Курская область, например, отмечает День художника 9 августа, а Липецкая область – 25 декабря. Некоторые отмечают День художника 25 октября, в день рождения одного из величайших художников – Пабло Пикассо. В этот день родились. Гранин, Сэлинджер, Мандельштам, Умберто Эко, Алексей Толстой, Мураками, Грибоедов, Алан Милн, Гайдар, Толкин, Салтыков-Щедрин, Высоцкий, Параджанов, Бажов — статьи о родившихся в январе писателях и поэтах. Выставочный проект «Мария Якунчикова-Вебер» подготовлен Третьяковской галереей к 150-летию со дня рождения талантливой, но малоизвестной соотечественникам художницы. ежегодный праздник, который отмечается 8 декабря по инициативе Международной ассоциации «Искусство народов мира».
Семь художников, которые жили долго и умерли богатыми
6 апреля 1483 года в итальянском городе Урбино появился на свет Рафаэль Санти — великий живописец, график и архитектор эпохи Возрождения. Выдающийся русский художник, чье 180-летие со дня рождения отмечается в 2024 году, оставил после себя богатое наследие в виде сотен картин, рисунков и эскизов. Курская область, например, отмечает День художника 9 августа, а Липецкая область – 25 декабря. Некоторые отмечают День художника 25 октября, в день рождения одного из величайших художников – Пабло Пикассо. Приз ежегодно вручается художнику, чьи марка, серия марок или почтовый блок были признаны лучшими[24]. В декабре 1985 года к 100-летию со дня рождения Г. И. Нарбута Почта СССР выпустила художественный маркированный конверт с портретом художника.
Календарь искусств
| Юбиляры 2024: известные деятели искусства, которые отмечают юбилеи | Однако это далеко не все художники, чьи юбилеи выпали на этот год. |
| #Январь. В этот день родились - Год Литературы | Биография художника Марка Шагала: личная жизнь, музеи его имени в Витебске и Ницце, выставка в Челябинске, отношения с женой Беллой, еврейская национальность. |
| 90 лет художнику Эрику Булатову, чей стиль в живописи шире рамок и жанра, и времени | Курская область, например, отмечает День художника 9 августа, а Липецкая область – 25 декабря. Некоторые отмечают День художника 25 октября, в день рождения одного из величайших художников – Пабло Пикассо. |
Писатели-юбиляры 2024 года
В его сказочную страну проникает лишь эхо житейских гроз. Созданные им герои книг встанут стеной и защитят от бед…» из предисловия к книге Дональда Биссета «Забытый день рождения» Нажмите для увеличения Одна книга сменяла другую, всего их — около двухсот. И каждая страница увлекает, волнует, притягивает. Сердце сжимается — сможет ли Витька Перестукин правильно поставить запятую? Гераскина , не попадётся ли добрый Айболит в лапы коварному Бармалею? Чуковский … «Аля, Кляксич и буква А» И. Токмаковой , «Огниво» Х. Андерсена, «Вниз по волшебной реке» Э.
Успенского, «Волшебник Изумрудного города» А. Волкова, «Приключения Васи Куролесова» Юрия Коваля и другие истории — в этом огромном списке у каждого читателя свои «любимцы». Да и как не полюбить иллюстрации, созданные с такой заботой — художник всегда помнил о чувствах ребенка, намеренно искал в страшном смешные черты и считал иллюстрацию важным и ответственным разговором с маленьким читателем. В 1977 году на свет появился один из самых известных героев, придуманных художником — Медвежонок Миша. Он явился Виктору Александровичу во сне как раз в то время, когда Олимпийский комитет разрабатывал талисман для будущей Олимпиады. А уже в 1980 году мишка мелькал на телеэкранах страны и мира, став символом летних Олимпийских игр-1980, проходивших в Москве. Улыбающийся Мишка принес художнику Виктору Чижикову мировую известность.
Нажмите для увеличения Виктор Александрович вообще умел вести беседы, он сам был чудесным рассказчиком. Его уникальная наблюдательность позволяла превратить любой случай, любое воспоминание в историю. Из этого умения подмечать, описывать, заинтриговывать родились книги, на обложках которых значится «Автор В. Чижиков», среди них — «Про девочку Машу и куклу Наташу», «Наше вам с кисточкой! В 1983году Виктор Чижиков проиллюстрировал русскую народную сказку «Мужик и медведь». А через несколько лет, по заказу токийского издательства «Gakken», художник придумал и нарисовал продолжение этой сказки. Так появились замечательные авторские книжки «Петя и Потап» и «Петя спасает Потапа».
Они не только творили вместе, но и вдохновляли друг друга — именно на любимых друзей Виктор Александрович частенько рисовал остроумные и обаятельные шаржи.
В Россию художник возвращается в середине 1900-х годов. В начале 1910-х годов Давид Бурлюк поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где занимается у художников Леонида Пастернака и Абрама Архипова. Там же он знакомится с будущим другом Владимиром Маяковским, вместе с которым Бурлюк будет позже отчислен из училища. Бурлюк входит в состав таких художественных объединений как «Бубновый валет», «Ослиный хвост» и «Союз молодежи» и другие. По приглашению художника Василия Кандинского Бурлюк участвует в выставках объединения «Синий всадник». А сам Кандинский называл Бурлюка «отцом русского футуризма». К выставке «Бубновый валет» в 1912 году Бурлюк разработал прием написания пейзажа с четырех точек зрения «Мост».
С эпатирующей надписью на обороте холста «низ картины» работа экспонировалась в 1912 на выставке «Бубновый валет» под названием: «Синтетический пейзаж: элементы неба в момент разложения плоскостей, интродуцированные в изображение с четырех точек зрения». Будучи в Америке Бурлюк напишет еще одну подобную картину — «Пейзаж с повозкой и мельницей. Пейзаж с четырех точек зрения ».
Айвазовский отличался необыкновенной производительностью: одну картину он писал максимум несколько дней. Официальное количество его полотен — около 6 тыс. Сколько именно заработал Айвазовский картинами, которые покупали и русский царь, и турецкий султан, сосчитать трудно. Но можно хотя бы прикинуть по тому, сколько он потратил в Феодосии. Тут художник построил себе особняк — позже он завещает дом городу как картинную галерею.
Провел водопровод, снабдивший Феодосию питьевой водой. Труба шла от родников в загородном имении Айвазовского Субаш. Еще он построил здание археологического музея на горе Митридат и, кстати, на собственные средства раскопал 80 курганов. Ирина Погребецкая в статье «Имения и земли помещика Айвазовского» уточняет, что к 1864 году он уже владел 2,5 тыс. В последующие годы художник купил еще много земли в Крыму около 11 тыс. Клод Моне 86-летний импрессионист умер в 1926 году в усадьбе Живерни, которую обессмертил великолепными пейзажами а они, в свою очередь, помогали Живерни содержать. История этого дома отражает постепенный рост благосостояния Моне. Сначала, в 1883 году, он его арендовал, вместе с небольшим участком земли.
Затем, по мере того как его картины начинают продаваться, Моне выкупает сам дом, прилегающие здания и земли вокруг в 1890 году. Еще один участок он приобретает на противоположной стороне дороги и выкапывает там пруд, перебросив через него тот самый японский мостик, знакомый нам по его картинам. Моне разбил три теплицы, отремонтировал дом, постоянно заказывал новые растения. И держал одновременно семь садовников! Любой садовод легко с ужасом может себе представить, в какую сумму это обходилось. И не забываем о содержании семьи, все пополняющейся коллекции японских гравюр и других приятных вещах… После того как Моне не стало, поместье переживало упадок. В 1970-е годы оно оказалось в собственности государства. Которое тоже пришло в ужас, представив себе суммы, необходимые для возобновления этой красоты.
Гольштейн сразу после ее смерти, та стремилась создать образ своей невестки с позиции убежденной шестидесятницы. Но что гораздо важнее, ее могучий талант нисколько не нуждался в подражании и помощи, он шел неминуемо своим путем, всегда и во всем»[20]. Портрет М. Поленова Вероятно, ей хотелось, чтобы облик близкого человека укладывался в тот новый тип женщины, к которому она принадлежала сама и о котором писала в литературном труде «Из воспоминаний бывшей феминистки. Доисторические времена»: «Новая женщина: она в черном платье, с обрезанными волосами, иногда в синих очках, но еще в кринолине»[21].
В действительности к этому типу, хотя бы визуально, можно было отнести Елену Поленову, которая всегда «одевалась в простое черное платье... Ее дочь Екатерина запомнила свою мать «тоненькой и стройной в пиджачке мужского покроя»[23]. Но Мария Якунчикова-Вебер принадлежала к другому поколению. Вершина ее творчества совпала с тем временем, когда женщины в России отвоевали много свобод и уже продемонстрировали высокие профессиональные достижения. Достаточно вспомнить о той роли, которая отводилась в осуществлении престижного для России проекта - Всемирной выставки в Париже 1900 года - представительницам прекрасного пола: Е.
Поленовой, М. Якунчиковой, Н. Давыдовой, Е. Бём, М. Тенишевой, Н.
Якунчикова-Вебер в зале родительского дома на Кисловке. Судя по фотографиям, представленным на выставке, художница носила изысканные наряды, ее роскошные каштановые волосы никогда не стриглись и укладывались в изящные прически согласно моде. В быту она умела создать вокруг себя мир возвышенной красоты. В то же время ее нельзя поставить в ряд с такими яркими представительницами декаданса, как Зинаида Гиппиус, Маргарита Сабашникова или Лидия Зиновьева-Аннибал, стремящимися, согласно одной из концепций символизма, превратить свою жизнь в предмет искусства и эпатажа. Якунчикова умела ценить простые семейные радости.
Рождение сыновей и счастье материнства наполняло жизнь Якунчиковой глубоким смыслом и служило стимулом для раскрытия новых граней таланта. Именно тогда художница возвращается к национальным истокам, к русскому фольклору, народному искусству и создает прекрасные живописные произведения и предметы декоративно-прикладного искусства. Максимилиан Волошин тонко подметил, что художница оставалась чуждой к изображению человека в своих произведениях, за исключением лишь одной женской фигуры, напоминающей ее фотопортреты, которая часто фигурирует в ее работах. Мария Васильевна Якунчикова-Вебер скончалась 14 27 декабря 1902 года. Она ушла из жизни вполне сложившимся мастером.
Александр Бенуа дал весомую характеристику ее творчеству в истории русского искусства: «М. Якунчикова-Вебер - удивительно симпатичная художественная личность. Она одна из тех весьма немногих женщин, которые сумели вложить всю прелесть женственности в свое искусство, неуловимый нежный и поэтический аромат, не впадая при том ни в дилетантизм, ни в приторность. Якунчикова - не только большой поэт, но и большой мастер. С этой стороны она до сих пор недостаточно оценена, а между тем мало найдется среди современных художников - и не только у нас, но и на Западе, - кто владел бы такой свежей, благородной палитрой, таким широким, бодрым мастерством»[25].
В нынешнюю эпоху личность и творчество Марии Якунчиковой-Вебер не утратили своей притягательной силы. Ее искусство проникнуто искренностью, благородством, аристократизмом, а сама Мария Якунчикова-Вебер восхищает мужеством и глубиной таланта. По нынешним временам хрупкость и незащищенность ее искусства - яркой представительницы эпохи Серебряного века - можно рассматривать как необходимую предпосылку для триумфального восхождения амазонок ХХ века. Гольштейн А. Мария Васильевна Якунчикова-Вебер.
Далее: Гольштейн А. В 1905 г. Якунчиковой-Вебер в Москве планировалось открыть выставку в Санкт-Петербурге не была осуществлена. Организацией экспозиции занималась семья Поленовых. На тот момент работы художницы находились в квартире Поленовых на Садово-Кудринской улице в Москве, в центре революционных событий.
Сахарова, племянница М. Якунчиковой-Вебер, вспоминала: «Ее окно, открытое в зелень старой ели, белый подоконник, букет баранчиков в синем горшочке! В 1905 году, когда нам пришлось уйти к дедушке В. Воспоминания Е. Новые открытия.
Ежегодник 2001. Волошин М. Собрание сочинений: В 17 т. Череда Юрий. Звенигородский уезд.
В одном из писем М. Якунчикова-Вебер писала: «Признаться, привлекают меня туда огороды, узкие проходы между заборов с сохнущим бельем, подсолнухи, тропинки, пустыри и однообразная жизнь деревенского города. Это может быть странно нехорошо, но душа моя совсем заснула здесь, и я довольствуюсь довольно бессодержательными вещами». Якунчиковой Л. ОР ГТГ.
Из письма М. Якунчиковой к Е. Василий Дмитриевич Поленов. Елена Дмитриевна Поленова: Хроника семьи художников. Мария Васильевна Якунчикова.
Календарь искусств
Если классицизм опирается на образ человека, чьи чувства всегда подчинены рассудку, то искусство Лоррена в первую очередь обращено к чувствам и настроению зрителей. Картина «День рождения» (1915) Марка Захаровича Шагала — гимн любви, способной парить над обыденностью. День рождения. Страна, художник.
Классика живописи: 100 лет со дня рождения Василия Сурикова
- 100 главных русских художников, которых вы должны знать (ФОТО) - Узнай Россию
- Биографии художников
- «Столяр» из Мелитополя, красноармеец, немного сюрреалист
- Какие мероприятия запланированы в честь русских художников-юбиляров 2024 года
- Знаменательные и памятные даты по художественной литературе и искусству на 2023 год
- День художника
Юбиляры 2024: известные деятели искусства, которые отмечают юбилеи
У Вермеера было 11 детей, и он никогда не нарисовал ни одного из них. Родители Винсента Ван Гога не отличались особой фантазией. Дело в том, что у художника был старший брат, который умер во младенчестве, и он носил точно такое же имя. А вот зато мама и папа Пикассо выдумали для сына такое имя, которое он сам запомнил далеко не сразу. Матисс очень боялся внезапно стать слепым, причем страх этот был совершенно необоснованным. Чтобы суметь прокормить себя и после такого несчастья, он даже освоил игру на скрипке. Что подарить на День художника в России? Самый простой и очевидный подарок — это материалы для творчества. Их никогда не бывает много. Оригинальной идеей будет покупка новых средств для самовыражения.
Вполне вероятно, что тому, кто обожает акварель понравится и китайская тушь. Необычные украшения с профессиональной символикой — тоже удачное решение. Даже мужчина оценит кулон с палитрой. Тем, кто работает с маслом, пригодится рабочий фартук. Спросите у друга, хотел ли он когда-нибудь съесть свои краски и кисточки? А на недоуменный вопрос: «Зачем это делать? Любую кружку можно покрыть краской для грифельных досок, чтобы писать потом на них признания в любви и оставлять приятные пожелания. Не забудьте пожелать хорошего дня в этот праздник. Придумайте на День художника поздравления в стихах или в прозе, но от всей души.
Постарайтесь найти такой подарок, который обрадует и не обидит.
Память о знаменитом художнике хранят во многих странах, с которыми были связаны его жизнь и творчество. В Минске в его честь названа улица и установлена мемориальная доска, в Польше и Литве имя Фердинанда Рущица присвоено местам, где он жил и работал. На малой родине художника, в Богданово, его именем названа улица, здесь ежегодно проводится международный детский пленэр "Земля и небо Фердинанда".
К 150-летию со дня рождения Фердинанда Рущица издательство "Белорусская Энциклопедия имени Петруся Бровки" в серии "Художники земли белорусской" выпустило уникальное издание - фотоальбом "Земля и небо Фердинанда Рущица" о жизни и творчестве выдающегося белорусского художника, графика, театрального декоратора и педагога, яркого представителя реалистического направления в изобразительном искусстве. К 150-летию со дня рождения художника". На выставке представлены также работы художников из окружения Рущица. Один из разделов посвящен ученикам мастера - выдающимся белорусским художникам Петру Сергиевичу и Михаилу Севруку.
Экспозицию дополнили произведения современных авторов. До недавнего времени в собрании Национального художественного музея была только одна работа художника - "У костела" 1899 года. В ноябре 2019-го при содействии почетного консула Беларуси в Лозанне Андрея Нажескина были приобретены и переданы в дар музею еще три живописные работы раннего периода творчества Фердинанда Рущица. Увидеть экспонаты можно по 13 января 2021 года.
Фердинанд Рущиц - яркий представитель символизма в искусстве, соединивший традиции национальной живописи и западноевропейские тенденции, стоял у истоков формирования регионального виленского, или западнобелорусского искусства первой трети XX века, ключевая фигура художественной жизни региона в межвоенный период. Творческое наследие художника и сегодня привлекает внимание высоким профессионализмом и многогранностью таланта.
Вскоре вслед за ним умирает и мать и оставляет маленького Архипа круглым сиротой. Если до сих пор, живя в нужде, дети всё же были обеспечены пропитанием на завтрашний день, то теперь наступает полная необеспеченность. Маленький Архип, лишившись родного угла, проживает частью у старшего брата Спиридона, частью у тётки. Он пасет гусей, собирает кизяки. Товаркой ему в работе и играх является девчурка Анастасия, по фамилии Дико.
Возрастом она несколько моложе Архипа… Уже тогда, пятилетний бутуз, коренастый и мускулистый, он наводит страх на своих однолеток, товарищей по уличной жизни, когда им вздумается заняться обычным в этом возрасте мучительством животных. Не один котёнок и щенок были обязаны своей жизнью или здоровьем малышу Архипу. Он не терпел жестокости, и только издали завидев его, мальчишки бросали свою жертву и разбегались — уже тут проявляется и будущий покровитель всех слабых и нуждающихся, каким мы знаем его впоследствии… В полуденный час в стекла его мастерской в Петербурге будут потом стучаться голодные и больные голуби и вороны. И он будет вылезать на крышу, чтобы сделать перевязку пациенту; будет совершать хирургические операции вроде трахеотомии и введения трубочки в горло голубя , будет щедро отдавать свое время этой пернатой твари. Во всякие часы будут обращаться к нему — в письмах, в личных просьбах — нуждающиеся, настигнутые бедой товарищи, ученики, знакомые и даже незнакомые, и никто не встретит отказа… Вечная готовность к самой широкой помощи ближним была одним из самых трогательных и характерных свойств Архипа Ивановича до самого конца. А началось это ещё там — на обожжённых солнцем улицах мариупольского предместья, когда, как говорится, его-еле от земли было видно… Сам Архип Иванович впоследствии объяснял следующим образом эту свою черту: — С детства привык, что я сильнее и помогать должен…" Л.
Территория распространения: Российская Федерация, зарубежные страны.
Главный редактор: Шелягин Александр Юрьевич. Все о политике, экономике и обществе в формате статей, инфографики, фото- и видеорепортажей. Если новости, то с ТОЛКом!
Юбилеи русских художников 2024 года: от классики до авангарда
Однажды картина Анри Матисса больше месяца провисела в музее вверх ногами, пока кто-то из посетителей не заметил, что эта «Лодка» плывет очень странно. Знаете сколько работ с танцовщицами нарисовал Эдгар Дега? Специалисты говорят, что их было более полутора тысяч. Какие самые известные имена художников приходят вам на ум? У Вермеера было 11 детей, и он никогда не нарисовал ни одного из них. Родители Винсента Ван Гога не отличались особой фантазией.
Дело в том, что у художника был старший брат, который умер во младенчестве, и он носил точно такое же имя. А вот зато мама и папа Пикассо выдумали для сына такое имя, которое он сам запомнил далеко не сразу. Матисс очень боялся внезапно стать слепым, причем страх этот был совершенно необоснованным. Чтобы суметь прокормить себя и после такого несчастья, он даже освоил игру на скрипке. Что подарить на День художника в России?
Самый простой и очевидный подарок — это материалы для творчества. Их никогда не бывает много. Оригинальной идеей будет покупка новых средств для самовыражения. Вполне вероятно, что тому, кто обожает акварель понравится и китайская тушь. Необычные украшения с профессиональной символикой — тоже удачное решение.
Даже мужчина оценит кулон с палитрой. Тем, кто работает с маслом, пригодится рабочий фартук. Спросите у друга, хотел ли он когда-нибудь съесть свои краски и кисточки? А на недоуменный вопрос: «Зачем это делать?
Добавьте новости "Курьер. Бердск" в избранное - и Яндекс будет показывать их выше остальных. Если вы станете очевидцем чрезвычайного происшествия или чего-то необычного, вы можете делиться с нами новостями!
Добавляйте в свои телефоны наш номер 8953-878-90-10 WhatsApp и подписывайтесь на аккаунт в Instagram. Напомним, делиться новостями вы по-прежнему можете на странице Курьер. Бердск в соцсети Вконтакте , в рубрике Сообщи свои новости на сайте kurer-sreda. Отправлять сообщения или звонить на номер 8953-878-90-10.
Час живописи «Знаменосец великого искусства» позволил познакомить читателей с жизнью и творчеством художника.
Ребята узнали, что его произведения всегда вызывали неоднозначный интерес: одних они приводили в восторг, другие, наоборот, подвергали их критике. При этом его картины занимают почетные места в художественных галереях нашей страны, а Николай Петрович Собко, русский историк искусства, сравнивал Перова с известными писателями: «Перов - это Гоголь и Островский, Достоевский и Тургенев русской живописи, соединенные вместе». Совершив виртуальную экскурсию по залам Третьяковской галереи, юные читатели познакомились с историей создания его знаменитых картин: «Тройка», «Сельский крестный ход на Пасхе», «Охотники на привале».
Именно он первым придумал соединить классическую живопись и стиль плаката начала прошлого века. Картины стали во всех смыслах новым словом в искусстве, сделали ее автора одним из самых востребованных наших современных художников. О непростой судьбе работ и почему, несмотря на три десятилетия за границей, он все равно считает себя русским, с мастером поговорил Иван Благой.
8 декабря — Международный день художника
100 лет со дня рождения заслуженного художника РСФСР, члена-корреспондента Российской Академии художеств, скульптора-анималиста Андрея Валериановича Марца. Персональная выставка картин «Образы счастья» известного русского художника, петербургского живописца, Почетного академика Российской Академии художеств Геннадия Бернадского открыта в старинной усадьбе первой половины XVIII в. Строгановых-Голицыных. Главная» 2023» Ноябрь» 3» 7 ноября – День рождения художника Марка Шагала. 190 лет со дня рождения русского художника Василия Григорьевича Перова (1834-1882).
Юбиляры 2024: известные деятели искусства, которые отмечают юбилеи
Кажется, они стараются как можно тише и незаметнее вести себя в пейзаже, чтобы не нарушить его одухотворённо-торжественного состояния. В некоторых произведениях, наиболее гармоничных, величавая грандиозность природы как бы смягчена благосклонным отношением к людям, она покровительствует мифологическим героям — сейчас мимо лазурного берега проедет на быке красавица Европа, и здесь же могут найти себе приют влюблённые Ацис и Галатея. В некоторых ландшафтах и маринах люди — случайные пришельцы, робкие гости, особенно в библейских и религиозных сценах, где фигуры необычайно малы, главные герои теряются в толпе. Лишь местные жители — рыбаки, грузчики, поселяне, - занятые своим делом, теснее увязаны со всем, что их окружает.
Лоррен знал, что пейзаж может обойтись без людей, но вот покупатели не хотели приобретать ландшафты без фигур. Художник умел, но не любил, подобно Левитану, Коро, да и Агостино Тасси, писать фигуры в пейзаже. Когда Лоррену надоедали с этим, он отшучивался: «ведь я их вам даю в придачу» к пейзажу.
Клод Лоррен был спокойным, уровновешенным человеком, несмотря на тяжёлую болезнь, мучившую его всю жизнь. Второй биограф Клода, итальянец Бальдинуччи, пишет о нём: «Этот во всём умелый художник был другом хороших нравов. Он никогда не марал своей кисти недостойными сюжетами… Он был дружен и жил в мире со всеми».
Зандрарт сохранил для нас сделанный им в гравюре портрет своего друга — в нём поражает отсутствие всякой позы, тщеславия, на нас смотрит человек простой, сердечный и даже застенчивый. Дневников или писем Лоррена не сохранилось. Всю красоту своей души он вложил в картины.
В них ясность, спокойный и доверчивый взгляд на мир, хотя он жил в Италии далеко не в лучший период её истории. Он был поглощён своим искусством и писал картину за картиной. А сколько гравюр, рисунков, росписей фресок, сколько лет отданных изучению искусства и природы!
Его творческий путь развивается ровно, накапливается мастерство, растёт совершенство. Первая известная датированная работа относится к 1629 году. В 1631 году он уже выполняет картины по заказу Людовика XIII, затем заказчиками Лоррена становятся римские папы, кардиналы, герцоги.
В 1633 году его принимают в члены академии ди Сан Лука, однако, когда в 1654 году ему предложили звание ректора академии, он отклонил предложение. Событий в его жизни было немного. Единственный раз он покидает Италию в 1625-26 годах, чтобы побывать на родине.
Но возвращается разочарованным. Там он не нашёл ни приюта, ни своего призвания. Он пробовал расписывать церкви, но трагическая гибель его знакомого позолотчика, упавшего с лесов, окончательно побудила его вернуться в Рим.
Он любил своих французских родственников, помогал им. Вызвал своего племянника к себе для помощи в мастерской и по хозяйству, так как не был женат, хотя имел обожаемую дочь Анес Желе, которая родилась в 1653 году и стала его единственной наследницей. Клод Лоррен скончался 23 ноября 1682 года и был погребён в церкви С.
Тринита деи Монти на Пинчо, близ которой прожил всю жизнь. Однако после разграбления церкви наполеоновскими войсками его останки в 1880 году были перенесены в С. Луиджи деи Франчези, где он покоится и поныне рядом с Никола Пуссеном.
При жизни они тоже жили рядом — на одной улице. Оба были французы, одного поколения, однако близки не были. Клода Лоррена обычно относят к представителям французского классицистического искусства.
Его искусство укладывается в рамки классицизма, но и выходит за его пределы. Если классицизм опирается на образ человека, чьи чувства всегда подчинены рассудку, то искусство Лоррена в первую очередь обращено к чувствам и настроению зрителей. Клод Лоррен завершил особую линию развития римского пейзажа своего времени.
Его пейзаж — итальянский и по школе и по натурным объектам , его трудно оторвать от итальянского искусства XVII века, трудно отдать Франции, с которой он связан лишь подданством. Он создал лирический, элегический пейзаж итальянской природы. Гёте, безгранично ценивший Лоррена, открыл его заново для XIX века и для наших дней.
Картины Лоррена находятся во многих странах мира. Богатейшая коллекция великолепных полотен и рисунков Лоррена находится и в России. В одном только Эрмитаже насчитывается двенадцать, тогда как в Лувре лишь шесть.
Пять полотен принадлежит музею изобразительных искусств им. Пушкина в Москве — картины зрелого периода мастера и среди них знаменитая «Похищение Европы» около 1655. Рембрандт «Он похитил солнечный луч», -писал о художнике Карл Брюллов.
Сохранилось лишь одно высказывание Рембрандта, в котором он определяет цели и задачи своего искусства. По глубине содержания оно — бесценное историческое свидетельство. Закончив в 1639 году работу над картинами из цикла «Страстей Христа», он написал письмо поэту и учёному К.
Хейгенсу, где отметил, что в них «выражена наивысшая и наиестественнейшая подвижность». Под этими словами художник подразумевал не только достигнутое им умение воспроизводить любой пластический мотив, передачу разнообразнейших положений человеческого тела, жеста, мимики, но и их теснейшую зависимость от чувств и переживаний человека. Передаче его внутреннего состояния Рембрандт подчинил всю живописную систему.
Он прибегнул к контрастным сопоставлениям света и теней, подчинению красок общему тону, сообщил ему повышенное напряжение. Он заставил цвет характеризовать не столько материальность формы, сколько быть выразителем собственных переживаний. Над разрешением этой задачи Рембрандт работал всю жизнь, придя в конце концов к вершинам совершеннейшего мастерства.
Рембрандт принадлежал к типу художника, для которого период ученичества у другого мастера служит лишь началом творческого самопознания. Он родился в 1606 году в семье мельника. Окончив в четырнадцать лет латинскую школу, Рембрандт поступил в Лейденский университет, но, не проучившись и года, бросил его ради учёбы в мастерской Якоба ванн Свиненбурга, где пробыл три года.
Затем работал шесть месяцев в мастерской Питера Ластмана в Амстердаме. После короткого срока обучения рисунку и живописи, Рембрандт открыл в Лейдене вместе с Яном Ливенсом собственную мастерскую. Один из современников художника, К.
Хейгенс, свидетельствует, что редко видел так много прилежания и усидчивости, как у этих начинающих живописцев. Он добавлял затем с удивлением и неодобрением, что оба они отказались от традиционной поездки в Италию. Рембрандт стал величайшим портретистом.
Поначалу многие жаждали заказать ему свой портрет. И он выполнял многочисленные заказы, охотно удовлетворяя вкусы своих буржуазных заказчиков: виртуозно писал дорогие, нарядные одежды, точно схватывал сходство и подчёркивал нравящиеся моделям черты их характера. Уже в этих портретах он пытался вдумчиво рассмотреть за внешним обличием мир их душевных состояний.
Причина такой медлительности заключалась в том, что, как только первичная работа была выполнена, Рембрандт принимался вторично накладывать мазки и мазочки до тех пор, пока краска на этих местах не начинала возвышаться по крайней мере на полпальца. О нём можно сказать, что он не давал себе отдыха, много писал, но мало вещей оканчивал». Причину утраты Рембрандтом популярности портретиста в 1650-1660-е годы среди голландского бюргерства следует искать не только в медленном темпе работы.
Дело в правдивости изображения самого существа человека, которое стало неотъемлемым качеством Рембрандта-портретиста. С годами ему становилось все более важным понять в портретируемом неповторимость его внутренней жизни, своеобразие психологии, оттенков настроений. То, что принималось современниками за неоконченность, стало сознательным, намеренным живописным приёмом мастера.
Вибрирующий по поверхности и входящий как бы в толщу краски свет вызывает в картинах мастера иллюзию изменяющегося человеческого лица. Недаром по словам Хоубракена, художника и гравёра, написавшего книгу биографий голландских живописцев 17 века, Рембрандт считал, что «картина окончена, как только художник выразил в ней своё намерение». Начиная уже с середины 1640-х годов Рембрандт пишет в основном близких или хорошо знакомых людей, проживших, как и он сам, тяжёлую жизнь.
Он создал около ста автопортретов, которые начал писать и гравировать в юности, как бы проследив на самом себе изменения, которые жизнь вносила в его облик, характер, душу. Эта беседа один на один с самим собой поражает искренностью и правдивостью признаний в горе, радости, отчаянии. Овладение мастерством психологического анализа в портрете помогло Рембрандту при работе над картинами на исторические и библейские сюжеты, ставшими одной из высших ступеней достигнутого им мастерства.
Важнейшим для художника становится конфликт доброго и злого начал в человеке, борьба справедливости с жестокостью. Герои Рембрандта — люди большой нравственной стойкости, доброты, готовые оказать помощь и поддержку друг другу, проявить любовь и дружеское участие. С нескрываемой нежностью, например, он создаёт образ юной матери, склонившейся к своему малышу, в эрмитажном полотне «Святое семейство» 1645 года.
Всю жизнь Рембрандт оставался свободным художником в отличие от многих мастеров 17 века, которое работали при дворах королей или высокопоставленных вельмож. Он не готовил себе помощников, как Рубенс, но всегда сам работал над холстами, как бы велики они ни были. Такие огромные монументальные полотна, как «Ночной дозор», групповой портрет амстердамских стрелков 1642 года или композиция «Клятва Юлия Цивилиса», были написаны им без всякого участия учеников.
Патриотические чувства художника проявились во многих его произведениях. Задуманный как групповой портрет «Ночной дозор» был новаторски решён им как историческое произведение, в котором получила отражение героическая эпоха нидерландской революции. Во время работы над «Ночным дозором» его воодушевила другая идея — создать картину-аллегорию «Единение страны», оставшуюся, к сожалению, в стадии гризайли.
В таких картинах, как «Анатомия доктора Тульпа» 1632 года или «Анатомия доктора Деймана» 1656 года, им увековечена слава знаменитых хирургов Амстердама, стремившихся постичь тайны анатомии человека. Рембрандт написал много портретов одарённых учёных, врачей, поэтов, художников, любителей искусства, книгоиздателей — людей его эпохи, составлявших гордость и славу нации. Его глаз привлекали самые простые мотивы голландской равнинной природы, сцены крестьянской жизни, быта.
На дорогах он встречал обездоленный люд, нищих, калек. Сам художественный отбор увиденного им красноречиво говорит о глубочайшем демократизме художника, огромном интересе к народной жизни. До нас дошло около двух тысяч рисунков Рембрандта, по всей видимости, далеко не все, что он сделал.
Рисунки выполнены большей частью с размывкой бистра кистью. Среди них подготовительные наброски, эскизные рисунки к живописным произведениям, к офортам. Другую группу составляют натурные зарисовки, и третью — композиционные фантазии художника к там и не осуществлённым картинам.
Рембрандт испытывал огромную потребность в постоянном закреплении рождающихся в его воображении замыслов. Рисунок можно считать самостоятельной областью его графического творчества. Он давал выход не только фантазии, но и исключительной наблюдательности художника.
В отличие от большинства голландских живописцев Рембрандт не писал жанровых картин. Он оставлял живые наблюдения повседневной жизни на стадии рисунка или переводил в офорт. Бальдинуччи, автор книги о развитии гравирования на меди, писал: «Искусство, которое может быть поставлено ему в подлинную заслугу, заключается в изобретённом им самим в высшей степени удивительном способе гравирования меди… Обнаруживая в высшей степени вкус к живописному, он окрашивал в некоторых местах лист совершенно чёрным цветом, оставляя в других нетронутой белизну бумаги… За этот, свойственный ему лично способ гравирования знатоки искусства ценили Рембрандта гораздо более, чем за живопись».
Но Рембрандт применял офортную технику и для решения более сложных задач, психологических и драматургических, создавая портреты, сочиненные пейзажи как, например, знаменитый лист «Три дерева» , композиции на библейские сюжеты. В них он обобщал жизненные наблюдения, стремясь к воплощению глубокого, возвышенного содержания. Известно, что художник коллекционировал и изучал старое искусство.
Но интерес Рембрандта к античному искусству и к эпохе Возрождения ни в коей мере не вылился в подражание. Напротив, в такой работе, как «Даная», в самом выборе темы, в трактовке обнажённого тела чувствуется некий вызов, брошенный эстетике прошлой эпохи, благородное соперничество Рембрандта с великими мастерами Италии 16 века. Художник Иоахим Зандрарт писал, «что он упорно придерживался раз усвоенных точек зрения и не боялся возражать против наших художественных теорий… против Рафаэлева искусства рисовать и разумных правил… он спорил и уверял, что следует сообразовываться единственно только с природой, все же остальное неважно».
В мастерской Рембрандта постоянно происходили дискуссии об искусстве, недаром в ней работали молодые живописцы не только из Амстердама, Дордрехта, но и из Германии и Дании. Эту подлинную атмосферу творчества, царившую в мастерской Рембрандта, легко угадать по многочисленным зарисовкам самого художника. Влияние его на голландское искусство трудно переоценить.
Все крупные живописцы в той или иной степени соприкоснулись с проблемами, которые он поставил в своём творчестве. Питер Пауль Рубенс У каждого народа есть свои святыни. Такой святыней является дом Питера Пауля Рубенса в Антверпене.
Великий фламандский художник прожил в нем четверть века. Сам купил участок земли, любовно отстроил, украсил дом, наполнил красивыми вещами. Теперь этот дом является музеем, где находятся его картины и работы современников.
Живописец и ученый, дипломат и коллекционер Питер Пауль Рубенс покоряет редкими свойствами души, ума и характера. Рубенса часто называют счастливцем, вытянувшим завидный жребий у Судьбы. Но все это исключительно благодаря себе.
Своему громадному таланту, трудолюбию и строгой самодисциплине. Рубенс пережил и много личного горя, испытывал не раз чувство унижения от неравенства рождения со стороны знати, был зависимым от воли своих заказчиков. Но все трудности переносил как философ и человек, который с ранних лет привык к сложностям жизни и, научившийся им противостоять.
Рубенса Э. Делакруа называл «Гомером живописи». Много ли найдется художников, которые на вершине славы стали бы изучать и копировать произведения других живописцев?
Много ли таких мастеров, которые в зрелом возрасте, постоянно совершенствуя свое умение рисовать и писать красками, смиренно учатся у более, с их точки зрения, талантливых коллег? Таким был великий фламандский живописец 17 века Питер Пауль Рубенс. Это имя стоит в ряду самых прославленных художников мира.
Его творчество было связующим звеном двух художественных культур — эпохи Возрождения и 17 столетия. Оно пронизано подлинным новаторством, стремлением открыть для искусства еще не изведанные пласты реализма. На протяжении всего своего творческого пути он неустанно стремился постичь тайны мастерства.
Сам Рубенс был одаренным колористом и рисовальщиком, гениальным сочинителем композиций, наделенным могучей фантазией. Но он обладал также колоссальной работоспособностью, постоянно совершенствовал и тренировал свой глаз, руку, понимание формы и цвета. Это невероятное трудолюбие помогло ему не только создать множество произведений, из которых почти половина большие монументальные полотна, но и обрести поразительную свободу и виртуозность кисти.
Питер Пауль Рубенс был человеком разносторонне образованным. Он поражал обширными познаниями в самых различных науках, свободно владел несколькими языками, интересовался современной литературой и философией. Рубенс превосходно знал античную историю, мифологию, литературу и искусство.
Вся жизнь Рубенса прошла на фоне войны, шедшей на его родине и в Европе. Он родился в маленьком немецком городке Зигене в Северной Вестфалии 28 июня 1577 года в семье потомственных жителей Антверпена. Его предки поселились в Антверпене еще в 14 веке.
Дед — Бартоломеус был аптекарем, что по тем временам означало серьезные знания в медицине. В грозные годы Нидерландской революции его отец, Ян Рубенс, вынужден был в 1568 году бежать из родного города, спасаясь, от преследования испанских властей. Это был страшный год в истории Юных Нидерландов теперешней Бельгии , ознаменовавшийся вводом испанских войск под предводительством герцога Альбы, во много раз усилившего жестокий и кровавый террор.
Ян Рубенс принял протестантство, как многие нидерландцы в приверженности иной вере выражая осуждение католической церкви, которую истово защищали испанцы. С конца 15 века назревал этот конфликт, когда Нидерланды вошли в состав испанской монархии. Подчиненное положение Нидерландов, богатейших провинций с сильными городами и бюргерским сословием, развитыми ремеслами и торговлей, судостроением и банковским делом, обусловило выкачивание средств для покрытия колоссальных расходов в завоевательных войнах, которые вел Карл 5, обуреваемый жаждой власти и славы.
Движение Реформации в Европе всколыхнуло огромные массы людей, видевших в католической церкви, погрязшей в пороках в ту эпоху, верную защитницу феодального мира и несправедливостей, с ним связанных, узурпировавшую право господства над душами людей. Уже в пятидесятые годы в Нидерландах началось недовольство политикой Испании, ее дискриминационными актами, экономическим давлением, разнузданным поведением испанских войск, жестокими казнями «еретиков». В 1566 году народное возмущение принимает крайнюю форму иконоборчества, что еще более усиливает террор испанских властей.
Ян Рубенс уезжает в Кельн, чтобы соединиться со своей семьей, отосланной им несколько раньше. Блестяще образованному юристу нетрудно было найти работу. Он становится поверенным в делах Анны Саксонской, супруги принца Вильгельма Оранского, вождя нидерландского восстания, и становится вскоре ее возлюбленным.
Связь с принцессой заканчивается драматически — Ян Рубенс был заточен в тюрьму. По законам того времени за прелюбодеяние ему угрожала смертная казнь. Ценой большого выкупа и долгих ходатайств его жена Мария Пейпелинкс добилась освобождения мужа.
Вот несколько строчек из одного ее письма: «Разве я могла бы быть настолько жестокой, чтобы еще более отягощать Вас в Вашем несчастии и в Вашем одиночестве, в то время как я охотно, если бы это только было возможно, спасла Вас ценой моей крови… Моя душа настолько связана с Вашей, что Вы не можете не испытывать никакого страдания без того, чтобы я не страдала в такой же мере…» Эти строки говорят о возвышенной женской любви и самоотверженной преданности. Образованный ум и духовная культура этой женщины поражают не менее чем ее мужество и благородство. Эта история раскрывает дух семьи, характер взаимоотношений в ней, этику, так как в ней вырос и сформировался великий художник, многое, унаследовав, прежде всего, от своей матери.
После рождения Питера Пауля Рубенсы возвратились в Кельн. А после смерти мужа, Мария Пейпелинкс, перешедшая в католичество, начала, спустя двадцать лет после бегства, хлопоты о возвращении домой, в Антверпен. Семья бедствовала в изгнании.
Возвратиться в Антверпен стало возможным только после смерти отца. По всей видимости, именно отец привил своему сыну интерес к учению, дал первоначальные знания латыни и истории. В 1589 году Питера Пауля Рубенса отдали в латинскую школу при соборе Богоматери, где он проучился около двух лет.
Его мировоззрение, характер складывались в тяжелые времена всеобщего бедствия, семья была разорена. Однако патрицианская среда города, отличавшаяся высокой культурой и образованностью, помнившая о заслугах Яна Рубенса, бывшего много лет одним из секретарей Антверпена, приняла ее как потомственных и уважаемых горожан. Его мать, Мария Пейпелинкс, пишет в своем завещании, что Питер Пауль и его старший брат Филипп еще подростками ушли из дома и стали сами зарабатывать на жизнь.
Сначала он поступил на службу в пажи к графине де Лалэнг, но очень быстро открывшееся призвание заставило его пойти учиться к дальнему родственнику Тобиасу Верхахту, затем к Адаму ван Ноорту, а оттуда в мастерскую Отто ван Веена. Мать не платила за его обучение. По обычаю того времени ученик должен был «отработать», выполняя разные поручения своих хозяев.
Мастерские Антверпена ориентировались в те годы на вкусы заказчиков, ценивших более всего в основном итальянское искусство. В самих Нидерландах эта приверженность оформилась в течение «романизма», то есть следования римскому искусству — искусству Рафаэля и Микеланджело. С преклонения перед великими мастерами Ренессанса, с копирования их композиций начал и Рубенс.
Об этом свидетельствует одна из самых ранних его картин «Адам и Ева в раю» Антверпен, дом-музей Рубенса , созданная по гравюре Маркантонио Раймонди с ныне утраченной работы Рафаэля. В 1598 году молодой художник вступил в гильдию святого Луки — объединение антверпенских живописцев, получив право работать самостоятельно. Однако заказов в Антверпене было мало.
Уже три десятилетия шла война. Испания стремилась вернуть северные провинции Нидерландов, объявившие себя в ходе национально-освободительного движения свободной, независимой республикой Голландией. Южные нидерландские провинции, которые называли иначе Фландрией, во главе с Антверпеном оказались не в силах сбросить гнет испанского владычества.
Разоренную страну покидали голодные, обнищавшие жители, переселяясь в другие края. Весной 1600 года Рубенс уезжает в Италию, где проводит восемь лет. Его необыкновенный талант был сразу же замечен.
Знакомство в Венеции с дворянином из свиты герцога Мантуанского решает его судьбу. Показанные картины нравятся, и он оказывается в Мантуе при одном из самых блестящих дворов Италии, у Винченцо Гонзага, просвещенного государя, коллекционера, покровителя музыкантов при его дворе жил великий Монтеверди, поставивший там в 1607 году своего «Орфея» , поддерживавшего отношения с Галилеем, жившего на широкую ногу, жаждавшего славы. Рубенс объездил многие города Италии, стремясь увидеть произведения выдающихся мастеров эпохи Возрождения: Леонардо да Винчи, Микеланджело, Корреджо, Мантеньи, Тициана, Веронезе, Тинторетто.
Его, северянина, поразила пластическая свобода и образная сила произведений великого флорентийца. Он рисует аллегорическую статую «Ночь» с основной точки зрения, а потом, на этом же листе, с позиции, с которой обычный зритель не может ее видеть. Рубенс учился у Микеланджело свободному выявлению выразительности и красоты человеческого тела.
Благодаря рисунку Рубенса мы можем представить себе гениальную, давно исчезнувшую композицию Леонардо «Битва при Ангиари». В главной сцене всадники в ожесточенной схватке сражаются за знамя. Сложное сплетение фигур, предельное напряжение действия и человеческих чувств, переданные Леонардо, оказываются близкими поискам самого Рубенса.
Спустя десять лет он напишет одну из самых замечательных своих картин, «Битву греков с амазонками», где постарается достичь леонардовской силы в сложной многофигурной композиции. Доверие к нему герцога Винченцо становится столь велико, что в 1603 году Рубенс отправился в Испанию с дарами королю Филиппу 3 и его министру всесильному герцогу Лерме. В известной степени поездка принесла пользу Рубенсу.
Он познакомился с испанским двором, монархом, от милостей которого зависела его родина. Среди выполненных в Испании работ особенно прекрасен портрет герцога Лермы, принятый весьма милостиво и одобренный многими.
Перова посвящается… В библиотеке отметили 185-летие со дня рождения Василия Григорьевича Перова - одного из крупнейших русских живописцев, чье творчество стало вехой в истории искусства. Час живописи «Знаменосец великого искусства» позволил познакомить читателей с жизнью и творчеством художника. Ребята узнали, что его произведения всегда вызывали неоднозначный интерес: одних они приводили в восторг, другие, наоборот, подвергали их критике. При этом его картины занимают почетные места в художественных галереях нашей страны, а Николай Петрович Собко, русский историк искусства, сравнивал Перова с известными писателями: «Перов - это Гоголь и Островский, Достоевский и Тургенев русской живописи, соединенные вместе».
Тема России в творчестве Шагала отражается не только в сюжетных мотивах, но также в особом укладе жизни начала ХХ века, который во многом был воспринят Шагалом от своих учителей — русских художников. Обучение в России Юрий Пэн. Он был выходцем из императорской академии искусств в Санкт-Петербурге, воспитанником Павла Чистякова и развивал реалистические традиции в живописи. В своей автобиографической книге Шагал утверждает, что обучался у Пэна два месяца, однако многие исследователи сходятся во мнении, что на самом деле срок его обучения составил около пяти лет он начал посещать студию в четырнадцать лет и занимался в ней до девятнадцати лет. Несмотря на то, что собственный стиль у Шагала еще не сформировался, этот период очень важен в становлении Марка как художника. Юрий Пэн обращал внимание своих учеников на этнографические детали, призывал их запечатлевать окружающий мир во всем его многообразии: покосившиеся от времени заборы, складки талеса, которые покрывают морщинистое лицо старого еврея, множество бытовых сценок — он доказал на примере собственных работ, что подобные сюжеты могут стать объектом искусства. Юрий Пэн. Живопись, которую он хотел создавать, отличалась от нарочитого реализма, унаследованного его учителем от передвижников. Поэтому он покидает родной город и приезжает в Петербург. Не поступив в Академию Штиглица в 1907 году, Шагал отправляется в школу Общества поощрения художеств, руководимую Николаем Рерихом. Художник и участник самого знаменитого художественного объединения своего времени "Мир искусств" Рерих провел глобальную реформу образовательной программы ОПХ. Он ввел такой предмет, как история искусств, организовывал на регулярной основе экскурсии по русским деревням для знакомства учеников с мастерами кустарного дела, открыл мастерские керамики, деревянной скульптуры, витражной росписи, а также классы музыки и хорового пения. Кроме того, Рерих в это время находился под большим влиянием искусства Гогена чьи картины он впервые увидел в Париже в 1901 году. Яркость цвета, декоративные мотивы и выбор экзотичного сюжета — вот то, чем вдохновлял французский живописец. Николай Рерих. Серия "Начало Руси. Славяне" 1901 год Восхищение учителя творчеством Гогена не прошло незаметным для Шагала. Об этом можно судить по двум работам, которые он создает в 1908 году: "Автопортрет с красной маской" и "Портрет девочки на диване" ныне обе работы находятся в собрании Центра Жоржа Помпиду. На портрете, где Марк изображает себя, есть одна деталь, которая не сразу бросается в глаза, — это борода и усы, которых в то время не было у Шагала. А на автопортрете Гогена 1889 года, который находился в собрании у Сергея Щукина, есть те самые признаки маскулинности, которые приписывал себе Шагал. Кроме того, у Гогена краска на холсте распределена неравномерно, сквозь масляный слой можно видеть жесткую фактуру грубого холста. Такой же прием можно разглядеть и в работе Шагала. Другая картина Шагала "Девочка на диване" второе название — "Портрет сестры Марьяски" близка к работе Гогена "Цветы Франции" 1891 года. Об этом говорят схожие композиции: фигуры изображены на фоне плоской стены и расположены в левой части холста, напротив — ваза с цветами. Изображая свою сестру с короткими волосами и в шляпе, Шагал уподобляет ее герою картины Гогена — юноше с короткой стрижкой и в соломенной шляпе. Поль Гоген. В книге "Моя жизнь" он напишет: "Два года ушли даром". Такой вывод можно объяснить главным образом тем, что Шагал ощущал свою избранность, а беспристрастное отношение учителя к работам своего ученика вызывало у него разочарование в самой системе образования. Тем не менее за время обучения у Рериха он знакомится со своим будущим покровителем, влиятельным депутатом Думы Максимом Винавером.
Чисто живописные задачи представляли для художника известную трудность, и он, в основном, работал в макете, воссоздавая на сцене трехмерную пластическую среду, настолько оживленную обилием бытовых реалий, что зачастую она казалась фрагментом действительности. Детальное правдоподобие постановки в эстетике МХТ должно было помочь выявлению внутренней правды образов современной драматургии — Чехова, Горького, Ибсена. Жизненная правда мыслилась как этап на пути к правде художественной. Симов — Чайка Стремление Симова к индивидуально-характерному решению каждого спектакля сказалось в постановках исторических пьес «Царь Федор Иоаннович» А. Толстого 1898 и «Юлий Цезарь» В. Шекспира 1903. Вкус художника к достоверным деталям не привел к сухому археологизму: масштабности исторических событий соответствует мера обобщения в оформлении. Удача сопутствовала Симову и при оформлении чеховских пьес все они шли на сцене МХТ в его декорациях. Здесь подробная разработка зрительной среды переросла в поэтический образ: вещи обрели эмоциональную слитность с переживаниями героев и чеховская атмосфера, полная скрытого драматизма, была воссоздана на сиене в той же тональности. Неяркая красочная гамма декораций отвечала стилистике писателя «Дядя Ваня». Дядя Ваня В оформлении пьесы Горького «На дне» Симов приходит к обобщенности решения, монументальности пластического образа.
100 главных русских художников, которых вы должны знать (ФОТО)
190 лет со дня рождения русского художника Василия Григорьевича Перова (1834-1882). Юбилеи художников в 2024 году: 1. Иван Иванович Иванов — 150 лет со дня рождения. Загадочная синь сумерек в полотнах художника Дмитрия Небогатова, таинство его «белых ночей», живущие в них образы прекрасных дам, романтических персонажей. В честь 170-летия со дня рождения великого художника, музей Ван Гога в Амстердаме запустит специальную программу, которая позволит посетителям окунуться в атмосферу его картин и увидеть мир его глазами.
Юбилеи русских художников 2024 года: от классики до авангарда
190 лет со дня рождения русского художника Василия Григорьевича Перова (1834-1882). Сегодняшний день богат на даты. Девяносто лет исполнилось Эрику Булатову, художнику, которого называют основоположником соцарта и прямым наследником русского авангарда. ежегодный праздник, который отмечается 8 декабря по инициативе Международной ассоциации «Искусство народов мира». Биография художника Марка Шагала: личная жизнь, музеи его имени в Витебске и Ницце, выставка в Челябинске, отношения с женой Беллой, еврейская национальность.