперы подобно Аиде Верди часто исполняются без учета того, имеются ли в наличии необходимые голоса или нет последнее встречается чаще. В эпоху, когда из моды вышли оперы с виртуозными колоратурными партиями и аллегорическими сюжетами, мало кто заботился о соответствующем стиле их постановки.
Операми Генделя, например, пренебрегали до тех пор, пока знаменитая певица Джоан Сазерленд и другие не начали их исполнять. И дело тут не только в "новой" публике, открывшей красоты этих опер, но и в появлении большого количества певцов с высокой вокальной культурой, которые могут справиться с изощренными оперными партиями. Точно так же возрождение творчества Керубини и Беллини было инспирировано блестящими исполнениями их опер и открытием "новизны" старых произведений. Композиторы раннего барокко, в особенности Монтеверди, а также Пери и Скарлатти, равным образом были извлечены из забвения. Все такого рода возрождения требуют комментированных изданий, особенно произведения авторов 17 в. Бесконечные повторения в т. Современный слушатель вряд ли способен разделить страсть слушателей даже французской большой оперы 19 в. Россини, Спонтини, Мейербер, Галеви к развлечению, занимавшему целый вечер так, полная партитура оперы Фернандо Кортес Спонтини звучит 5 часов, не считая антрактов. Нередки случаи, когда темные места партитуры и ее размеры вводят дирижера или постановщика в соблазн сокращать, переставлять номера, делать вставки и даже вписывать новые куски, зачастую столь топорно, что перед публикой предстает лишь дальний родственник того произведения, которое значится в программе.
В соответствии с диапазоном голосов оперные певцы делятся обычно на шесть типов. Три женских типа голосов, от высоких к низким - сопрано, меццо-сопрано, контральто последнее в наши дни встречается редко ; три мужских - тенор, баритон, бас. Внутри каждого типа может быть несколько подвидов в зависимости от качества голоса и стиля пения. Лирико-колоратурное сопрано отличается легким и исключительно подвижным голосом, такие певицы умеют исполнять виртуозные пассажи, быстрые гаммы, трели и другие украшения. Лирико-драматическое lirico spinto сопрано - голос большой яркости и красоты. Тембр драматического сопрано - насыщенный, сильный. Различие между лирическими и драматическими голосами относится также к тенорам. У басов выделяются два главных типа: "певческий бас" basso cantante для "серьезных" партий и комический basso buffo. Постепенно сформировались правила выбора певческого тембра для определенной роли.
Партии главных героев и героинь обычно поручались тенорам и сопрано. Вообще, чем старше и опытней персонаж, тем ниже должен быть его голос. Невинная юная девушка - например, Джильда в Риголетто Верди - это лирическое сопрано, а коварная соблазнительница Далила в опере Сен-Санса Самсон и Далила - меццо-сопрано. Партия Фигаро, энергичного и остроумного героя моцартовской Свадьбы Фигаро и россиниевского Севильского цирюльника написана обоими композиторами для баритона, хотя в качестве партии главного героя партия Фигаро должна бы предназначаться первому тенору. Партии крестьян, волшебников, людей зрелого возраста, властителей и стариков обычно создавались для бас-баритонов например, Дон Жуан в опере Моцарта или басов Борис Годунов у Мусоргского. Изменения общественных вкусов играли определенную роль в формировании оперных вокальных стилей. Техника звукоизвлечения, техника вибрато "рыдание" изменялись на протяжении веков. Пери 1561-1633 , певец и автор самой ранней частично сохранившейся оперы Дафна , предположительно пел так называемым белым голосом - в сравнительно ровном, не меняющемся стиле, с незначительным вибрато или совсем без него - в соответствии с трактовкой голоса как инструмента, которая была в моде до конца эпохи Возрождения. В течение 18 в.
В это время партия главного героя в опере исполнялась мужским сопрано - кастратом, то есть тембром, естественное изменение которого было остановлено кастрацией. Певцы-кастраты доводили диапазон и подвижность своих голосов до пределов возможного. Такие оперные звезды, как кастрат Фаринелли К. Броски, 1705-1782 , чье сопрано по рассказам превосходило по силе звук трубы, или меццо-сопрано Ф. Бордони, про которую говорили, что она могла тянуть звук дольше всех на свете певцов, полностью подчиняли своему мастерству тех композиторов, чью музыку они исполняли. Некоторые из них сами сочиняли оперы и руководили оперными труппами Фаринелли. Считалось само собой разумеющимся, что певцы украшают сочиненные композитором мелодии собственными импровизированными орнаментами, не обращая внимания на то, подходят подобные украшения к сюжетной ситуации оперы или нет. Обладатель любого типа голоса обязательно обучался исполнению быстрых пассажей и трелей. В операх Россини, например, тенор должен владеть колоратурной техникой не хуже, чем сопрано.
Возрождение подобного искусства в 20 в. Лишь одна певческая манера 18 в. Перголези 1749-1801 исполняются ныне не реже, чем 200 лет тому назад. Болтливый вспыльчивый старик - весьма почитаемая фигура в оперной традиции, излюбленное амплуа басов, склонных к вокальным клоунадам. Чистый, переливающийся всеми красками певческий стиль бельканто bel canto , столь любимый Моцартом, Россини и другими оперными композиторами конца 18 и первой половины 19 вв. Развитие современного гармонического и оркестрового письма постепенно изменило функцию оркестра в опере: из аккомпаниатора он превратился в протагониста, и следовательно, певцам необходимо было петь громче, чтобы их голоса не заглушались инструментами. Эта тенденция зародилась в Германии, но повлияла на всю европейскую оперу, в том числе итальянскую. Немецкий "героический тенор" Heldentenor явно порожден потребностью в голосе, способном вступить в поединок с оркестром Вагнера. Поздние сочинения Верди и оперы его последователей требуют "сильных" di forza теноров и энергичных драматических spinto сопрано.
Запросы романтической оперы иногда даже обусловливают интерпретации, которые как бы идут вразрез с намерениями, выраженными самим композитором. Так, Р. Штраус мыслил Саломею в своей одноименной опере как "16-летнюю девушку с голосом Изольды". Однако инструментовка оперы столь плотна, что для исполнения главной партии необходимы зрелые певицы-матроны. Среди легендарных оперных звезд прошлого - Э. Карузо 1873-1921, возможно, самый популярный певец в истории , Дж. Фаррар 1882-1967, за которой в Нью-Йорке всегда следовала свита поклонников , Ф. Шаляпин 1873-1938, мощный бас, мастер русского реализма , К. Флагстад 1895-1962, героическое сопрано из Норвегии и многие другие.
В следующем поколении на смены им пришли М. Каллас 1923-1977 , Б. Нильсон р. Тебальди р. Сазерленд р. Прайс р. Силлс р. Бартоли 1966 , Р. Такер 1913-1975 , Т.
Гобби 1913-1984 , Ф. Корелли р. Сьепи р. Викерс р. Паваротти р. Милнс р.
При сочинении оперной музыки большинство композиторов соблюдали некоторые условности. Например, использование высоких регистров голосов или инструментов означало "страсть", диссонирующие гармонии выражали "страх". Подобные условности не были произвольными: люди вообще повышают голос при волнении, а физическое ощущение страха дисгармонично.
Но опытные оперные композиторы применяли более тонкие средства для выражения в музыке драматического содержания. Мелодическая линия должна была органично соответствовать словам, на которые ложилась; гармоническое письмо должно было отражать отливы и приливы эмоций. Следовало создавать разные ритмические модели для стремительных декламационных сцен, торжественных ансамблей, любовных дуэтов и арий. Выразительные возможности оркестра, в том числе тембры и другие характеристики, ассоциирующиеся с разными инструментами, тоже ставились на службу драматическим целям. Однако драматическая выразительность - не единственная функция музыки в опере. Оперный композитор решает две противоречащие друг другу задачи: выражать содержание драмы и доставлять удовольствие слушателям. В соответствии с первой задачей, музыка служит драме; в соответствии со второй, музыка самодостаточна. Многие великие оперные композиторы - Глюк, Вагнер, Мусоргский, Р. Штраус, Пуччини, Дебюсси, Берг - подчеркивали в опере экспрессивное, драматургическое начало.
У других авторов опера приобретала более поэтический, сдержанный, камерный облик. Их искусство отмечено тонкостью полутонов и меньше зависит от перемен в общественных вкусах. Композиторы-лирики любимы певцами, ибо, хотя оперный певец должен быть в известной степени актером, все же главная его задача - чисто музыкальная: он должен точно воспроизводить нотный текст, придавать звуку необходимую окраску, красиво фразировать. К числу авторов-лириков можно отнести неаполитанцев 18 в. Редкие авторы достигали почти абсолютного равновесия драматического и лирического элементов, среди них - Монтеверди, Моцарт, Бизе, Верди, Яначек и Бриттен. Оперный репертуар. Традиционный оперный репертуар состоит в основном из произведений 19 в. Романтизм с его тяготением к возвышенным деяниям и дальним странам способствовал развитию оперного творчества по всей Европе; рост среднего сословия обусловил проникновение в оперный язык народных элементов и обеспечил опере обширную и благодарную аудиторию. Традиционный репертуар тяготеет к сведению всего жанрового многообразия оперы к двум весьма емким категориям - "трагедии" и "комедии".
Первая обычно представлена шире, чем вторая. Основу репертуара сегодня составляют итальянские и немецкие оперы, особенно "трагедии". В области "комедии" преобладает опера итальянская или хотя бы на итальянском языке например, оперы Моцарта. Французских опер в традиционном репертуаре немного, и те обычно исполняются в манере итальянцев. Свое место в репертуаре занимают несколько русских и чешских опер, исполняющихся почти всегда в переводе. Вообще же, крупные оперные труппы придерживаются традиции исполнения произведений на языке оригинала. Главный регулятор репертуара - популярность и мода. Известную роль играет распространенность и культивирование определенных типов голосов, хотя некоторые оперы подобно Аиде Верди часто исполняются без учета того, имеются ли в наличии необходимые голоса или нет последнее встречается чаще. В эпоху, когда из моды вышли оперы с виртуозными колоратурными партиями и аллегорическими сюжетами, мало кто заботился о соответствующем стиле их постановки.
Операми Генделя, например, пренебрегали до тех пор, пока знаменитая певица Джоан Сазерленд и другие не начали их исполнять. И дело тут не только в "новой" публике, открывшей красоты этих опер, но и в появлении большого количества певцов с высокой вокальной культурой, которые могут справиться с изощренными оперными партиями. Точно так же возрождение творчества Керубини и Беллини было инспирировано блестящими исполнениями их опер и открытием "новизны" старых произведений. Композиторы раннего барокко, в особенности Монтеверди, а также Пери и Скарлатти, равным образом были извлечены из забвения. Все такого рода возрождения требуют комментированных изданий, особенно произведения авторов 17 в. Бесконечные повторения в т. Современный слушатель вряд ли способен разделить страсть слушателей даже французской большой оперы 19 в. Россини, Спонтини, Мейербер, Галеви к развлечению, занимавшему целый вечер так, полная партитура оперы Фернандо Кортес Спонтини звучит 5 часов, не считая антрактов. Нередки случаи, когда темные места партитуры и ее размеры вводят дирижера или постановщика в соблазн сокращать, переставлять номера, делать вставки и даже вписывать новые куски, зачастую столь топорно, что перед публикой предстает лишь дальний родственник того произведения, которое значится в программе.
В соответствии с диапазоном голосов оперные певцы делятся обычно на шесть типов. Три женских типа голосов, от высоких к низким - сопрано, меццо-сопрано, контральто последнее в наши дни встречается редко ; три мужских - тенор, баритон, бас. Внутри каждого типа может быть несколько подвидов в зависимости от качества голоса и стиля пения. Лирико-колоратурное сопрано отличается легким и исключительно подвижным голосом, такие певицы умеют исполнять виртуозные пассажи, быстрые гаммы, трели и другие украшения. Лирико-драматическое lirico spinto сопрано - голос большой яркости и красоты. Тембр драматического сопрано - насыщенный, сильный. Различие между лирическими и драматическими голосами относится также к тенорам. У басов выделяются два главных типа: "певческий бас" basso cantante для "серьезных" партий и комический basso buffo. Постепенно сформировались правила выбора певческого тембра для определенной роли.
Партии главных героев и героинь обычно поручались тенорам и сопрано. Вообще, чем старше и опытней персонаж, тем ниже должен быть его голос. Невинная юная девушка - например, Джильда в Риголетто Верди - это лирическое сопрано, а коварная соблазнительница Далила в опере Сен-Санса Самсон и Далила - меццо-сопрано. Партия Фигаро, энергичного и остроумного героя моцартовской Свадьбы Фигаро и россиниевского Севильского цирюльника написана обоими композиторами для баритона, хотя в качестве партии главного героя партия Фигаро должна бы предназначаться первому тенору. Партии крестьян, волшебников, людей зрелого возраста, властителей и стариков обычно создавались для бас-баритонов например, Дон Жуан в опере Моцарта или басов Борис Годунов у Мусоргского. Изменения общественных вкусов играли определенную роль в формировании оперных вокальных стилей. Техника звукоизвлечения, техника вибрато "рыдание" изменялись на протяжении веков. Пери 1561-1633 , певец и автор самой ранней частично сохранившейся оперы Дафна , предположительно пел так называемым белым голосом - в сравнительно ровном, не меняющемся стиле, с незначительным вибрато или совсем без него - в соответствии с трактовкой голоса как инструмента, которая была в моде до конца эпохи Возрождения. В течение 18 в.
В это время партия главного героя в опере исполнялась мужским сопрано - кастратом, то есть тембром, естественное изменение которого было остановлено кастрацией. Певцы-кастраты доводили диапазон и подвижность своих голосов до пределов возможного. Такие оперные звезды, как кастрат Фаринелли К. Броски, 1705-1782 , чье сопрано по рассказам превосходило по силе звук трубы, или меццо-сопрано Ф. Бордони, про которую говорили, что она могла тянуть звук дольше всех на свете певцов, полностью подчиняли своему мастерству тех композиторов, чью музыку они исполняли. Некоторые из них сами сочиняли оперы и руководили оперными труппами Фаринелли. Считалось само собой разумеющимся, что певцы украшают сочиненные композитором мелодии собственными импровизированными орнаментами, не обращая внимания на то, подходят подобные украшения к сюжетной ситуации оперы или нет. Обладатель любого типа голоса обязательно обучался исполнению быстрых пассажей и трелей. В операх Россини, например, тенор должен владеть колоратурной техникой не хуже, чем сопрано.
Возрождение подобного искусства в 20 в. Лишь одна певческая манера 18 в. Перголези 1749-1801 исполняются ныне не реже, чем 200 лет тому назад. Болтливый вспыльчивый старик - весьма почитаемая фигура в оперной традиции, излюбленное амплуа басов, склонных к вокальным клоунадам. Чистый, переливающийся всеми красками певческий стиль бельканто bel canto , столь любимый Моцартом, Россини и другими оперными композиторами конца 18 и первой половины 19 вв. Развитие современного гармонического и оркестрового письма постепенно изменило функцию оркестра в опере: из аккомпаниатора он превратился в протагониста, и следовательно, певцам необходимо было петь громче, чтобы их голоса не заглушались инструментами. Эта тенденция зародилась в Германии, но повлияла на всю европейскую оперу, в том числе итальянскую. Немецкий "героический тенор" Heldentenor явно порожден потребностью в голосе, способном вступить в поединок с оркестром Вагнера. Поздние сочинения Верди и оперы его последователей требуют "сильных" di forza теноров и энергичных драматических spinto сопрано.
Запросы романтической оперы иногда даже обусловливают интерпретации, которые как бы идут вразрез с намерениями, выраженными самим композитором. Так, Р. Штраус мыслил Саломею в своей одноименной опере как "16-летнюю девушку с голосом Изольды". Однако инструментовка оперы столь плотна, что для исполнения главной партии необходимы зрелые певицы-матроны. Среди легендарных оперных звезд прошлого - Э. Карузо 1873-1921, возможно, самый популярный певец в истории , Дж. Фаррар 1882-1967, за которой в Нью-Йорке всегда следовала свита поклонников , Ф. Шаляпин 1873-1938, мощный бас, мастер русского реализма , К. Флагстад 1895-1962, героическое сопрано из Норвегии и многие другие.
В следующем поколении на смены им пришли М. Каллас 1923-1977 , Б. Нильсон р. Тебальди р. Сазерленд р. Прайс р. Силлс р. Бартоли 1966 , Р. Такер 1913-1975 , Т.
Гобби 1913-1984 , Ф. Корелли р. Сьепи р. Викерс р. Паваротти р. Милнс р. Доминго р. Каррерас р. Оперные театры.
Некоторые здания оперных театров ассоциируются с определенным видом оперы, и в ряде случаев, действительно, архитектура театра была обусловлена тем или иным типом оперного представления. Так, парижская "Опера" в России закрепилось название "Гранд-Опера" предназначалась для яркого зрелища еще задолго до того, как в 1862-1874 был построен ее нынешнее здание архитектор Ш. Гарнье : лестница и фойе дворца по оформлению как бы соперничают с декорациями балетов и пышных шествий, которые происходили на сцене. Его сцена, построенная по образцу сцен древнегреческих амфитеатров, имеет большую глубину, а оркестр расположен в оркестровой яме и скрыт от слушателей, благодаря чему звук рассеивается и певцу нет необходимости перенапрягать голос. Оригинальное здание "Метрополитен-опера" в Нью-Йорке 1883 было задумано как витрина для лучших певцов мира и для респектабельных абонентов лож. Зал столь глубок, что его расположенные "бриллиантовой подковой" ложи предоставляют посетителям больше возможностей разглядеть друг друга, нежели относительно мелкую сцену. В облике оперных театров, как в зеркале, отражается история оперы как явления общественной жизни. Истоки ее - в возрождении древнегреческого театра в аристократических кругах: этому периоду соответствует старейший из сохранившихся оперных театров - "Олимпико" 1583 , построенный А. Палладио в Виченце.
Его архитектура - отражение микрокосма общества эпохи барокко - имеет в основе характерный подковообразный план, где ярусы лож расходятся веером от центра - королевской ложи. С меньшим числом лож, но с более глубокими, благодаря стальным опорам, ярусами этот план использован в таких американских оперных театрах, как Бруклинская музыкальная академия 1908 , оперные театры в Сан-Франциско 1932 и Чикаго 1920. Более современные решения демонстрируют новое здание "Метрополитен-опера" в нью-йоркском Линкольн-центре 1966 и Сиднейский оперный театр 1973, Австралия. Демократический подход характерен для Вагнера. Он требовал от аудитории максимальной концентрации и построил театр, где вовсе нет лож, а сидения располагаются однообразными непрерывными рядами. Строгий байройтский интерьер повторен лишь в мюнхенском "Принцрегент-театре" 1909 ; даже немецкие театры, построенные после Второй мировой войны, восходят к более ранним образцам. Однако вагнеровская идея, по-видимому, способствовала движению к концепции арены, то есть театра без просцениума, которая предлагается некоторыми современными архитекторами прототип - древнеримский цирк : опере предоставляется самой приспосабливаться к этим новым условиям. Римский амфитеатр в Вероне хорошо приспособлен для постановки таких монументальных оперных спектаклей, как Аида Верди и Вильгельм Телль Россини. Оперные фестивали.
Важный элемент вагнеровской концепции оперы - летнее паломничество в Байройт. Идея была подхвачена: в 1920-х годах австрийский город Зальцбург организовал фестиваль, посвященный главным образом операм Моцарта, и пригласил для реализации проекта таких талантливых людей, как режиссер М. Рейнхардт и дирижер А. С середины 1930-х годов оперное творчество Моцарта определило облик английского фестиваля в Глайндборне. После Второй мировой войны в Мюнхене появился фестиваль, посвященный в основном творчеству Р. Во Флоренции проводится "Флорентийский музыкальный май", где исполняется весьма широкий репертуар, охватывающий и ранние, и современные оперы. Первый дошедший до нас образчик оперного жанра - "Эвридика" Я. Пери 1600 - скромное произведение, созданное во Флоренции по случаю свадьбы французского короля Генриха IV и Марии Медичи. Как и полагалось, приближенному ко двору молодому певцу и мадригалисту была заказана музыка к этому торжественному событию.
Но Пери представил не обычный мадригальный цикл на пасторальную тему, а нечто совсем иное. Музыкант входил во Флорентийскую камерату - кружок ученых, поэтов и любителей музыки. В течение двадцати лет члены Камераты исследовали вопрос: как исполнялись древнегреческие трагедии. Они пришли к заключению, что греческие актеры произносили текст в особой декламационной манере, представляющей собой нечто среднее между речью и настоящим пением. Но подлинным результатом этих опытов по возрождению забытого искусства явился новый тип сольного пения, названный "монодией": монодия исполнялась в свободном ритме с наипростейшим аккомпанементом. Поэтому Пери и его либреттист О. Ринуччини изложили историю Орфея и Эвридики речитативом, который поддерживался аккордами маленького оркестра, скорее ансамбля из семи инструментов, и представили пьесу во флорентийском Палаццо Питти. Это была вторая опера Камераты; партитура первой, Дафны Пери 1598 , не сохранилась. Ранняя опера имела предшественников.
В течение семи веков церковь культивировала литургические драмы, такие, как Игра о Данииле, где пение соло сопровождалось аккомпанементом разнообразных инструментов. Габриели и О. Векки, объединяли светские хоры или мадригалы в сюжетные циклы. Но все же до Пери и Ринуччини не существовало монодической светской музыкально-драматической формы. Их произведение не стало возрождением древнегреческой трагедии. Оно принесло нечто большее - родился новый жизнеспособный театральный жанр. Однако полное раскрытие возможностей жанра dramma per musica, выдвинутого Флорентийской камератой, произошло в творчестве другого музыканта. Подобно Пери, К. Монтеверди 1567-1643 был образованным человеком из дворянской семьи, но в отличие от Пери он являлся профессиональным музыкантом.
Уроженец Кремоны, Монтеверди прославился при дворе Винченцо Гонзаги в Мантуе и до конца жизни руководил хором собора св. Марка в Венеции. Через семь лет после Эвридики Пери он сочинил собственный вариант легенды об Орфее - Сказание об Орфее. Эти произведения отличаются друг от друга так же, как интересный эксперимент - от шедевра. Монтеверди увеличил состав оркестра в пять раз, придав каждому персонажу свою группу инструментов, и предпослал опере увертюру. Его речитатив не просто озвучивал текст А. Стриджо, но жил собственной художественной жизнью. Гармонический язык Монтеверди полон драматических контрастов и даже сегодня впечатляет своей смелостью и живописностью. Среди последующих сохранившихся опер Монтеверди можно назвать Поединок Танкреда и Клоринды 1624 , основанный на сцене из Освобожденного Иерусалима Торквато Тассо - эпической поэмы о крестоносцах; Возвращение Улисса на родину 1641 на сюжет, восходящий к древнегреческой легенде об Одиссее; Коронацию Поппеи 1642 , из времен римского императора Нерона.
Последнее произведение создано композитором всего за год до кончины. Эта опера стала вершиной его творчества - отчасти благодаря виртуозности вокальных партий, отчасти благодаря великолепию инструментального письма. Распространение оперы. В эпоху Монтеверди опера стремительно завоевывала крупные города Италии. Рим дал оперного автора Л. Росси 1598-1653 , который в Париже поставил в 1647 свою оперу Орфей и Эвридика, покорив французский свет. Кавалли 1602-1676 , который пел у Монтеверди в Венеции, создал около 30 опер; вместе с М. Чести 1623-1669 Кавалли стал основоположником венецианской школы, которая играла главную роль в итальянской опере во второй половине 17 в. В венецианской школе монодический стиль, пришедший из Флоренции, открыл дорогу для развития речитатива и арии.
Арии постепенно становились все протяженнее и сложнее, и на оперных подмостках начали доминировать певцы-виртуозы, как правило кастраты. Сюжеты венецианских опер по-прежнему основывались на мифологии или романтизированных исторических эпизодах, но теперь украшенных бурлескными интерлюдиями, не имевшими отношения к основному действию, и эффектными эпизодами, в которых певцы демонстрировали свою виртуозность. В опере Чести Золотое яблоко 1668 , одной из самых сложных в ту эпоху, налицо 50 действующих лиц, а также 67 сцен и 23 перемены декораций. Итальянское влияние достигло даже Англии. В конце царствования Елизаветы I композиторы и либреттисты начали создавать т. Этот новый жанр занял большое место в творчестве Г. Лоуса, который в 1643 положил на музыку Комус Милтона, а в 1656 создал первую настоящую английскую оперу - Осада Родоса. После реставрации Стюартов опера стала постепенно закрепляться на английской почве. Блоу 1649-1708 , органист Вестминстерского собора, сочинил в 1684 оперу Венера и Адонис, но сочинение все же было названо маской.
Единственной поистине великой оперой, созданной англичанином, стала Дидона и Эней Г. Перселла 1659-1695 , ученика и преемника Блоу. Впервые исполненная в женском колледже около 1689, эта маленькая опера отмечена удивительной красотой. Перселл владел и французской, и итальянской техникой, но его опера - типично английское произведение. Либретто Дидоны, принадлежащее Н. Тэйту, но композитор оживил своей музыкой, отмеченной мастерством драматургических характеристик, необычайным изяществом и содержательностью арий и хоров.
С начала XIX в. Другое название баркаролы — гондольера от ит. Бас ит.
Самый низкий мужской голос. Общее название низких по регистру оркестровых инструментов виолончель, контрабас, фагот и т. Былина носит характер неторопливого плавного речитатива , подобного напевной речи; иногда сопровождается игрой на гуслях и других музыкальных инструментах. Вальс фр. Walzer — танец, происшедший от австрийских, немецких и чешских народных танцев. Благодаря особым образно-выразительным возможностям вальс получил с середины XIX века широкое распространение не только как танцевальный и концертный жанр , но и как важная составная часть музыки оперы , балета , симфонии и даже камерных — сольных и ансамблевых произведений. Виртуозность — мастерство и техническое совершенство музыкального исполнения. Виртуозная музыка — музыка, изобилующая техническими трудностями, требующая блестящего, эффектного исполнения. Одно из выразительных средств музыкального искусства, связанное с аккордовыми сочетаниями тонов и их последованиями, сопровождающими основную мелодию.
Наука об аккордах , их движении и связях. Название отдельных аккордовых звукосочетаний при характеристике их выразительности «жесткая гармония», «светлая гармония» и т. Общее обозначение круга аккордовых средств, характерных для того или иного произведения, композитора , музыкального стиля «гармония Мусоргского », «романтическая гармония» и т. Гимн греч. Игрой на гуслях обычно сопровождалось исполнение былин. Исполнитель на гуслях — гусляр. Декламация музыкальная — верное воспроизведение в речитативе характерных интонаций — повышений, понижений, акцентов и т. Деревянные духовые инструменты используются также в духовых оркестрах , различных камерных ансамблях и как солирующие инструменты. В оркестровой партитуре группа деревянных духовых инструментов занимает верхние строчки, размещаясь в указанном выше порядке.
Дивертисментом называется также отдельная инструментальная пьеса развлекательного характера. Сила, громкость звучания. Обозначение степени напряженности, действенной устремленности музыкального повествования «динамика развития». В XX веке термин «драматургия» стал применяться также к музыкально-театральному искусству, а затем и к крупным инструментально-симфоническим произведениям, не связанным со сценой. Драматургия музыкальная — совокупность принципов построения и развития музыки оперы , балета , симфонии и т. Обычно дума посвящена рассказу об исторических событиях, но иногда приобретает черты задушевной, печальной песни сугубо лирического содержания. Духовой оркестр отличается мощной, яркой звучностью. По материалу и способу звукоизвлечения духовые инструменты разделяются на медные и деревянные. К числу духовых инструментов принадлежит также орган.
Жанр фр. Вид музыкального произведения, определяемый по различным признакам: по характеру тематики например, жанр эпический, комический , природе сюжета напр. Жанровый в музыке — связанный с характерными чертами народных бытовых музыкальных жанров. Жанровая сцена — бытовая сцена. Singspiel от singen — петь и Spiel — игра — род комической оперы , сочетавшей разговорные диалоги с пением и танцами; наибольшее развитие зингшпиль получил в Германии и Австрии во 2-й половине XVIII и нач. XIX веков. Небольшая музыкальная пьеса , помещаемая между более важными частями крупного произведения. Вставной эпизод или сцена в крупном театральном произведении, приостанавливающий развитие действия и не имеющий к нему непосредственного отношения. Связующий эпизод между двумя проведениями темы в фуге , проходящий эпизод в инструментальной пьесе вообще.
Небольших размеров оперная увертюра , непосредственно вводящая в действие. Начальный раздел какой-либо пьесы , обладающий своим темпом и характером музыки. Кант от лат. От оратории кантата отличается отсутствием детально и последовательно воплощенного сюжета. В музыкально-театральном произведении часть акта , отделяемая не антрактом , а кратковременной паузой, во время которой занавес ненадолго опускается. Обозначение инструментально-симфонических произведений, для которых характерна особая конкретность, наглядность музыкальных образов; иногда такие произведения принадлежат к жанру программной музыки. Klavierauszug — фортепианное извлечение — переработка, переложение для фортепиано произведения, написанного для оркестра или ансамбля , а также оперы , кантаты или оратории с сохранением вокальных партий. Музыкальное творчество, процесс создания музыкального произведения. Внутреннее строение музыкального произведения, то же, что музыкальная форма.
Отдельное музыкальное произведение. Одновременное сочетание двух или нескольких мелодически самостоятельных голосов.
Музыкальные жанры. Увертюра
ответ дан • проверенный экспертом. Как называется музыкальное вступление в классической опере. Одной из таких увертюр была "Великолепная опера" Андре-Эрнеста-Модеста Гретри, в которой цитируются несколько арий.[10] Эта "попурри-форма" сохраняется в увертюрах ко многим произведениям музыкального театра, написанным в 20-м и 21-м веках. Многие композиторы использовали в увертюре мелодии из оперы, для которой увертюра писалась. Рихард Вагнер и Иоганн Штраус-младший делали свои увертюры программными, то есть передавали в них, вкратце, сюжет последующего драматического действия.
Лучшие ответы
- Оперная форма.
- «Оперéтта» — происхождение и значение слова
- Азбука сценического искусства. О – опера и оперетта
- Азбука сценического искусства. О – опера и оперетта
- Классическая опера
Азбука сценического искусства. О – опера и оперетта
В работах Бетховена ещё больше увеличился разрыв между формой и стилем увертюры и симфонии. В начале девятнадцатого века Дж. Россини разработал и усовершенствовал форму увертюры, в первую очередь для итальянской оперы-буффа, и заслужил репутацию грандмастера увертюры. Конечной точкой развития этого стиля стала опера "Вильгельм Телль" 1829 , ознаменовавшая конец классической эпохи в опере и послужившая моделью романтической увертюры 19-го века с революционными четырьмя частями, достигающей эффекта мини-симфонии. Чайковского "1812" и Оффенбаха "Орфей в преисподней".
Уветрюра к опере "Вильгельм Телль" Дж. Россини В середине 19-го века получили распространение увертюры в форме попурри на основе главных мелодий, звучащих в основном произведении, с этой задачей мог справиться даже не композитор, а опытный оркестратор. Концертная увертюра. Хотя к концу восемнадцатого века оперные увертюры уже начали исполняться в качестве отдельных произведений в концертном зале, концертная увертюра, предназначенная специально для исполнения на концерте и в целом основанная на некоторых литературных темах, начала появляться в начале романтического периода.
Уже у Л. Бетховена увертюра складывается как самостоятельный жанр инструментальной программной музыки, предшествующий симфонической поэме. Увертюры Бетховена, в особенности увертюра к драме И. Гёте "Эгмонт" 1810 , представляют собой законченные, предельно насыщенные развитием музыкальные драмы, накалом и активностью мысли не уступающие его симфониям.
Увертюра Л.
На вопросы могут отвечать также любые пользователи, в том числе и педагоги. Консультацию по вопросам и домашним заданиям может получить любой школьник или студент.
Акт лат. Иногда А. Название относительно самостоятельных музыкальных эпизодов в опере, представляющих собой одновременное пение двух или нескольких певцов, вокальные партии которых не тождественны; по числу участников А.
Оркестровое вступление к одному из актов, кроме первого см. Разновидности А.
Вступление к опере, балету
Вслед за его театром в Петербурге появились «Палас-театр» и «Летний Буфф», а дальше мода на оперетту распространилась и в провинциальных городах. Оперетта стала особенно востребована в 1920-е годы. А в 1926 году открылся первый государственный театр оперетты — Хабаровский театр. Вскоре в этом жанре появились и оригинальные постановки отечественных композиторов, герои и темы которых соответствовали новой советской идеологии. Основоположниками советской оперетты называют Николая Стрельникова и Исаака Дунаевского. Дьяконова, Сыктывкар Сцена из оперетты Иоганна Штрауса «Летучая мышь» в постановке Горьковского театра оперы и балета им.
Рихтер, оригинальный интерпретатор произведений Вагнера. А с 1897 года в течение 10 лет театр возглавлял композитор Густав Малер, обеспечивавший высочайший художественный уровень спектаклей. Венская государственная опера В 1945 году при бомбардировке города здание театра было разрушено. В послевоенные десять лет спектакли ставились на других сценах. Здание Венской оперы было восстановлено лишь в 1955 году. Сегодня Венская государственная опера — одна из ведущих оперных сцен мира. Она по праву считается хранительницей лучших традиций венской классической школы, и в первую очередь Моцарта. Раз в год здесь проходит всемирно известный венский Оперный бал, на котором председательствует президент Австрии.
Сонатно-симфонический цикл — циклическая музыкальная форма произведения, принадлежащего к одному из жанров симфония, концерт, соната, трио, квартет, квинтет и т. Начиная с XX века такого рода музыкальные вступления нередко предваряют и кинофильмы. Это одна из старейших музыкальных форм известна с XIII века. Баха, включающий 48 прелюдий и фуг, объединённых в 2 тома 24 пьесы в каждом томе. Название гласит... Музыка периода романтизма — это профессиональный термин в музыковедении, описывающий период в истории европейской музыки, который охватывает условно 1790—1910 годы. Программная музыка — академическая музыка, не включающая в себя словесный текст, то есть инструментальная, однако сопровождаемая словесным указанием на своё содержание. Исследователи полагают, что концерты были сочинены, возможно, за несколько лет до этой даты. Кантата итал. Ми-бемоль мажор Es-dur — мажорная тональность с тоникой ми-бемоль. Имеет три бемоля при ключе. Месса си минор нем. Messe in h-moll, h-Moll-Messe BWV 232 — музыкальное произведение Иоганна Себастьяна Баха для солистов, хора, оркестра и basso continuo, на традиционный латинский текст католического ординария. Наряду со Страстями по Матфею, самое масштабное сочинение Баха. Дата создания — 1748 или 1749 год. Музыка барокко — период в развитии европейской академической музыки, приблизительно между 1600 и 1750 годами. Die Kunst der Fuge — сборник из 14 фуг и 4 канонов И. Баха, BWV 1080, предположительно для клавира. Сохранившиеся пьесы, написанные в 1742—1749 годах цикл не окончен , задуманы как изысканные и разнообразные полифонические разработки авторское название: Contrapunctus одной и той же темы в тональности ре-минор d-moll. Благодаря испанским инструменталистам XVI века, сумевшим раскрыть в своих сочинениях мелодико-ритмическое богатство иберо-американской народной музыки, музыкальная тема чаконы, равно как сарабанды, фолии и пассакальи, повлияла на общеевропейскую композиторскую практику. Чакона схожа с пассакальей, танцем с иным происхождением, но в дальнейшем развитии сблизилась с последней. В настоящее время оба термина... Альтовая флейта итал. Струнный квартет — жанр академической музыки, произведение для четырёх смычковых инструментов как правило — двух скрипок, альта и виолончели , а также музыкальный коллектив соответствующего состава, исполняющий такие произведения. Струнный квартет — наиболее распространённая разновидность квартета, хотя пользуются популярностью и некоторые другие составы фортепианный квартет, квартет деревянных духовых. Виола да гамба итал. На виоле да гамба играли сидя, держа инструмент между ног или положив боком на бедро, — отсюда название. Французское слово nocturne в этом значении впервые применил Джон Филд в 1810-х годах, хотя итальянский термин notturno существовал ещё в XVIII веке и обозначал музыку, исполнявшуюся на открытом воздухе. Впоследствии жанр инструментальной музыки и связанная с ним разновидность вариационной формы. Характерные черты пассакалии: торжественно-трагический характер, медленный темп, трёхдольный метр, минорный лад, форма вариаций... Tondichtung, Sinfonische Dichtung — жанр симфонической музыки, выражающий романтическую идею синтеза искусств. Симфоническая поэма представляет собой одночастное оркестровое произведение, допускающее различные источники программы литература и живопись, реже — философия или история; картины природы. Симфонической поэме свойственно свободное развитие музыкального материала, сочетающее различные принципы формообразования, чаще всего сонатность и монотематизм с цикличностью... В прошлом оратории писались только на сюжеты из Священного Писания. Hammerklavier, Hammerclavier, англ. В отличие от камерных ансамблей, в оркестре некоторые из его музыкантов образуют группы, играющие в унисон. Анданте итал. В музыке им обозначают скорость, с которой должно воспроизводиться музыкальное произведение, и соответствует темпу в диапазоне от 76 до 108 ударов в минуту — он располагается посередине между адажио и модерато. Под духовной музыкой в узком смысле подразумевают церковную музыку христиан; в широком смысле духовная музыка не исчерпывается сопровождением богослужения и не ограничивается христианством. Тексты сочинений духовной музыки могут быть как каноническими например, в Реквиеме В. Под арией может также подразумеваться музыкально-инструментальная пьеса певучего характера. Для рапсодии свойственно чередование разнохарактерных эпизодов на народно-песенном материале. Оно словно воссоздаёт исполнение древнегреческого певца-рапсода. Упоминания в литературе продолжение Ответ: Для меня очень важным шагом было участвовать в исполнении камерной музыки. Соната Сен-Санса — выдающееся произведение, и работа над ней в ансамбле потребовала от меня и от Ольги большого вложения сил. Знаете, для исполнения в ансамбле нужна координация звучания, и в этом другим музыкантам очень помогает зрение. Ведь в сольном выступлении музыкант отвечает только сам за себя, в ансамбле же необходимо не только досконально знать свою партию, но очень внимательно слушать партнера, иначе можно просто подвести и себя, и его, и вообще весь ансамбль. Мы должны ориентироваться только на слух, что создает при исполнении такого сложного произведения, как соната Сен-Санса, дополнительные трудности. Но мы преодолели эти трудности и подготовили сонату, и привезли ее на московский Парамузыкальный фестиваль! Для нас участие в таком представительном концерте — большое волнение и большая радость! Сборник статей, Реабилитация инвалидов средствами искусства. Международная научно-практическая конференция в форме интервью участников Парамузыкального фестиваля ноябрь 2015 г.
Как называется инструментальное вступление к опере? Как называется оркестровое вступление к музыкальному спектаклю? Определение слова увертюра в словарях Он исполняет увертюру, симфонические антракты, звучит во время всего действия, создает яркие картины, раскрывает чувства героев. Как называется вступительная часть в опере? Как называется концертное оркестровое произведение? Увертюра — концертное оркестровое, часто, программное произведение, а также — оркестровое вступление к опере или балету.
Вступление к опере, балету
Выбрать правильный ответ: симфония; фантазия; поэма; увертюра; кантата Как называется содержание оперы, выраженное в литературной форме?Выбрать правильный ответ: п. Многие композиторы использовали в увертюре мелодии из оперы, для которой увертюра писалась. Рихард Вагнер и Иоганн Штраус-младший делали свои увертюры программными, то есть передавали в них, вкратце, сюжет последующего драматического действия. ОПЕРА (от итал. opera – труд, произведение, сочинение) – это музыкальный спектакль, основанный на слиянии слова, музыки и драмы, в котором действующие лица поют под сопровождение симфонического оркестра. ОПЕРА возникла в Италии на рубеже 16-17 в.в. комическая опера (opera-buffa — итал., opéra-comique — франц., Spieloper — нем.), романтическая опера, на романтический сюжет. В комической опере, немецкой и французской, между музыкальными номерами допускается диалог. Музыкально-театральный жанр, а также произведение, созданное в этом жанре, основанное на синтезе слова, сценического действия и музыки, действующие лица поют в сопровождении оркестра; иногда опера включает балетные сцены, разговорный диалог, мелодраму.
Что такое вступление к опере?
Якопо Пери продолжил изыскания Галилея и положил на музыку целую драму, которую исполнили при дворе по случаю бракосочетания Генриха VI и Марии Медичи. Так появилась первая опера под названием «Эвридика». Якопо Пери Отличие оперы этого периода от остальных вокально-инструментальных произведений заключалось в монодическом одноголосном исполнении. Опера в Вене В Вене опера стала популярна в середине 18 века. Однако в городе не было специального здания для постановки оперных выступлений, поэтому в 1861 году император Франц Иосиф отдает приказ о создании оперного театра. Проект разрабатывает архитектор Август Сикард фон Сикардсбург, а оформлением интерьера занимается его друг Эдуард ван дер Нюлль. Строительство было завершено 25 мая 1869 года. Первой оперой, поставленной на сцене этого театра, стал «Дон Жуан» Моцарта.
В арии раскрывается душевный мир героя, его эмоциональное состояние, отношение на окружающие явления, события. Это музыкальная характеристика, музыкальный портрет героя. Послушайте речитатив и арию Ивана Сусанина из оперы М. Глинки «Жизнь за царя» Песня— жанр вокальной музыки, имеет куплетное строение. В оперу песня пришла из народного музыкального творчества, из бытовой музыкальной практики лирические, шуточные, песни-причитания, застольные, колыбельные, плясовые, обрядовые, исторические и др. В операх зарубежных композиторов изредка и в русских встречается с термин куплеты, но по строению и функции, они соответствуют песне песня Ваня из «Жизнь за царя» М. Романс от исп. В опере используется для передачи лирических и лирико-драматических переживаний действующего лица романс Антониды из оперы М. Глинки «Жизнь за царя», романс Полины из «Пиковой дамы» П. Ансамбль в опере — это совместное пение нескольких действующих лиц. Ансамбли различаются по количеству участников: дуэт 2 , терцет или трио 3 и т. Глинки и др. Хор: 1 от греческого слова «хорс» и латинского «хорус», что означает «толпа», «собрание»; одно из действующих лиц оперы; 2 коллектив певцов исполняющих вокальную музыку. Использование хора в опере тесно связано с народными сценами и воплощением народности в оперной музыке хоровые «прологи» и «эпилоги» в операх «Жизнь зацаря», «Руслан и Людмила» М. Глинки; хор поселян в «Князе Игоре» А. Бородина и т. На первом этапе существования оперы оркестр ограничивался сопровождением певцом, но по мере развития оперного искусства возрастала и роль оркестра в опере. Симфонический оркестр богат выразительными возможностями, переливается всеми красками тембровой палитры, активно вмешивается в ход действия, помогая оттенить и углубить образное содержание музыки. Оперный оркестр не всегда используется в полном составе — «тутти», а наоборот — часто небольшими группами, где по усмотрению композитора, «слово» предоставляется солирующим инструментам оркестра Римский-Корсаков сопроводил каватину Берендея в «Снегурочке» аккомпанементом солирующей виолончели; Верди использовал мрачный, темный контрабас в сцене, предшествующей Дездемоне. Такие красочные тембровые «мазки» и «светотени» являются сильнейшим выразительным средством. Другая существенная функция оркестра — объединить и связать отдельные вокально-драматические звенья оперного проведения. Оркестр выступает в опере и в качестве совершенно самостоятельного участника действия. Примером может являться увертюра. Увертюра от франц. Первоначально увертюра была лишь призывом к вниманию, оповещением о начале спектакля, но в конце 18 века увертюра стала передавать идейно-эмоциональное содержание оперы, подготавливать слушателя к восприятию, вводить его в атмосферу оперы и знакомить с основными музыкальными образами увертюра к опере М. Глинки «Руслан и Людмила» и «Жизнь за царя»; А. Бородина «Князь Игорь» и др. Другой вид самостоятельных выступлений в опере — музыкальные антракты, то есть музыка, исполняемая оркестром между действиями и служащая вступлением к сценическому действию, то есть «увертюра местного значения» антракты к 4-ому акту «Руслана и Людмилы».
Иногда А. Название относительно самостоятельных музыкальных эпизодов в опере, представляющих собой одновременное пение двух или нескольких певцов, вокальные партии которых не тождественны; по числу участников А. Пьеса, предназначенная для совместного исполнения несколькими музыкантами, чаще всего инструменталистами.
Иногда А. Название относительно самостоятельных музыкальных эпизодов в опере, представляющих собой одновременное пение двух или нескольких певцов, вокальные партии которых не тождественны; по числу участников А. Пьеса, предназначенная для совместного исполнения несколькими музыкантами, чаще всего инструменталистами.
Остались вопросы?
Опера – это жанр музыкально-драматического искусства, история, сыгранная на сцене с помощью музыки. Само слово «опера» переводится с латыни как «действие, труд». Ответ на вопрос в сканворде (фр. ouverture от uvrir — открывать) музыкальное вступление к опере, балету, кинофильму и т. п. состоит из 8 букв. это тот кто. Музыкальные произведения верно ли утверждение: увертюра - это оркестровое вступление к музыкальному спектаклю. Многие композиторы использовали в увертюре мелодии из оперы, для которой увертюра писалась. Рихард Вагнер и Иоганн Штраус-младший делали свои увертюры программными, то есть передавали в них, вкратце, сюжет последующего драматического действия. Опера. Драматургия, драматический – эти слова употребляют при характеристике музыки, в которой передаются переживания человека. Основой драматургического развития действия любого музыкального спектакля – оперы, балета, мюзикла и др. – является конфликт. Ответ на вопрос здесь, Количество ответов:1: Как называется музыкальное вступление к опере, балету, спектаклю, кинофильму?
Из чего состоит опера: увертюра
ответ дан • проверенный экспертом. Как называется музыкальное вступление в классической опере. это музыкальное произведение, которое звучит перед началом оперы и создаёт атмосферу для зрителей. Это называется интродукция или предыгра, в зависимости от конкретной оперы. Пройдя длительный путь развития, увертюра стала тем, чем она является в классических оперных произведениях, — сжатым, конспективным музыкальным выражением основной идеи оперы. это жанр синтетический, появившийся на основе содружества различных искусств (итальянское «opera» буквально - труд, дело, сочинение). Однако роль их в опере не равноценна. Уже несколько столетий существует опера. Ответ на вопрос "Музыкальное вступление к опере, балету ", 8 (восемь) букв: увертюра. оркестровая пьеса, предваряющая оперу, ораторию, балет, драму.