средства или * НАЗНАЧЕНИЕ - ПРИМЕНЕНИЕ. Это – классика клоунады! Это – ее детство! Наконец-то добрались! Первооснова хорошей клоунады. В 27 году постепенно начинает исчезать из цирка буффонадная клоунада. Гротесковые гримы, рыжие парики и пантомимы вытеснила разговорная клоунада. 15 марта 2023 года любимцу публики, необыкновенному клоуну-миму Леониду Енгибарову исполнилось бы 88 лет. Английский актер Джозеф Гримальди считается отцом современной клоунады.
Знаменитому эстрадному номеру «Блю канари» — четверть века
О Рине Зеленой, которая работала в этом театре со дня его основания, надо рассказать особо. Казалось бы, ничего сверхъестественного она не делала — имитируя детскую речь, выступала с рассказами о маленьких для больших, раскрывая своеобразный мир ребенка. Но, по сути дела, была создательницей особенного жанра на эстраде и много лет выступала в своем оригинальном репертуаре с огромным успехом. Ее любили все — и взрослые, и дети. Она обладала огромным сценическим обаянием, и уже одно появление актрисы вызывало улыбку и радость. Многие пытались ей подражать, но даже приблизиться не могли к тому, что делала Рина Зеленая; они просто имитировали детскую манеру речи, а Рина Зеленая стремилась показать душевный мир ребенка. Она всегда записывала слышанные ею забавные детские высказывания, так что писателям, работавшим с ней, доставался подлинный материал… На сцене Театра эстрады и миниатюр ею были созданы три маленьких шедевра: Буфетчица в «Антракте без антракта» авторы Л.
Ленч, А. Бонди, Р. Зеленая , Розалинда Лазуревская в «По существу вопроса» В. Поляков и Р. Зеленая и зубной врач в миниатюре Л. Ленча «Одну минуточку».
Три совершенно разных образа, три совершенно не похожие друг на друга женщины, с разной речью, разной пластикой, созданы ею. В «Антракте» Рина играла разбитную буфетчицу. Она сидела за буфетной стойкой и высказывала свои впечатления о зрителях: «А вот к нам в театр ходит одна женщина, такая хорошая, скромная женщина, и каждый раз приходит с мужем… и муж у нее каждый раз разный…». Розалинда Лазуревская из «По существу вопроса» была «светской дамой» — вздорной, болтливой, больше всего в жизни любящей луну, шпроты и Изабеллу Юрьеву. В «Одной минуточке» Рина Зеленая играла несчастного зубного врача. Она то и дело просила своего пациента то открыть рот, то закрыть рот, то открыть ее сумочку, то закрыть ее сумочку.
Рядом стоял телефон, и она без конца отрывалась: «Минуточку! Пациента замечательно, без единого слова, только иногда издавая какие-то звуки от мучительных зубных страданий, играл Аркадий Райкин… Был в программе водевиль «Правдивый лжец» Э. Скриба, поставленный режиссером Р. Миронова исполняла остроумно написанный Владимиром Поляковым монолог «У актерского подъезда». Она играла девушку-психопатку Кису, которая звонила из телефонной будки подруге и рассказывала, как ей удалось съесть след ноги певца Ивана Козловского на снегу. Потом шла маленькая опера «Усы» на музыку Никиты Богословского с текстом В.
Полякова, где высмеивались оперные штампы. На центральные роли были приглашены оперные певцы Театра имени Станиславского: баритон Н. Панчехин и тенор В. Опера была пародийная, действие происходило в парикмахерской, где парикмахер все путал: одному, вместо того чтобы побрить голову, сбривал усы, другому, наоборот, оставлял усы и брил голову. Сочетание серьезных музыкальных тем с нелепыми ситуациями и поступками персонажей было остроумным и очень смешным. Вспоминая сейчас о Московском театре эстрады и миниатюр, приходишь к убеждению, что его можно было бы считать образцом подобных театров.
В его программе было найдено равновесие всех жанров. И труппа была очень точно подобрана…». Между тем в конце 30-х произошла так называемая сталинская «оттепель», которая дала новый импульс советскому искусству, в том числе и эстраде. Тому же московскому Театру миниатюр было разрешено воскресить многое из того, что было насильственно прервано еще в 20-е годы. Эта «оттепель» явилась стимулом к появлению на эстраде целой плеяды молодых талантливых драматургов и артистов, в том числе и великого сатирика Аркадия Райкина. Однако либеральная присказка о том, что в те годы все жители огромной страны чувствовали себя пассажирами трамвая «полстраны сидело, а остальные тряслись» , была явно притянута за уши.
Страх испытывали разве что представители элиты, находившиеся близко к власти и имевшие больше шансов реально пострадать от репрессий с ее стороны, а вот простые граждане этот страх ощущали в меньшей степени. Чуть позже сам Райкин в одной из своих интермедий пошутит по этому поводу следующим образом: «Эпоха была жуткая, жутчайшая была эпоха, однако рыба в Каме, представьте себе, была…». Как уже говорилось выше, несмотря на то, что в 1937 году началось вытеснение евреев из власти после «дела Тухачевского» , в других областях общественной жизни этого не последовало. Например, в культурной политике евреи продолжали играть весьма существенную роль. Лишь единицы из них пострадали в те годы вроде поэта Осипа Мандельштама, писателя Исаака Бабеля или режиссера Всеволода Мейерхольда , а тысячи остальных продолжали находиться на вершине советской идеологии и активно работали на советскую власть. Вот и в годы так называемой сталинской «оттепели» конца 30-х их роль была весьма значительной.
Короче, без активного участия евреев не было бы того выдающегося советского искусства, которое потрясало весь мир в сталинские годы. Либеральные историографы сегодня напирают на то, что тогдашнее советское искусство создавалось запуганными до смерти людьми, хотя на самом деле это утверждение звучит как нонсенс: люди, находящиеся в состоянии страха за свою жизнь, просто не в состоянии создавать шедевры. А ведь страх этот должен был длиться у них не один год — десятилетия. У любого нормального творца, окажись он под подобным прессом годами ждать репрессий! А мы видим совсем иное: творческая плодовитость тех же Дунаевского или Ромма с каждым годом возрастала, позволяя им выдавать на-гора один шедевр за другим. Кстати, это именно Дунаевский в одном из своих частных писем, написанном уже на излете сталинской эпохи в 1950 году , признался в следующем: «Не надо здесь никаких романтических взглядов, чтобы сказать, что Сталин является величайшим человеком не только нашей эпохи.
В истории человеческого общества мы не найдем подобных примеров величия и грандиозности личности, широты, популярности, уважения и любви. Мы должны гордиться, что являемся его современниками и пусть крохотными сотрудниками в его деятельности. Как часто мы особенно молодежь забываем, что одним воздухом дышит с нами, под одним с нами небом живет Сталин. Как часто у нас кричат: «Дорогой, любимый Сталин», а потом уходят в свои дела и пакостят на работе, в жизни, в отношениях к людям, друзьям, товарищам. Сосуществование со Сталиным требует от его современников безграничной чистоты и преданности, веры и воли, нравственного и общественного подвига. Сама жизнь Сталина является примером такого подвига во имя лучшей жизни на всей земле».
Напомню, что это не строки из какого-нибудь доклада на торжественном собрании, а отрывок из частной переписки Дунаевского — значит, они шли от чистого сердца, а не являлись «обязаловкой». В годы войны практически все артисты советской эстрады были включены во фронтовые бригады и регулярно выезжали на фронт, чтобы поднять настроение советским воинам. Например, тот же Аркадий Райкин со своим ленинградским Театром миниатюр был прикреплен к Северному и Балтийскому флотам и за четыре года войны дал сотни концертов. Точно так же работали и другие его коллеги-юмористы. Таким образом, их вклад в общую победу нельзя недооценивать — без них она могла бы и не прийти. А уже спустя год после окончания войны был возобновлен Всесоюзный конкурс артистов эстрады: в том году он проводился в Москве во второй раз первый конкурс датирован 1939 годом и явил советской эстраде новых кумиров, в том числе и в жанре юмористики.
Так, 1-ю премию на нем получили два артиста из Киева: украинец Юрий Тимошенко 1919 и еврей Ефим Березин 1919. Их дуэт появился на свет еще в 1941 году, когда они, окончив Киевский театральный институт, стали выступать на больших сборных концертах. В этом дуэте Тимошенко играл милиционера произносимая им фраза «Давайте не будем» станет крылатой , а Березин выступал в образе театрального осветителя. В годы войны артисты начали выступать в армейской самодеятельности, затем в профессиональном военном ансамбле песни и пляски — вели программу в образах банщика Мочалкина Тимошенко и повара Галкина Березин. С этими персонажами они впервые выступили летом 1942 года в Москве, в Концертном зале имени Чайковского, где проходили Дни Украины. В этих образах они проработали всю войну.
А после ее окончания на свет родились два других персонажа, которые, собственно, и стали их визитной карточкой на долгие годы. Речь идет о сельском милиционере Тарапуньке Тимошенко и театральном осветителе Штепселе Березин. Именно в этих образах дуэт и выступил на конкурсе эстрады, покорив жюри своим искрометным юмором. С этого момента и началась их подлинная слава. Уже спустя несколько месяцев Тарапунька и Штепсель выступили в качестве конферансье в московском эстрадном театре «Эрмитаж». Их автором стал опытный эстрадный драматург Павел Григорьев это он написал слова к песне Покрасса «Белая армия, черный барон».
Как пишет историк эстрады Ю. Дмитриев: «В конферансных интермедиях Тимошенко изображал, казалось, простоватого парня, но острого на язык, ироничного, умеющего за себя постоять. Разговаривал он на украинском языке. Персонаж Березина, поработав в театре, был уверен в своем превосходстве над участником художественной самодеятельности, милиционером, старался его поучать. Тарапунька отвечал ему колко, неожиданно, остроумно, сбивал спесь как тогда шутили многие: «там, где прошел хохол, еврею делать нечего». Интермедии часто имели злободневный, сатирический характер.
Артисты использовали импровизацию, эксцентрику, буффонаду, гротеск. Естественно возникающее двуязычие стало дополнительным художественным приемом, вносило особый национальный колорит…». Расскажем о каждом в отдельности. Орлов прославился в годы войны исполнением сатирических куплетов и песенок «Джеймс Кеннеди», «Барон фон дер Пшик» и др. После войны Орлов и Кудрин еще какое-то время работали дуэтом в Ленгосэстраде, хотя Орлов выступал порой и в одиночку: конферировал, пел куплеты и песни «Дождливым вечером», «Потому, потому что мы пилоты» В. Белов артистическую карьеру начал в конце 20-х, исполняя частушки под собственный аккомпанемент на балалайке.
Затем работал актером в Театре революции. В годы войны вернулся к музыкальному творчеству — исполнял куплеты, конферировал в образе нескладного, стесняющегося человека. Именно в этом образе он и предстал перед жюри II конкурса эстрады и стал лауреатом. Блехман был известным куплетистом, рассказчиком и пародистом. На эстраду он пришел в 1939 году из художественной самодеятельности. В годы войны сражался на фронте, был ранен и комиссован.
Выйдя из госпиталя, начал играть в оркестре одного из кинотеатров Оренбурга на барабане там же играл и будущий знаменитый композитор Ян Френкель. После войны Блехман вернулся в Ленинград, где возглавил группу эстрадных артистов и гастролировал с нею по стране. Кузнецова: «Веселый, музыкальный, темпераментный, Блехман умел петь, танцевать, непринужденно общаться с публикой, вести конферанс. Он был универсальным артистом, владеющим разными жанрами, играл на нескольких музыкальных инструментах. Уже тогда напоминал своего кумира — молодого Леонида Утесова, у которого заочно учился. В репертуаре Блехмана были музыкальные пародии на Л.
Утесова, К. Шульженко, А. Вертинского, Р. Зеленую, Р. Бейбутова, куплеты, музыкальные мозаики, танцевальные пантомимы. Его исполнительская манера приближалась к амплуа опереточного простака, так называемые позитивные номера, которые приходилось исполнять, как правило, ему не удавались…».
Кравцова в 1942 году поступила в Ленинградский институт театра, музыки и кино. Ее амплуа там было лирико-комедийная актриса, причем она любила те роли, где можно было спеть и станцевать пению она обучалась у В. Гариной, причем одновременно с будущей оперной примой Галиной Вишневской. Все это и привело к тому, что еще будучи студенткой, Кравцова стала выступать и на эстраде. В итоге в 1946 году и попала на конкурс эстрады, где исполнила фельетон А. Фатьянова «Концерт в колхозном клубе» — речевой номер перемежался частушками, русской песней, был насыщен народным юмором.
Победив на конкурсе, Кравцова после окончания института 1947 была принята в Ленгосэстраду, где стала выступать с песнями и куплетами. В 50-е годы советская юмористика обогатилась новыми именами, хотя в ней продолжали блистать и «старики» — те, кто пришел туда еще в 30-е годы. Ведущим артистом в этом жанре был, безусловно, Аркадий Райкин, который собирал неизменные аншлаги по всей стране. Среди других популярных артистов того времени назовем следующих. В новом дуэте Миров выступал в роли ворчливого и вечно поучающего учителя, а Новицкий — ученика, который относится к своему учителю иронически. Именно этот дуэт родил на свет крылатую фразу «Нас дядей не запугаешь!
Ворончук и В. Суть ее была такова. Новицкий просил Мирова объявить певицу Ольгу Петровну, поскольку она спешит в гости. Но Миров возмущался: дескать, мало куда она спешит. Тогда Новицкий пояснял: дядя певицы большая «шишка» — работает в Управлении. Однако тут выяснялось, что у другого артиста тоже есть дядя-«шишка» — из министерства, и он пропускать вперед себя певицу не желает.
Миров растерян — что делать? Узнав об этом, Миров «умывал» артиста крылатой фразой: «Нас дядей не запугаешь! Другой артист — Эммануил Каминка — как мы помним, приобретший славу в 30-е годы, исполняя классические рассказы и новеллы М. Салтыков-Щедрин, Л. Толстой, А. Твен, О.
Более того, после смерти Сталина сатирическая составляющая в его рассказах стала доминирующей: Каминка стал включать в свои выступления рассказы М. Кольцова, И. Ильфа, Е. Петрова, А. Зорича, И. Дубнова: «Острота сатиры, гротесковость сатирических типов достигались Каминкой с помощью виртуозного владения словом, разнообразия интонаций, контрастов ритма.
Его речь была исключительно экспрессивна, переходы от юмора к драматизму внезапны, паузы эмоционально насыщены. Он умел смешить аудиторию, заражал ее своей жизнерадостностью и в то же время потрясал драматизмом судеб простых, «маленьких», бедных людей — персонажей Шолом-Алейхема, а позже — одиноких потерянных русских эмигрантов в рассказах И. Обнаруживал тонкое мастерство психологического портрета в «Письме незнакомки» С. Цвейга, поднимался до высот трагедии в отрывке из «Крейцеровой сонаты» Л. Кстати, в конце 50-х свет увидит книга о Э. Каминке авторства Л.
Продолжал выступать на эстраде и Илья Набатов Туровский. Как мы помним, он был мастером куплета, чаще всего посвященного международным темам. После войны он высмеивал политических деятелей из разряда «поджигателей войны» — то есть занимался тем же, чем и Аркадий Райкин, который изображал на сцене тех же героев: Черчилля, Аденауэра, Папу Римского Пия XII и др. Правда, как мы помним, Райкин к творчеству Набатова относился достаточно критически. По словам Ю. Дмитриева: «Набатов появлялся на эстраде в безукоризненном костюме, сосредоточенный и стремительный; высокого роста, худощавый, с продолговатым выразительным лицом, на котором выделялась тонкая нитка усов.
Предваряя номер, часто сухо, по-деловому напоминал публике событие, послужившее основой. Следовал знак в сторону аккомпаниатора, и актер, используя характерные жесты, пластику, энергичную мимику, акценты, создавал широкую панораму политических деятелей. По поводу последних слов так и напрашивается ремарка. Действительно, в свете того, что произошло в мире после распада СССР, многое смотрится иначе. Сегодня либеральная пропаганда приучает людей ставить знак равенства между фашизмом и коммунизмом, между Гитлером и Сталиным. Зато западные деятели типа Черчилля и Аденауэра возведены на пьедестал как истинные демократы.
НАТО объявлено другом России, и хотя опоясывает последнюю своими ракетами вдоль границы, это выдается либералами как вполне миролюбивые действия. И нет на сегодняшней российской эстраде сатирика вроде Ильи Набатова, который мог бы адекватно отреагировать на подобные поступки и заклеймить новых «поджигателей войны»: например, тех, кто бомбил в 1999 году Югославию, а в новом веке утюжил бомбами Афганистан, Ирак, а потом добрался и до Ливии. Судя по всему, рано или поздно придет очередь содрогнуться от бомбовых ударов и России, ибо, как писал один английский поэт четыре сотни лет назад: «Не спрашивай, по ком звонит колокол: он звонит по тебе». Аркадий Райкин или Илья Набатов шестьдесят лет назад это понимали. А вот многие из нас не понимают, поскольку двадцать лет оголтелой либеральной пропаганды все-таки дают о себе знать. Но вернемся к событиям начала 50-х и продолжим знакомство с артистами, которые работали в те годы на советской эстраде.
Петр Муравский Бартосяк , явившийся зачинателем собственного жанра — фельетона-беседы, продолжал этим заниматься и в послевоенные годы. Причем, в отличие от Набатова, он в основном касался бытовых тем, минуя международную тематику. На те же бытовые темы острила и Рина Зеленая. Как мы помним, в 40-е годы она работала в московском Театре эстрады и миниатюр, но после его закрытия в 1946 году стала выступать с сольными номерами. Причем Зеленая исполняла не только взрослые монологи, но и детские, изображая на сцене озорных и веселых девочек. На 50-е годы выпала феерическая слава дуэта в лице Юрия Тимошенко и Ефима Березина.
Как уже отмечалось, первый изображал сельского милиционера Тарапуньку, второй — театрального осветителя Штепселя. С 1949 года они отказались от прежних масок и стали выступать в обычных пиджачных костюмах вместо милицейской формы и одежды осветителя , но под теми же именами. Прежними остались и их амплуа: Тимошенко выступал в роли комика Рыжий клоун , Березин — в роли резонера Белый клоун. В первой половине 50-х на этот дуэт обратил внимание кинематограф, после чего в 1954 году свет увидел их первый фильм — «Штепсель женит Тарапуньку». Среди молодой поросли юмористов, заявивших о себе в 50-е годы, выделим следующих. Например, Бена Бенцианова, который долгое время работал на периферии в Башкирской и Новосибирской филармониях , но с конца 40-х перебрался в Ленинград, где поступил в труппу Нового театра-студии позднее Театр драмы и комедии.
В марте 1951 года Бенцианов переходит в Ансамбль эстрадных артистов «Ленконцерта» под руководством его соплеменника — А. Одной из первых миниатюр Бенцианова, принесших ему известность, стала миниатюра Л. Славина, где артист сыграл роль глупого бюрократа Доморощенко. Роль оказалась настолько заметной, что из одной программы «Не проходите мимо» перекочевала в следующую «По разным адресам». Кроме этого, Бенцианов исполнял скетчи короткие, в одно действие, комедийные пьесы с 2—3 персонажами , интермедии, монологи, конферировал. Чуть позже Бенцианов вместе с группой других актеров покинул Ансамбль эстрадных артистов и возглавил эту группу, с которой начал ставить собственные эстрадно-музыкальные представления.
Еще один артист, к которому слава пришла в начале 50-х, — Лев Горелик. Родившись в 1928 году в Астрахани, он затем переехал в Москву, где поступил в Студию под руководством Андрея Гончарова. Кумиром Горелика уже тогда был Аркадий Райкин, поэтому юноша стал мечтать о карьере артиста-сатирика. Подспорьем ему в этом было то, что одним из его педагогов в студии была Е. Шереметьевская, которая некогда учила и Райкина, а также то, что Горелик активно посещал спектакли и репетиции райкинского театра, когда тот гастролировал в Москве. Однако в столице Горелику тогда закрепиться не удалось, поэтому он в конце 40-х уехал в Саратов, где создал при тамошней филармонии эстрадно-сатирический ансамбль с участием молодежи.
Слава пришла к Горелику в 1953 году, когда он выпустил свою первую программу — «Розы и шипы» в постановке режиссера Э. Краснянского авторы текстов З. Гердт, В. Драгунский и др. Особый успех в ней имела сатирическая сценка «Рыболов» текст самого Горелика , где артист исполнял монолог от лица «рыболова», запечатленного на известной картине художника В. Чуть позже на Всесоюзном конкурсе артистов эстрады 1957 эта работа Горелика будет отмечена дипломом.
Другой артист, ставший известным в первой половине 50-х, — Геннадий Дудник. Закончив его, Дудник работал в театре, а параллельно выступал на профессиональной эстраде с пародийным номером «Артисты в зоопарке», сделанным еще в стенах ГИТИСа, где представлял целую портретную галерею мхатовских артистов: Б. Добронравова, В. Ершова, А. Зуеву, Б. Ливанова, П.
Массальского, М. Прудкина, М. Тарханова, Н. Причем Дуднику удавалось не только талантливо имитировать голос и манеру поведения объекта пародии, но и проникнуть в суть его характера, воссоздать внутренний мир. В итоге талант пародиста привлек к себе внимание Николая Смирнова-Сокольского, который в 1954 году пригласил Дудника в открывшийся Московский театр эстрады. В первом же спектакле «Его день рождения» Дудник исполнял два номера: пародии «Артисты на стадионе» и сатиру на «стилягу», похожего на обезьяну.
С этого момента определились два направления деятельности Дудника: пародии на конкретных лиц круг пародируемых расширялся — к мхатовцам прибавились Эраст Гарин, Леонид Утесов, Николай Смирнов-Сокольский и др. Во второй половине 50-х на свет появился дуэт в лице Александра Лившица и Александра Левенбука. Оба они окончили 1-й Московский медицинский институт 1957 , где евреев всегда было особенно много, и там же начали выступать в художественной самодеятельности. В год окончания института оба были приняты в «Москонцерт», где подготовили свою первую программу — «Детские стихи для взрослых» 1957 , состоявшую из стихов «Муха-Цокотуха», «Телефон» К. Чуковского, «Багаж» С. Маршака, «Хрустальная ваза» С.
Михалкова по сути, Лившиц и Левенбук были продолжателями дела другого эстрадного дуэта — в лице Натана Эфроса и Петра Ярославцева, тоже начинавших с «Мухи-Цокотухи», только в 30-е годы. А вот еще один дуэт — еврейско-русский в лице Ефима Левинсона и Георгия Поликарпова. Эти артисты специализировались на сценках с участием… кукол. Причем поначалу они выступали поодиночке. Так, Левинсон, комиссованный по ранению с фронта в 1944 году, устроился на работу в Театр кукол при ленинградском Дворце культуры имени М. В дуэте с А.
Корзаковым они поставили кукольный политсатирический номер на японского милитариста. Что касается Поликарпова, то он до войны работал в Ленинградском театре миниатюр, где вместе с Аркадием Райкиным исполнял эксцентрический номер «4 канотье». Во время войны Поликарпов был в народном ополчении, потом выступал во фронтовых бригадах. В 1955 году судьба свела его с Левинсоном, после чего на свет родился знаменитый кукольный дуэт. Причем куклы они делали сами: эскизы и скульптуру Левинсон, а конструировал — Поликарпов. Уварова: «За 20 с небольшим лет существования дуэта было сделано около ста номеров двести кукол.
Среди них сатирические, пародийные: «Обезьянка-модница», «Повар и собака», «Художник-абстракционист», «Бемолькин» и «Диезкин». Большинство номеров были небольшими жанровыми сценками с точно очерченными, психологически достоверными характерами. Классикой эстрады стали «Любящий муж», «Очи черные», «Умирающий лебедь». В маленьком шедевре «Мелодия» скрипач на ширме вдохновенно играл Глюка. Неожиданно появлялся рычащий тигр, готовый наброситься на скрипача. Под влиянием музыки зверь постепенно успокаивался, начинал внимательно слушать, в глазах появлялась слеза.
Он снимал с себя шкуру и укутывал ею музыканта. Зачарованный, уходил вслед за скрипачом, унося в зубах футляр со скрипкой…». Как видим, среди перечисленных артистов и авторов опять же много евреев, что лишний раз доказывает, что бразды правления юмором и сатирой в стране они по-прежнему крепко держали в своих натруженных руках. Однако не обходилось и без исключений. Так, в первой половине 50-х на эстраде объявился чисто славянский дуэт в лице Павла Рудакова и Вениамина Нечаева. Оба они были фронтовиками и познакомились после войны на Дальнем Востоке, где проходили службу.
Будучи офицерами, они руководили в своих подразделениях художественной самодеятельностью и впервые увидели друг друга на одном из совместных концертов в хабаровском Доме офицеров. Там же решили… выступать дуэтом. Демобилизовавшись, они сначала три года работали в Дальневосточной филармонии: конферировали, играли сценки, исполняли куплеты самые популярные: «Кому как, а нам нравится» — о победе, о фронтовиках. Самое интересное, что свое восхождение к успеху они начали со… скандала. В 1948 году они выступили в Ленинграде, и это выступление было подвергнуто зубодробительной критике в одной из газет. Именно эта критика и привлекла к артистам внимание широкой публики.
Об их творчестве музыковед Г. Териков отзывается следующим образом: «Рудаков и Нечаев аккомпанировали себе сами; Нечаев на гитаре, Рудаков на концертино миниатюрная гармошка. Прием исполнения был прост. Нечаев проговаривал первые строчки, а ударную концовку «выдавал» Рудаков. Каждый нашел свою маску, свою манеру подачи куплетов. Полноватый Нечаев был резонером.
Он как бы все знал, во всем разбирался, любил поучать и относился к партнеру свысока, насмешливо. Рудаков — комик, выглядел простоватым, недалеким, но именно он приходил к правильным, хотя иногда и парадоксальным выводам. Порой казалось, что Рудаков и Нечаев бесстрастно «докладывают» под музыку текст. Такая манера была проявлением тонкого понимания жанра применительно к созданным маскам. В 50-е годы — время «оттепели», когда поощрялись оперативность, злободневность, даже острота естественно, в меру , — Рудаков и Нечаев стали постоянными участниками многочисленных концертов в дни партийных съездов и всесоюзных совещаний. Обычно артистов и их постоянных авторов В.
Константинов и Б. Рацер, Я. Грейц, А. Мерлин и др.
Второй Венгерской рапсодии Листа. Второй прием музыкальной клоунады — использование необычных и эксцентричных музыкальных инструментов. Режиссура эстрадных номеров различных жанров Инструмент в этом случае вроде бы и похож на настоящий, но... Чаще всего обыгрывается размер инструмента, не соответствующий общепринятому. Шапмала был сделан номер «Разборный кларнет». Петроли, он исполнялся с трубой. Но неожиданно один из артистов цеплял смычком рукав соседа трюковой смычок с крючком на конце , и тот отрывался. И дальше — больше... В финале номера музыканты сидели в совершенно разорванных фраках, но с достоинством доиграли первую часть сонаты до кон[1а. Это очень высокий класс музыкальной эксцентрики. Здесь проявляется природа конфликта многих разновидностей оригинальных жанров — борьба с миром вещей и победа человека над вещью. Этот прием использовался еще скоморохами, когда игра на балалайке превращалась в борьбу с ней, в результате чего человек демонстрировал полную власть над инструментом: балалайка во время игры подбрасывалась, перекидывалась, вертелась вокруг корпуса и т. Так клоун А. Игра на музыкальном инструменте необычным способом всегда хорошо принимается публикой, так как изначально содержит в себе наглядно-зримый трюк. Смирнова и Т. Обладатель Гран-при того же конкурса М. Рави исполнял на баяне залихватскую мелодию, но у него на мехах инструмента стоял бокал вина, наполненный до краев. Музыкальный диалог клоунов Когда музыкальные эксцентрики выступают парой, то они редко обходятся без музыкального диалога. Это может быть одновременно и конфликт характеров и конфликт с вещами. Они считаю! Например, один музыкант играет «Мишка, Мишка, где твоя улыбка? Макеевы вели музыкальный диалог, нажимая на пуговицы-помпоны. Очень демократична разновидность музыкальной эксцентрики, которая носит условное название «Человек-оркестр», недаром так часто встречается эта разновидность жанра в репертуаре уличных клоунов. Набор музыкальных инструментов здесь очень разнообразен, в него включаются даже детские дудочки. Например, такой номер есть в репертуаре Г. В заключение главы хотелось бы привести высказывание Е. Существуют только хорошие советы. Обычно их дают старики. Работа клоуна — это труд, труд, и снова труд. А если вздумаете ее приобрести, то наверняка кто-то доброжелательный подсунет в нее несколько миниатюрных шипов. Нельзя «смешить» зрителей. Это фальшивая монета, которую моментально распознают даже неискушенные люди. Чем больше вы будете стараться, чтобы вышло посмешнее, тем меньше будет получаться.
Клоун Мусля — Алексей Сергеев — в цирковой среде считался самым талантливым, даже гениальным клоуном. Следите за событиями дня в нашем паблик-аккаунте в Twitter.
Сам номер еще более таинственен. Но трио, хотя состав его за двадцать пять лет не раз менялся, вызывало и вызывает какой-то особенный восторг. Попытки объяснить это с научной точки зрения, еще более запутывают. Валерий Кефт, клоун: "Жанр этого номера - синхро-буффонада. Кажется, сценка так проста, что повторить может любой. А между тем, участием в "Канарейках", как называют сценку "Лицедеи", грезили едва ли не все начинающие клоуны. Анвар Либабов, клоун: "Выступить в "Канарейках" - это была мечта. Такая чувственность в этом номере, такая атмосфера! Я с мокрыми глазами смотрел". У них и веселое торжество по поводу юбилея "Блю канари" получается со слезами. Создателя этого доброго и трогательного номера, самого уважаемого лицедея, 65-летнего Роберта Городецкого, которого все зовут Папой, жестоко избили и ограбили в середине декабря. Сейчас он в больнице с тяжелой травмой.
Sorry, your request has been denied.
И играли роль чертей да леших, иногда — обычных животных. Тех, кто связал свою жизнь с профессией балагура и шутника, называли скоморохами. Они разъезжали по городам, выступали в балаганах, были частыми спутниками придворных пиров. Одно время для них даже создали «Потешную палату» и «Потешный чулан». Однако скоморохи полностью не оставили выступления на улицах.
Их сценки носили шутливый, часто сатирический характер. Например, популярные в то время арлекинады переделывались под интересные народу моменты. Попав под опалу царя, балагурам пришлось прекратить свою деятельность. На арене они появились с созданием «Русского цирка братьев Никитиных».
Один из братьев, Аким, сам исполнял клоунаду. В других цирках появились клоуны Рыжий и Белый. Это были полностью противоположные персонажи, которые обязательно на сцене устраивали шутливую ссору.
Трижды смешно. До сих пор вставляет. Леонид Енгибаров Самый психоделический наш «грустный клоун». Енгибаров для меня лучше, чем Марсо. Леонид Енгибаров.
Дебюро 1796-1846. Дальнейшее развитие клоунады протекало в первых стационарных цирках, появившихся во второй половине 18 в. Первые цирки давали конно-акробатические выступления, поэтому клоуном стал наездник, изображавший неумение справиться с лошадью. К концу 18 в. Говорящие клоуны повлияли на становление амплуа Рыжей маски, наездники и акробаты впоследствии трансформировались в Белого клоуна. Впервые две традиции объединил в своем творчестве Ж-Б. Ориоль-Арлекин, выступавший в костюме средневекового шута цирк Франкони, 1835, Париж. Он владел и пантомимой, и разговорным жанром. Окончательно маска Августа оформилась к 1870-м, когда на арену цирка Франкони вышел новый персонаж в рыжем парике.
В кадре: занавес открывается, клоуны выходят Тут даже песенка ждет своего исследователя. Название у нее английское - не то "Голубая канарейка", не то "Печальная". Записал ее болгарский ансамбль. При этом, песня, как будто, старая итальянская. Но в Италии ее не понимают. А мелодию ленинградцы-петербуржцы, благодаря "Лицедеям", давно считают своей. В кадре: уличные музыканты - обработка мелодии. Сам номер еще более таинственен. Но трио, хотя состав его за двадцать пять лет не раз менялся, вызывало и вызывает какой-то особенный восторг. Попытки объяснить это с научной точки зрения, еще более запутывают. Валерий Кефт, клоун: "Жанр этого номера - синхро-буффонада. Кажется, сценка так проста, что повторить может любой.
Клоун Сергей Просвирнин рассказал о работе в Монте-Карло и у Никулина
10 декабря 1901 года родился Михаил Николаевич Румянцев, клоун, известный под сценическим псевдонимом «Карандаш». Он является одним из родоначальников жанра клоунады в стране. В паузах между выступлениями акробатов, жонглеров, фокусников, дрессировщики комики играют репризы или показывают клоунады — сценки в форме номеров. Каждая новая эпоха в жизни цирка отмечена новой звездой клоунады, на годы определяющей стиль и жанр циркового искусства. В 1930-е советский цирк олицетворял Карандаш, в 1950-е. Существуют 3 типа клоунов: цирковой, театральный и аниматоры. Если разбирать виды клоунов в цирке, то их много: от буффонады до классической клоунады, варьете, кабаре и так далее. Театр «Лицедеи» – один из немногих в России и за рубежом драматический театр клоунады. Помимо кризиса жанра у них есть ещё проблемы: их здание на Льва Толстого норовят отнять.
подборка клоунады
Номер показали в «Голубом огоньке», он мгновенно покорил всех зрителей. Грустная канарейка Этот номер придумал другой основатель театра «Лицедеи», Роберт Городецкий. Он купил пластинку с песней Винченцо Фиорино и, услышав мелодию, сразу представил номер. И хотя Городецкий говорил, что Полунин не подходит для этого номера по темпераменту, «Грустную канарейку» до сих пор исполняют в «Снежном шоу Славы Полунина». Забег на 10 000 метров Не такой известный, но все равно любимый многими номер.
Некоторые зрители просто смеются над пантомимой, а вот другие ищут в ней скрытый смысл и считают, что номер символизирует жизнь или построение коммунизма.
В начале 1800-х гг. Он также носил яркую вызывающую одежду и специализировался на классических физических трюках. Популярность Гримальди настолько велика, что поминания в его честь ежегодно проводятся в одной из лондонских церквей. Grock Грок в своей гримерке в Цирке Медрано, 1952 год.
Британская энциклопедия, Inc. Известный как «король клоунов» - что, как мы предполагаем, было сделано как комплимент - швейцарский акробат Чарльз Адриен Веттах начал выступать в роли клоуна в 1903 году. В том же году он взял имя Грок. Недовольный цирковой обстановкой, он начал выступать в мюзик-холлах. Это открыло новую главу в клоунаде, поскольку все больше исполнителей стали появляться в водевилях и других сценических шоу.
Одаренный музыкант, Грок часто использовал инструменты в своих выступлениях. Олег Попов Олег Попов, 2009. Патрик Гланц Его можно считать Том Брэди клоунов. Как и знаменитый квотербек НФЛ, чей большой прорыв произошел, когда он заменил травмированного товарища по команде, Олег Попов взял на себя инициативу, когда получил травму главный клоун Московского цирка. Остальное уже история.
Пристрастился Леонид ходить и в «Иллюзион», кинотеатр, в котором демонстрировались старые ленты, предваряемые, как правило, содержательным вступительным словом киноведа. Всеми правдами и неправдами проникал в Дом кино, когда там шли комедийные ленты. Стремясь глубже постичь механизм смеха, Леонид стал смотреть такие фильмы по два-три сеанса подряд.
На первом захватывало развитие сюжета, а подробности и нюансы ускользали. Зато на последующих во все глаза следил за техникой комического трюка — это были, как он говорил, самые полезные уроки. Студент Енгибаров энергично впитывал в себя и другие художественные впечатления; смотрел с однокурсниками представления в зимнем цирке, а летом — в шапито, часто бегал на эстрадные концерты, впивался в экран телевизора, «когда там показывали что-то веселое...
Но до этого еще далеко. И пока жадное, без разбора, поглощение книг и всевозможных зрелищ обернулось залежами непереваренной информации. Нет, каша нечто однородное, винегрет был в моей голове, мешанина,— вспоминал Енгибаров, — Прочитанное, услышанное — все перепуталось».
Однако студенческие годы не прошли даром. Наряду с профессиональными навыками формировались художественные взгляды, развивался вкус, вырабатывались основы эстетических воззрений, происходило становление характера. В последние месяцы, проведенные в стенах училища, Леонид Енгибаров увлекся пантомимой.
Это пристрастие оказалось чрезвычайно важным для его творческого будущего. В учебную программу уроки пантомимы тогда не входили. Дело это было новым для училища, мало кому известным.
Среди преподавателей и администрации находились и такие, кто решительно не разделял занятий Енгибарова и его друзей «этими странными упражнениями глухонемых». Тем не менее энтузиасты красноречивого безмолвия, не имея ни педагогов, ни учебников, продолжали настойчиво осваивать сложный язык искусства пантомимы, изобретали на свой страх и риск собственную грамматику пластических движений, или, как говорил Енгибаров, телесный синтаксис. До всего доходили своим умом.
Многие упражнения подсказала интуиция, в частности, весьма продуктивные — на расслабление одних групп мышц и напряжение других. Упорные тренировки и неустанное придумывание этюдов, реприз, сценок не преминули принести свои плоды. Заметно возросла пластическая выразительность Леонида, накопилось изрядное количество сочиненных им бессловесных миниатюр.
Язык жестов, обладающий неисчерпаемыми возможностями, пришелся как нельзя более самому характеру его дарования — поэтическому видению мира. И вот, наконец, отшумели два положенных года, незаметно подошло время выпуска. Сокурсники давно уже объединились в дуэты: считалось, что у двоих больше творческих возможностей.
Енгибаров же твердо решил — будет работать один, будет солистом. Уже тогда сделал он свой выбор — стать клоуном-мимом. И это, несмотря на весьма настойчивые советы не пренебрегать речью.
Рекомендации «озвучиться» Леонид Енгибаров будет получать на протяжении всей творческой жизни. Однако с присущей ему категоричностью отстаивал, как и в студенческую пору, приверженность к языку жестов. В цирковом училище я прошел курс техники речи.
Разговариваю в фильмах, читаю стихи и даже люблю петь». В защиту безмолвия у него нашлось немало доводов, которым не откажешь в убедительности: «Мир пантомимы полон звуков и красок. Он гремит...
А вот и самый главный, по его мнению, аргумент: «В цирк, как мне кажется, приходят смотреть представление, а не слушать его». Как же нужно было верить в правоту своего выбора, с какой глубиной постижения осознавать необъятную силу искусства пантомимы, чтобы избрать для себя эту трудную, почти нехоженую дорогу. Недаром же говорится, что вера в себя — в числе определяющих признаков истинного таланта.
Наиболее дальновидные из его наставников к тому времени уже сумели разглядеть незаурядность своего питомца, составили вполне определенное представление о его творческом будущем. Привлекали его и произведения русских художников-символистов. Безусловно, большое влияние на эстетические взгляды Енгибарова оказала его педагог - режиссер Наталья Сергеевна Соловьева» правнучка русского историка С.
Отделение клоунады готовилось к выпускным экзаменам. В это жаркое время Енгибаров был настолько поглощен походами в кинотеатры, на выставки и спектакли, что приближающееся испытание застало его, как он сам признавался, врасплох. И вес же экзамены сдал хорошо.
В архиве училища хранится протокол заседания педагогического совета от 15 июня 1959 года. В графе «Специализация по жанрам циркового искусства» стоит оценка «5». Итак, Леонид Енгибаров — дипломированный артист цирка, и едет на стажировку в Армянский цирковой коллектив «Ереван».
Пройдет не так уж много времени, и знаменитый клоун, гордость училища, займет почетное место за столом экзаменационной комиссии, за тем самым столом, перед которым, казалось, еще так недавно и сам стоял, испытывая глубочайшее волнение. В начале пути не все зависит от человека, хотя и многое. Виктор Розов 1 В самом начале творческого пути Леонид Енгибаров изведал глубокое потрясение, о котором знал лишь узкий круг людей.
Новые материалы проливают свет на события горестного для молодого клоуна времени. Августовским днем 1959 года скорый поезд «Москва— Новосибирска мчал выпускника циркового училища к месту его будущей работы. В столь длительное путешествие Енгибаров пустился впервые в свои двадцать четыре года.
В дорогу он взял томик любимого с детства Ханса Кристиана Андерсена, сказками которого был очарован и помнил многие из них в мельчайших подробностях. К этой книге Леонид тянулся всякий раз, как только у него было сумрачное настроение или, напротив, когда душа полнилась светлыми чувствами. Бесхитростные, поэтические истории, рассказанные великим датчанином, не перестанут волновать артиста до последних дней.
И все годы в его сердце будет жить мечта — создать яркий цирковой спектакль по мотивам сказок Андерсена. Ехал он полный надежд, творческих замыслов и дерзкой самоуверенности. Хотя оснований для того, как увидим, было маловато.
Дело в том, что в бытность студентом ему не привелось пройти стажировку на манеже, и потому все его представления о самой работе, о ее характере, основывались исключительно на рассказах старых артистов и романтических историях, почерпнутых из книг. Леонидом владело нетерпение — скорее влиться в дружную семью единомышленников, в радушном приеме которых ни секунды не сомневался. Хотелось выходить каждый вечер на залитый светом прожекторов манеж и весело заполнять паузы, хотелось учиться мастерству у старших опытных, как ему представлялось, коверных Сико и Сако...
Вторая половина 50-х и 60-е годы отмечены небывалым расцветом многонационального циркового искусства. К ранее созданным и плодотворно работавшим коллективам: узбекскому, грузинскому, армянскому, литовскому, латвийскому, азербайджанскому, украинскому, белорусскому — прибавлялись одна за другой новые, специально подготовленные труппы, сформированные из молодых артистов Казахстана, Молдавии, Таджикистана, Татарии, Башкирии, Киргизии. В этом благотворном климате успешно развивалось творчество даровитых канатоходцев, наездников, гимнастов, комиков.
Превосходный дворец циркового искусства, которым сегодня по праву гордится Новосибирск, в ту пору еще не был построен. Представления шли в старом деревянном здании под брезентовой крышей, которое, впрочем, содержалось в идеальном порядке. И в том была заслуга директора цирка Даниила Кирилловича Бабина, человека доброжелательного, с большим опытом театральной деятельности и хорошим художественным вкусом.
Прибывшего из Москвы молодого клоуна встретили в коллективе настороженно. Однако он не сразу почувствовал это, отвлеченный общим обилием впечатлений и устройством на жительство. Лишь некоторое время спустя, озабоченный тем, что его не ставят в программу, обратился к руководителю.
Мало ли что аттестат с круглыми пятерками, было сказано ему, это еще ни о чем не говорит. Одно дело школа, а другое — производство. Тут, голубчик, ответственность.
А если что-то не так? Ведь может и нагореть... Кому же это охота?
Нет, миленький, сперва с вашей работой должен познакомиться художественный совет коллектива. Просмотр был назначен на двенадцать дня и проходил без публики. К слову заметить, распространенная и в цирке и на эстраде практика подобного рода просмотров в корне неправильна.
Юмор рассчитан прежде всего на живое восприятие — ив этом вся суть. Лишаясь непосредственного контакта со зрительным залом, не чувствуя его реакции, артист утрачивает опору. Просмотры, связанные, как правило, с волнением, а порой и с неподдельным страхом, часто превращаются в моральную пытку.
Выступление дебютанта прошло при гробовом молчании. Лица членов художественного совета были непроницаемы. После томительной паузы вдруг все заговорили в один голос: «Это что же такое?!
Кого к нам присылают? Что им тут показали?! Э-э, разве это работа!..
Да что в самом деле, коллектив у нас или детский садик?! И куда смотрело это училище! И вообще, кто сказал этому человеку, что он клоун?
Надо ли спешить с выводами, сказал Бабин. На него, например, молодой артист произвел неплохое впечатление. Что-то в нем есть, чувствуется, что он еще очень неопытен, но видна подготовка и способности.
Может быть, имеет смысл посмотреть молодого человека еще раз, но уже на зрителе... Директора уважили, нехотя, конечно, но уважили. Леониду разрешили в пятницу вечером три выхода, иначе говоря, позволили заполнить три паузы между номерами.
И еще строго-настрого предупредили: не тянуть, коротко, в темпе, раз-два и ушел. Нетрудно представить себе, в каком напряжении прожил начинающий коверный оставшиеся до пятницы дни, с каким душевным трепетом готовился к своему первому выступлению, которое лишь случайно не стало последним... Прямо скажем, под брезентовым куполом Новосибирского цирка не слышалось восторженных оваций и девушки не бросали на ковер букеты цветов.
Забегая немного вперед, замечу, что и овации, и букеты, и взрывы хохота — все это будет ровно через десять лет, когда он вернется сюда уже именитым актером во главе Московского эксцентрического театра. Тогда же столь очевидный провал потряс новичка. За кулисами неудачник наталкивался на откровенно насмешливые взгляды, иные смущенно отводили глаза.
Хотя никто не заговаривал с ним, никто не осуждал, но кожей чувствовал он вокруг себя атмосферу отчужденности. Да, выступление это стало черной пятницей Леонида Енгибарова. Бывший боксер в первом же раунде получил нокаут.
Однако бойцовские качества характера не дали ему сложить оружие. Исполненный решимости продолжать поединок, он упрямо твердил себе, что докажет всем этим людям — поражение было чистой случайностью, просто сильно волновался. И, во-вторых, репризы делал не те.
А теперь все продумал — надо давать мимические сценки. Ведь вот же в Москве, в Театральном институте, и потом в Доме актера под Новый год, какой успех имели его пантомимы. И сейчас...
Енгибарову не терпелось изложить все это художественному руководителю. Он был твердо убежден, что тот сразу же во всем разберется и даст ему, дебютанту, возможность взять реванш, и все увидят: а ведь парень-то стоящий. Объясниться хотелось с глазу на глаз, но в кабинете все время толклись люди, шумливые и бесцеремонные.
Наконец, после долгого колебания, вошел в комнату и, подавив смущение, стал было сбивчиво убеждать худрука разрешить ему сегодня вечером показать другие репризы. Но в ответ услышал: согласно решению Художественного совета товарищ Енгибаров направляется обратно в Москву, в распоряжение главка. Все бросить и бежать куда глаза глядят!
Такое чувство овладело Леонидом в те первые минуты... И ведь могло статься, что наш цирк навсегда потерял бы артиста ярчайшего таланта, выдающегося клоуна современности. Но он все же взял себя в руки и добился повторного просмотра.
Однако и на этот раз — провал. Его выступление озадачило еще больше. Дело в том, что исполненные коверным пантомимические репризы, рассчитанные на фронтальный показ с подмостков сцены, в круговом обзоре когда половина цирка видит лишь спину актера, а мимика и жесты остаются вне поля зрения , были просто непонятны.
Нельзя не учитывать и еще один важный момент. Успех, который Енгибаров имел в Москве, выступая перед театральной публикой, уже познакомившейся с возрожденным искусством красноречивого молчания, здесь был невозможен. Сибирякам пантомимический язык казался непостижимым ребусом.
Видя, что этот странный дебютант не робкого десятка и, следовательно, избавиться от него будет не так-то просто, некоторые члены Художественного совета договорились обосновать его отчисление решением общего собрания — пусть потом поспорит с волей коллектива. Это собрание на памяти у многих. Мне довелось слышать о нем от нескольких лиц.
Происходило оно под навесом среди зелени ухоженного циркового двора. Погода в тот день, как хорошо запомнилось людям, была пасмурной и ветреной, откуда-то издалека доносились раскаты грома, сверкали сполохи молний. Сперва старейшины труппы витиевато говорили о высокой ответственности звания артиста национального цирка и о том, что каждый член коллектива, от мала до велика, должен свято оберегать его традиции.
А то, что здесь показал молодой артист, не может, при всем желании, расцениваться иначе, как ученические пробы, и потому не способно достойно представлять искусство армянского народа. Тон был задан. А далее один за другим брали слово гимнасты, дрессировщики, руководители номеров — люди степенного возраста.
Со всей категоричностью высказывались они о профессиональной непригодности артиста, присланного из училища. Было видно: точка зрения у всех едина — отчислить. Самое время проголосовать, запротоколировать и — делу конец.
Но тут неожиданно над самой крышей Красного уголка взорвался громовый разряд. Женщины испуганно ойкнули и стали переговариваться. В этот момент к столу президиума протиснулась артистка Нази Ширай, человек прямой и принципиальный.
Она заговорила со страстной убежденностью. Почему это у некоторых такая короткая память? Почему все вдруг забыли, как начинали сами?
Разве у каждого было все гладко? Разве от волнения не валилось все из рук? Можно ли выносить начинающему артисту, который манежа и не нюхал, такой суровый приговор, убивать человека морально?
Тут говорили: «Енгибаров не профессионал... А мы долдоним — не может! Выходит, там ничего не понимают, а мы понимаем!
Просто этот человек кое-кому мешает! Вот и все. И сговорились убрать...
Ну хорошо, допустим, отчислили. А дальше что? Подумали об этом?
Дальше — позор коллективу! Распишемся в собственной беспомощности! Нази Александровна отметила исключительную работоспособность Енгибарова.
Люди знают, что у нее заведено тренироваться спозаранку. Она — свидетель: как только новенький приехал — чуть свет уже на манеже, репетирует. Это говорит о чем-нибудь или не говорит?
А кто из присутствующих здесь хоть раз поднялся в такую рань? Она твердо уверена: если к молодому артисту отнестись доброжелательно, то со временем из него выработается коверный. И закончила, решительно заявив, что как член Художественного совета протокол не подпишет.
Ее поддержала Амалия Акопян, костюмерша коллектива. Говорила она громко и напористо на родном языке, выразительно жестикулируя: «А что, собственно, представляют собой наши коверные, которые тут кричали: «Не профессионал, не профессионал». А сами они разве академики!
Уж она-то знает, как эти Сико и Сако подговаривали людей: «Раз мы работаем, зачем нам другой... А мы — бац! Обрубаем ему крылья!
По его мнению, было бы непростительной ошибкой отправить выпускника училища назад с волчьим билетом. Он уже говорил и повторяет вновь: молодой коверный не лишен актерских задатков. Но он еще очень сырой, еще не нашел себя, не нашел своей маски, своего репертуара.
Интуиция подсказывает ему, Бабину: со временем начинающий артист сможет сложиться в оригинального клоуна, и в этом отношении коллективу следовало бы мыслить перспективно. Коверные Сико и Сако уже в возрасте, и к тому же — как бы это помягче сказать? Ну а если быть совсем откровенным, они просто снижают художественный уровень программы.
Ждать, что взамен дадут новых коверных — нереально. Так что не отчислять надо, а помогать, растить смену. Енгибаров не забудет участия в его судьбе этих людей, их поддержку в самую горькую для себя минуту, навсегда сохранит в своем благодарном сердце теплое чувство признательности.
То злосчастное собрание закончилось не так, как замышлялось. Леонида оставили в коллективе, но ощущал он себя здесь чужаком; ему разрешалось выходить в манеж только на детских представлениях и лишь изредка — на вечерних. Его поучали, пытались переделывать исполняемые им интермедии, навязывали свои вкусы и понятия.
Молодой стажер оказался в атмосфере полной зависимости от людей закоснелых, мыслящих категорически. Помимо субъективного недоброжелательного отношения, были еще причины, по которым начинающий комик претерпел неудачу. Во-первых, он не научился пока устанавливать контакт со зрителями, без чего клоун не может состояться, и, во-вторых, был невзыскателен к репертуару.
Сохранилось несколько любительских снимков того периода. Бесстрастный глаз фотообъектива подсмотрел то, что незадачливый коверный исполнял на манеже Новосибирского цирка, Вот он балансирует на лбу куклу — примитивный кунштюк, какой проделывали едва ли не все тогдашние коверные провинциальных цирков. Столь же незамысловатыми были и другие шутки, извлеченные из старинных клоунских сундуков: стягивал, к примеру сказать, с руки длинную-предлинную перчатку, сбрасывал с себя добрый десяток жилеток, надетых одна на другую.
В том же роде были и остальные его репризы. И костюм молодого клоуна, как свидетельствуют снимки, был традиционным: мешковатый клетчатый пиджак и широченные брюки. Как мало общего с той элегантной фигурой в цветной полосатой фуфайке и узких черных брюках, каким мы привыкли видеть прославленного мастера цирковой арены.
Он добросовестно копировал тогда всех коверных, каких только успел увидеть. В первый же свой сезон Енгибаров оказался нравственно надломлен и замкнулся в себе, что так не вязалось с его живым, общительным характером. Намеревался даже, как рассказывали, в знак душевной боли отпустить, по древнему армянскому обычаю, бороду...
Натура импульсивная, он всегда жил более порывами сердца, нежели разума. Глубокая обида и внутренняя неустроенность толкнули его, впервые оторванного от семьи, в сомнительную компанию дружков-собутыльников... Да, невеселое начало.
Возможно, если бы он не был столь даровит, то его творческое формирование протекало бы менее драматично. Впрочем, Леонид Енгибаров не первый из клоунов, кого признали не сразу. Обратимся хотя бы к воспоминаниям Карандаша и Юрия Никулина...
Напряженная внутренняя жизнь, острое недовольство собой, приступы отчаяния, которые сменялись полным безразличием,— все это затормозило творческое развитие молодого артиста. Вспоминать о том времени Леонид не любил, всякое прикосновение к этой болевой точке вызывало внутреннее содрогание. Не тогда ли зародился в голове будущего литератора замысел новеллы «Не обижайте человека», в которой с такой пронзительной горечью выражено наболевшее: «Зря, просто так обижать человека не надо.
Потому что это очень опасно. А вдруг он Моцарт? А ведь без предварительной подготовки в других видах циркового искусства дорога к успеху даже при наличии дарования, по убеждению многих мастеров арены, становится более длинной и тернистой.
Замечательный деятель циркового искусства Вильяме Труцци говорил начинающим клоунам, что сперва артист должен совершенствоваться в разных жанрах: быть «человеком без костей», акробатом-прыгуном, поработать на трапеции, овладеть наездничеством и лишь после этого может позволить себе думать о том, чтобы смешить публику. Существует множество других свидетельств, подтверждающих эту непреложную истину. Клоунское дело «не может быть первой цирковой профессией,— писал известный мастер арены Роланд К.
Подтверждение его мыслям находим и в воспоминаниях Юрия Никулина: «Чтобы стать настоящим коверным, нужно время. Опыт приобретается с годами... Имя себе клоуны делают постепенно, долго».
Можно было бы процитировать мнение многих других, писавших о цирке, но ограничусь лишь суждением Л. Кобера, немецкого автора многих книг о цирке. Он также считает, что «для настоящего, большого клоуна основой его искусства служит богатая впечатлениями пестрая жизнь», К такому же выводу позднее придет и сам Енгибаров.
Как личность и как профессионал, человек складывается обычно, когда он уже изведал радости бытия и горечь разочарования, торжество обретений и боль утрат, когда богаче стал его духовный мир, когда у него образуются «мозоли на душе»... В очерке «Как стать клоуном» среди восьми качеств, которыми должен обладать тот, кто намерен избрать профессию циркового смехотворца, на второе место после юмора он поставил жизненный опыт. Творческие неудачи Енгибарова в начале пути явились следствием сложившейся в те годы практики подготовки молодых клоунов, практики, мягко говоря, несовершенной.
Обучение было отвлеченным, оторванным от конкретной цели: студентов знакомили с техникой актерского мастерства, так сказать, вообще, вне определенной ориентации на специфику смехового жанра. Если воздушного гимнаста, жонглера, эквилибриста можно подготовить в учебном манеже, то клоуна без цирка, заполненного публикой, не вырастить. Притом практикант должен находиться под неослабным наблюдением опытного мастера.
Ведь в окружающей действительности мы видим: за рулем автобуса, троллейбуса сидит новичок, а рядом — инструктор. Без стажировки непосредственно на манеже, без поддержки вдумчивого мастера, поднаторевшего в искусстве смеха, овладеть профессией клоуна трудно, почти невозможно. Начинающий артист по-прежнему чувствовал себя парией, человеком непонятым и ущемленным, по-прежнему терзался несбывшимися надеждами, по-прежнему терпел муки недовольства собой.
Он жил на пределе самообладания. Дни его были заполнены тревожными раздумьями о своей участи. Лишенный какого-либо компетентного наставничества, судорожно метался по манежу в рамках скупо отпущенных ему минут от одного клоунского приема к другому — найти собственное творческое лицо никак не удавалось.
Как знать, чем окончилась бы эта полоса отчаяния, не возникни одно обстоятельство, которое самым решительным образом переменило его судьбу. В Харьков приехали представители республиканского министерства культуры и художественного отдела глазка, чтобы на месте разобраться в нездоровой обстановке, которая создалась в Армянском коллективе. Ситуация и впрямь была сложной, настолько сложной, что многие артисты стремились всеми правдами и неправдами выйти из труппы.
В архиве Союзгосцирка хранится протокол общего собрания Армянского коллектива от 23 января 1960 года. Знакомство с этим документом позволит составить в достаточной мере объективную картину положения дел в труппе. Выступили многие.
Говорили горячо и откровенно. Художественный руководитель В. Арзумапян в отчетном докладе особо отметил плохую дисциплину, назвав ее расхлябанной.
В протоколе записано и выступление Енгибарова. Я думаю, что для меня, молодого, показ трех или четырех реприз ничего не даст: образ коверного создается на протяжении всего вечера... Запомним эти слова, они говорят о том, что начинающий артист уже тогда ясно понимал самую суть развития клоунского характера, развития во времени и пространстве.
Представляет интерес и еще одно место в его выступлении: «Я сам армянин, и мне приятно работать в этом коллективе, где я могу вырасти и с помощью старых артистов пополнить свои знания». И это сказано, несмотря на обиды и горечь. Как видим, внешне Енгибаров настроен вполне миролюбиво.
Или, быть может, дипломатично. Что также делает ему честь. Протокол завершается постановлением: «В ближайшее время подготовить артиста Енгнбарова в образе национального клоуна у ковра».
Леонид воспрял духом: наконец-то свершилось то, о чем он так долго мечтал, чего безуспешно добивался. Армянская пословица гласит: «Не бывает ночи без рассвета». И для Енгибарова наконец-то забрезжил свет надежды.
Пребывание молодого клоуна в Москве, в Центральной студии циркового искусства, куда он был направлен для создания нового репертуара, стало переломным моментом в его творческой судьбе. В Студии в то время подобрался хороший режиссерский коллектив, возглавляемый А.
Считается, что традиционный белый грим клоуна появился благодаря Пьеро или Педролино , французскому клоуну с лысой головой и выбеленным мукой лицом, который впервые появился во второй половине XVII века. Созданный сначала как задник для Арлекина, Пьеро постепенно смягчался и сентиментализировался. В начале XIX века пантомимист Жан-Батист-Гаспар Дебюро взял этот персонаж на вооружение и создал знаменитого влюбленного, жалкого клоуна, меланхолия которого с тех пор остается частью клоунской традиции. Ранние цирковые клоуны Самым ранним из настоящих цирковых клоунов был Жозеф Гримальди, который впервые появился в Англии в 1805 году. Клоун Гримальди, которого ласково называли "Джоуи", специализировался на классических физических трюках, кувырках, притопах и пощечинах. В 1860-х годах появился низкопробный шут под именем Огюст, у которого был большой нос, мешковатая одежда, большие ботинки и неопрятные манеры.
Он работал вместе с белолицым клоуном и всегда портил трюки последнего, появляясь в неподходящий момент, чтобы все испортить. Грок Адриен Веттах был знаменитым белолицым пантомимистом. Его изощренная меланхолия напоминала американского клоуна-бродягу Эммета Келли.
Клоун с осенью в сердце. История Леонида Енгибарова в 5 номерах
Эволюция клоунского искусства в XIX-XX веках В XIX веке клоунское искусство претерпело существенные изменения и развитие, частично благодаря развитию театральной индустрии и циркового искусства. Клоуны стали выступать на больших аренах перед разнообразной публикой, что требовало от них новых навыков и репертуара. Он был известен своими комическими выступлениями, использованием акробатики и импровизацией. Однако наибольшую популярность клоунам принесли крупные цирковые труппы, такие как Барнум и Бейли, Сирку дю Солей, Ринглинг Бразерс, которые предлагали разнообразные и захватывающие представления с участием клоунов. В XX веке клоунское искусство продолжило свое развитие и стало более совершенным. Новые технологии позволили клоунам создавать более сложные и захватывающие представления. Они начали использовать грим, костюмы и реквизит, чтобы создать персонажей с яркими характерами и акцентами. Одним из наиболее известных клоунов XX века стал Чарли Чаплин, который создал своего персонажа Карла из фильма «Городские огни».
Его выразительные черты лица и характерные движения стали его уникальным стилем и влияли на многих других клоунов. Современные клоуны, такие как Кловис Корнелиус, Кристофер Линд, Саши Героварт и другие, продолжают развивать клоунское искусство, добавляя новые элементы и уникальные персонажи в свои выступления. Современные клоуны и их роль в развлекательной индустрии Клоуны создают особую атмосферу в зале, своей игрой и взаимодействием с публикой они способны развлечь и поднять настроение независимо от возраста зрителей. Их юмор может быть как незамысловатым и веселым, так и глубоким и философским, заставляющим задуматься над серьезными вопросами жизни и смеха. Современные клоуны также активно используют новые технологии в своих выступлениях. Они могут владеть цифровыми эффектами, использовать интерактивные приложения и виртуальную реальность, чтобы создать уникальные и захватывающие постановки. Это позволяет клоунам не только развлекать публику, но и взаимодействовать с ней на новом уровне.
Или из-за недавние наблюдения «жуткого клоуна». Одно можно сказать наверняка: клоуны, кажется, всегда были в народном воображении. Вот список из 10 известных клоунов - одни симпатичные, другие не очень. Предоставлено Музеем Виктории и Альберта, театральное собрание, Лондон. Мы должны поблагодарить или осудить этого английского исполнителя, которого считают «отцом современной клоунады». В начале 1800-х гг. Он также носил яркую вызывающую одежду и специализировался на классических физических трюках.
Популярность Гримальди настолько велика, что поминания в его честь ежегодно проводятся в одной из лондонских церквей. Grock Грок в своей гримерке в Цирке Медрано, 1952 год. Британская энциклопедия, Inc. Известный как «король клоунов» - что, как мы предполагаем, было сделано как комплимент - швейцарский акробат Чарльз Адриен Веттах начал выступать в роли клоуна в 1903 году. В том же году он взял имя Грок. Недовольный цирковой обстановкой, он начал выступать в мюзик-холлах. Это открыло новую главу в клоунаде, поскольку все больше исполнителей стали появляться в водевилях и других сценических шоу.
Вот вы человек Коля и... В кадре: занавес открывается, клоуны выходят Тут даже песенка ждет своего исследователя. Название у нее английское - не то "Голубая канарейка", не то "Печальная". Записал ее болгарский ансамбль. При этом, песня, как будто, старая итальянская. Но в Италии ее не понимают. А мелодию ленинградцы-петербуржцы, благодаря "Лицедеям", давно считают своей.
В кадре: уличные музыканты - обработка мелодии. Сам номер еще более таинственен. Но трио, хотя состав его за двадцать пять лет не раз менялся, вызывало и вызывает какой-то особенный восторг. Попытки объяснить это с научной точки зрения, еще более запутывают. Валерий Кефт, клоун: "Жанр этого номера - синхро-буффонада.
Во сколько можно начинать и когда заканчивать? Помню, как поступал в училище циркового и эстрадного искусства после восьмого класса. Мне было 14 лет. Меня не брали. Ну, какой я был клоун? Ребенок малеванный! Что же касается финала клоунской карьеры, то надо смотреть на состояние здоровья. Почувствуешь, что из тебя песок начинает сыпаться, что встаешь при помощи руки с колена, значит надо валить. В этом плане Юрий Владимирович Никулин для меня пример. Мне повезло поработать с ним в одном коллективе, и стать свидетелем того, как его провожали на заслуженный отдых. Это было в Калинине, нынешней Твери. Он сказал: «60 лет. Хотя Карандашу было 83, а он продолжал работать. Для меня тогда это было, как сейчас 120. Уже все было не очень хорошо, наверное, надо было в 70 лет уйти. Но, опять же, все зависит от репертуара. Дядя Женя Майхровский до сих пор работает, а ему за 80. Сейчас уже его внуки работают. Я его обожаю. Пять реприз делает. У меня тоже ноги болят. Не знаю, сколько еще протяну. Чечетку пока отбиваю. На барабанах можно работать, сколько бог отпустит. Мне 61 год, и 43 из них я в цирке. Внутреннего трагизма? Мы же никого не режем, не убиваем, не душим. Осень какая-то должна быть в душе, хотя я ее почему-то не люблю. Она ассоциируется у меня со слякотью и дождем. Не знаю, как это объяснить. Какие-то звездочки должны быть в голове, теплота. У меня в финале репризы «Балет» герой уходит, и балерина остается одна. И тут может навернуться слеза. Зал замирает, особенно в Южной Америке. Ни о чем таком я понятия не имел. Этого состояния надо достичь хотя бы к 22 годам. Моя мама всю жизнь работала директором во дворце культуры, и я занимался в цирковом и танцевальном кружках. Поехал в Москву, узнав про цирковое училище. Приехал туда, все перекрыто, милиция. Думал, что-то случилось. А это столько народа поступало. Жить-то на что? Я приехал за пять с половиной тысяч километров. Почему часто говорят о службе в армии, как о каком-то рубеже? Потому что это опыт. А я в армии не был, и было немного сложно.
Советские клоуны: список, биография, творческий путь, фото
клоунада. Альтернативные описания. это вид, который включает в себя выступление одного или нескольких клоунов, исполняющие различные антре, репризы и сценки, непосредственно в цирке. КЛОУНАДА, термин имеет несколько значений.1. Искусство создания комического образа – маски на приемах эксцентрики, гиперболы, гротеска, пародии, буффонады, шаржа. Многие репризы Попова вошли в классику мирового цирка («Сон на проволоке», «Луч» и др.). Многие репризы Попова вошли в классику мирового цирка («Сон на проволоке», «Луч» и др.).
Самые знаменитые клоуны
| Клоунада | это... Что такое Клоунада? | Осенью еще одна попытка: студия Камерного театра. В это же время из "Вечерки" узнаёт о наборе в студию клоунады при Московском цирке. Приходит, показывается. |
| Сейчас в «Лицедеях» идёт классика от звезд клоунады мирового уровня, легендарных: | Именно эту классическую основу использовал В. Полунин в своей клоунаде «Нельзя!», которую он исполнял с Л. Лейкиным. |
| Клоунада, 5 букв - сканворды и кроссворды | 15 марта 2023 года любимцу публики, необыкновенному клоуну-миму Леониду Енгибарову исполнилось бы 88 лет. |
Глазами клоуна
«Клоун — король манежа. Умрет клоунада — кончится цирк» — любимое выражение Мозеля. Демаш и Мозель блистательно делали старое антре «Отравленный торт». средства или * НАЗНАЧЕНИЕ - ПРИМЕНЕНИЕ. Это – классика клоунады! Это – ее детство! Наконец-то добрались! Первооснова хорошей клоунады. это искусство, которое перевоплощает актера в комического персонажа с ярким гримом, яркими нарядами и непредсказуемым поведением. Получив неофициальный статус главного клоуна, в 1946 году Карандаш организовал при Московском цирке на Цветном бульваре студию клоунады. подборка клоунады – 244 просмотра, продолжительность: 22:07 мин., нравится: 3. Смотреть бесплатно видеоальбом Юрия Кермы в социальной сети Мой Мир. Кульминацией клоунады в кино стал бессмертный "маленький бродяга" Чарли Чаплин с его плохо сидящей одеждой, походкой на плоских ногах и обворожительными манерами.