жанр церковной музыки пришёл в Россию с Запада в конце XVII века, представлял собою «состязание» двух и более противопоставленных друг другу хоров. Прах Глинки был перенесен в Россию, для которой он стал основоположником ее светской, то есть внехрамовой, но церковной по духу музыкальной культуры, основоположником искусства духовного реализма, освещающего глубины народного духа.
Сборники русских песен
- История истоков
- Ответы на кроссворды и сканворды
- Похожие презентации
- Концерт «Не отвержи мене во время старости»
- Презентация к уроку музыки 6 класс Духовный концерт доклад, проект
- Основоположник жанра духовного концерта.
Основателем русского духовного концерта является
Особое место отводилось скрипке и виолончели: так, в 1728 году в рамках духовных концертов состоялся парижский дебют обучавшегося в Италии виртуоза Жана-Мари Леклера [12] [10]. Вместе с тем духовные концерты привлекали и уже состоявшихся исполнителей; многие знаменитости включали их в программу своих европейских турне [12] [15]. Если изначально значительную часть репертуара составляли произведения Делаланда, то впоследствии он существенно расширился за счёт разнообразной вокальной и инструментальной музыки, как французской, так и зарубежной [13]. Кроме того, с 1728 по 1733 год устраивались специальные «французские» концерты, в которых исполнялись светские произведения на франкоязычные тексты с 1786 года они вошли в основную концертную программу [18]. С конца 1730-х до начала 1760-х годов в духовных концертах преобладала музыка Мондонвиля ; с 1777 года — симфонии Гайдна [13]. Он остался крайне недоволен игрой оркестра на репетиции, однако премьера прошла с большим успехом [15] [19]. За всё время существования духовных концертов они проходили около 1300 раз [13]. Последний состоялся 13 мая 1790 года; затем, в годы Великой французской революции , традиция духовных концертов прервалась [20] [2].
Он отражает исторические, религиозные и музыкальные традиции русского народа. Эта форма музыки объединяет людей, приносит им духовный подъем и становится ярким выражением национального самосознания. Особенности русского духовного концерта Русский духовный концерт является важной частью русской культуры и имеет свои характерные особенности: Духовное содержание: Основным отличием русского духовного концерта является его глубокая душевность и насыщенность духовным содержанием. В музыкальных произведениях русских композиторов часто звучат религиозные темы и мотивы, отражающие духовность русского народа. Хоровое исполнение: Русский духовный концерт часто представляет собой хоровое исполнение, где многочисленные голоса объединяются в гармонии. Хоры могут быть как церковными, так и профессиональными, но в любом случае хоровое исполнение придает музыке особую мощь и выразительность. Использование русских народных мотивов: В русском духовном концерте часто звучат элементы русской народной музыки. Это может быть использование народных мелодий, танцевальных ритмов или характерных инструментов. Эти элементы придают музыке русский колорит и делают ее ближе к сердцу слушателей.
Как на Руси появился знаменный распев? История церковного пения на Руси начинается в X столетии, когда князь Владимир пригласил в Киев греческое духовенство и духовных распевщиков. Они-то и «привезли» с собой так называемый знаменный распев. Стоит отметить так же, что именно на основе осмогласия создаются такие «ноу-хау» церковно-песенного искусства, как путевое, строчное и демественное пения. Именно в XVII веке происходит своеобразный расцвет русского знаменного пения, после чего, как, наверное, и в любом виде искусства, наблюдается довольно длительный застой, а затем и спад. От знаменного распева к партесному пению Польское влияние на русское церковное пение неоспоримо. Однако, отношения между католическими и православными христианами отнюдь не были тёплыми, и, вследствие борьбы с унией, православные киевские братства разработали принципиально новый тип пения, отличающийся от звучания католического органа. Начиная со второй половины XVII столетия, происходит переход от знаменного распева к партесному.
Архив Капеллы после 1917 года был расформирован, а его материалы по частям переданы в разные хранилища. Некоторые произведения Бортнянского, к счастью, были найдены, но большая их часть бесследно исчезла, в том числе и сборник, посвящённый великой княгине. Поиски их продолжаются и по сей день. Дмитро Степанович Бортнянський, 26 октября 1751, Глухов, Черниговское наместничество — 10 октября 1825, Санкт-Петербург — российский композитор малороссийского западнорусского, украинского происхождения. Один из первых основателей классической российской музыкальной традиции. Воспитанник, а затем управляющий Придворной певческой капеллой в Санкт-Петербурге. Выдающийся мастер хоровой духовной музыки. Автор опер «Сокол» 1786 , «Сын-соперник, или Новая Стратоника» 1787 , фортепианных сонат , камерных ансамблей. Звуками его произведений наполнялись храмы и аристократические салоны, его сочинения звучали и по случаю государственных праздников. До сих пор Дмитрий Бортнянский справедливо считается одним из самых славных украинских композиторов , гордостью и славой украинской культуры , которого знают не только на родине, но и во всем мире. Дмитрий Бортнянский родился 26 28 октября 1751 года в Глухове, Черниговское наместничество. Его отец, Стефан Шкурат, происходил из польских Низких Бескидов, из села Бортнэ и был лемком, однако стремился попасть в гетманскую столицу, где и принял более «благородную» фамилию «Бортнянский» образованную от названия родной деревни. Дмитрий Бортнянский, как и его старший коллега Максим Березовский, ребёнком учился в знаменитой глуховской школе и уже в семилетнем возрасте благодаря своему чудесному голосу был принят в Придворную певческую капеллу в Петербурге. Как и большинство хористов Придворной певческой капеллы, наряду с церковным пением, он исполнял также и сольные партии в т. Благодаря рекомендации Бальтасара Галуппи семнадцатилетнему Дмитрию Бортнянскому, как особо одарённому музыканту, назначают художественную стипендию — «пансион» для учёбы в Италии. Однако он избирает местом постоянного жительства уже не Болонью, а другой важный культурный центр — Венецию, которая ещё с XVII столетия славилась своим оперным театром. Именно здесь был открыт первый публичный оперный театр в мире, в котором представления могли посещать все желающие, а не только вельможи. В Венеции жил и его бывший петербургский учитель итальянский композитор Бальтасар Галуппи, которого Дмитрий Бортнянский почитал ещё со времен учёбы в Петербурге. Галуппи помогает молодому музыканту стать профессионалом, кроме этого, для углубления своих знаний, Дмитрий Бортнянский выезжает на учёбу и в другие большие культурные центры — в Болонью к падре Мартини , в Рим и в Неаполь. Итальянский период был длительным порядка десяти лет и на удивление плодотворным в творчестве Дмитрия Бортнянского. Он написал здесь три оперы на мифологические сюжеты — «Креонт», «Алкид», «Квинт Фабий», а также сонаты, кантаты, церковные произведения. Эти сочинения демонстрируют блестящее мастерство автора во владении композиторской техникой итальянской школы, которая в то время была ведущей в Европе, и выражают близость к песенным истокам своего народа. Не раз в блестящих мелодиях арий или в инструментальных частях прослушивается чувственная напевная украинская лирика песен и романсов. После возвращения в Россию Дмитрий Бортнянский был назначен учителем и директором Придворной певческой капеллы в Петербурге. В конце жизни Бортнянский продолжал писать романсы, песни, кантаты. Он написал гимн «Певец в стане русских воинов» на слова Жуковского, посвященный событиям войны 1812 года. В последние годы жизни Бортнянский работал над подготовкой к изданию полного собрания своих сочинений, в которое он вложил почти все свои средства, но так и не увидел его. Композитору удалось лишь издать лучшие из своих хоровых концертов, написанных в молодости, как «Духовные концерты на четыре голоса, сочиненные и вновь исправленные Дмитрием Бортнянским». Дмитрий Бортнянский умер 28 сентября 1825 года в Петербурге под звуки своего концерта «Вскую прискорбна еси душе моя», исполненного по его желанию капеллой в его квартире, а полное собрание его сочинений в 10 томах вышло лишь в 1882 под редакцией Петра Ильича Чайковского. Похоронен на Смоленском кладбище. В 1953 году прах был перенесен на Тихвинское кладбище при Александро-Невской лавре в Пантеон деятелей российской культуры. По реестру их было немало: «опер италианских — 5, арий и дуэтов российских, французских и итальянских — 30, хоров российских и итальянских — 16, увертюр, концертов, сонат, маршей и разных сочинений для духовой музыки, фортепиан, арфы и прочих инструментов — 61». В числе рукописей были оперы «Алкид» и «Квинт Фабий», «Сокол» и «Сын-соперник», сборник клавирных произведений, посвященный Марии Федоровне. Финдейзена «Юношеские произведения Бортнянского», которая завершалась следующими строками: Талант Бортнянского с легкостью владел и стилем церковного пения, и стилем современной ему оперы и камерной музыки. Светские произведения Бортнянского … остаются неизвестными не только публике, но даже музыкальным исследователям. Большинство произведений композитора находятся в автографных рукописях в библиотеке Придворной певческой капеллы, за исключением квинтета и симфонии хранятся в Публичной библиотеке. Некоторые произведения Бортнянского, к счастью, были найдены, но большая их часть бесследно исчезла, в том числе и сборник, посвященный великой княгине. Родился в Глухове на Украине в 1751. Ребенком был отобран в Придворную певческую капеллу и увезен в Петербург. Пел в хоре капеллы, участвовал в придворных концертах и оперных представлениях. Изучал теорию музыки и композицию у итальянского композитора Бальдассаре Галуппи , работавшего тогда при российском дворе. С 1769 в течение десятилетия жил за границей, преимущественно в Италии. В Венеции и Модене были поставлены оперы Бортнянского Креонт , Квинт Фабий , Алкид ; тогда же им были созданы хоровые сочинения на католические и протестантские религиозные тексты. По возвращении в Россию был назначен придворным капельмейстером, с 1796 — управляющим Придворной певческой капеллой. Тогда же были сочинены клавирные сонаты и ансамбли, ряд романсов на французские тексты. После назначения управляющим Бортнянский работал исключительно в жанрах православной духовной музыки. Одновременно с деятельностью в капелле преподавал в Смольном институте благородных девиц, участвовал в работе Петербургского филармонического общества. Был весьма просвещенным человеком, другом Державина , Хераскова , Жуковского , почетным членом Академии художеств, собрал значительную библиотеку и коллекцию живописи. Умер Бортнянский в Петербурге 28 сентября 10октября 1825. Как глава капеллы и автор духовных композиций Бортнянский оказал заметное воздействие на церковное пение в России 19 в.
Музыка. 6 класс
Впервые так стали называть свои произведения испанские композиторы XVI в. Ранние сонаты были полифоническими, например трио-сонаты для 3 инструментов — скрипки или флейты , виолы да гамба и клавесина. Когда на смену полифоническому стилю пришел гомофонный ведущую роль стал играть главный голос с яркой мелодией, а остальные приобрели сопровождающий, аккомпанирующий характер , то первенствующее значение приобрела соната для сольного инструмента с сопровождением, в первую очередь для скрипки. Витали, Дж. Тартини, А. Корелли, А.
Клавишный инструмент выполнял в них чисто аккомпанирующую функцию. Гендель и особенно И. Бах уже создают сонаты для клавишного инструмента. К этому времени соната оформилась как многочастная инструментальная пьеса с богатым образно-эмоциональным содержанием. Наиболее типичен был такой порядок частей: медленно — быстро — медленно — быстро.
Первая часть чаще всего имела импровизационно-вступительный характер; третья, медленная, строилась на ритмах сарабанды или сицилианы — испанского и итальянского народных танцев. Фортепьяно пришло на смену клавесину и принесло с собой все богатство оттенков громкой и тихой игры; оно было и на стремительную беглость, и на оркестровое громо-гласие. Все эти качества с особой силой проявились в фортепьянных.
Уже в XVII веке вошел в употребление партесный стиль, который отличался новыми принципами музыкального мышления. Изменились и сами представления о роли музыкального начала в богослужении.
Так, по мнению И. Гарднера, одного из ведущих исследователей богослужебного пения Русской Православной Церкви: «богослужение перестало восприниматься как самое пение» [1, с. Ковалев указывает, что необратимые последствия введения нового стиля способствовали, в итоге, тому, что «происходило постепенное перерождение богослужебного пения в духовную музыку» [6, с. Важно учитывать, что изменение отношения к исконным принципам богослужебного певческого искусства неразрывно связано с процессами развития слухового опыта и музыкальной культуры в целом. В тот же исторический период в России зазвучала западноевропейская музыка: как светская, так и духовная.
В результате был обретен новый слуховой опыт, связанный с постижением законов европейского музыкального мышления — как гармонической четырёхголосной вертикали, так и характерных приёмов полифонического развития. Как известно, история светской музыки в России «начинается в XVIII веке с полного господства иноземной музыки, иностранных оркестров и композиторов, и только во второй половине столетия возникают первые создания национальной музыки; церковная музыка, наоборот, в начале века представляет гораздо больше самостоятельности и самобытности, чем в конце» [5, с. Эпохой, давшей богатую почву для формирования и подлинного расцвета жанра духовного концерта, стало правление Екатерины II, всячески способствовавшей развитию искусства, приглашавшей зарубежных музыкантов и других деятелей культуры в Россию: «в Петербурге в разное время работали прославленные итальянские композиторы, приглашенные императрицей: Бальдассаре Галуппи, Джованни Паэзиелло, Доменико Чимароза, Джузеппе Сарти» [5, с. Центром «итальянского светского влияния» определение И. Гарднера стала Придворная певческая капелла, являвшаяся «образцом для русских церковных хоров в плане исполнительства и стиля» [6, с.
Композиторская деятельность была неразрывно связана со становлением в России новой исполнительской техники. Будучи одновременно участниками светских оперных постановок, музыканты Придворной певческой капеллы не могли не испытывать влияния западноевропейского музыкального мышления, были технически оснащены и художественно ориентированы на исполнение всех основных композиторских приёмов европейской музыки XVIII века. Особый вклад в процесс становления жанра духовного концерта, как и нового стиля хоровой партитуры в целом, внесла работа приглашённых зарубежных мастеров над церковной музыкой на православные тексты, предназначенной для исполнения во время богослужения. Известен целый ряд партесных концертов, принадлежащих перу Б. Сарти: «Радуйтеся людие», «Отрыгну сердце».
Их традиции были продолжены вернувшимися после обучения в Италии русскими композиторами — М. Березовским и Д. Центральным, основным «жанром творчества Березовского и Бортнянского оставался хоровой концерт, стилистика которого в 60-70-х гг. XVIII в. Наряду с Д.
Бортнянским, которому принадлежит в общей сложности более ста произведений, относимых к сфере богослужебной музыки в том числе 35 четырехголосных духовных концертов и 10 двухорных , на рубеже XVIII-XIX вв. Среди них: С. Дегтярев, Л. Гурилев, А. Ведель, С.
Духовный концерт получил собственное место в структуре богослужения: после причастного стиха во время причащения священнослужителей в алтаре.
В ней преобладали либо комическо-сатирические, либо сентиментальные сюжеты с традиционным финалом, где торжествовала добродетель и наказывался порок. Музыка в них соответствовала сюжетам, причем арии и хоры чередовались с разговорными диалогами, что сближало оперу с модными тогда водевилями. Глинка хотел создать нечто гораздо более значительное. Это соответствовало и потребности наиболее передовой части русского общества увидеть в искусстве отражение грозных, но славных лет Отечественной войны; появился целый ряд драматических, оперных и балетных спектаклей на эту тему, но большинство из них лишь внешне отражали тему. Сюжет будущей оперы случайно подсказал ему поэт Василий Жуковский: взять в основу эпизод русско-польской войны 1612 года - подвиг Ивана Сусанина.
Правда, опера с таким названием уже существовала - она была поставлена итальянцем Катерино Кавосом, но она традиционно имела счастливый конец, а Глинка ставил себе другую цель - написать героико-трагическое произведение, чтобы передать в нем величие и силу духа русского человека. Он начал работать над планом оперы и сцена в лесу, которая так ярко нарисовалась в его воображении, постепенно обрастала другими сценами, требуя показать не только Сусанина, но и то, что мужественный крестьянин не одинок в своем героизме, и постепенно перед композитором возникал образ главного героя будущей оперы - образ русского народа. Наконец опера была написана, завершена работа по её постановке и 27 ноября 1836 года состоялась долгожданная премьера, вызвавшая необыкновенный общественный резонанс. Несмотря на то, что были и завистливые отклики, смысл которых сводился к тому, что в музыке не может быть никаких новых направлений, большинство из них откровенно восхищались новой оперой. С оперою Глинки является то, чего давно ищут и не находят в Европе - новая стихия в искусстве, и начинается в его истории новый период - период русской музыки. Но выполнение этого замысла потребовало многих лет; обстоятельства складывались так, что у композитора не было ни свободного времени, ни спокойствия, так нужного для творчества.
Он пишет новые романсы, но постоянно думает о новой опере, собирает новые идеи, которые потом войдут в нее. В дополнение ко всем этим сложностям у него еще сформировалось общего представления о будущей опере, в процессе работы Глинка видел, что его первоначальное восприятие поэмы как волшебной сказки трансформировалось, в ней появлялись и картины славного прошлого русской земли, и рассказ о самоотверженной всепобеждающей любви. Наконец музыка была написана и началась постановка. Здесь появились новые сложности: приходилось бороться и с цензурой, стремившейся превратить оперу в модный спектакль без какой бы то ни было подоплеки. Настал день премьеры. Весной 1844 года Глинка вновь отправляется за границу.
Варшава, Берлин, и наконец, Париж, где он опять встречается с Гектором Берлиозом - талантливейшим французским композитором, который берется за организацию концерта из произведений русского мастера. Концерт имел большой успех, отмеченный прессой, очень теплую статью написал Берлиоз, познакомив французских любителей музыки с биографией и сочинениями Глинки и в самых лестных выражениях охарактеризовав его талант. Статья была переведена и на русский и появилась в столичных газетах. Но Глинка не собирался почивать на лаврах: отдохнув от трудных лет Петербурга около года: многое еще нужно увидеть и услышать, многое успеть создать и он направляется в Испанию. За два года, проведенных в этой стране, он объездил многие города, но не только они привлекали его внимание. Глинка видел и сельскую Испанию, повседневную жизнь народа, его труд и развлечения.
Он услышал настоящую музыку Испании, неотделимую от танца. Здесь более, чем в других городах Испании поют и пляшут. Господствующий напев и танец в Гранаде - фанданго... Эта музыка и пляска так оригинальна, что до сих пор я не мог еще совершенно подметить напева, ибо каждый поет по-своему. Чтобы вполне уразуметь дело, учусь три раза в неделю у первого здешнего танцевального учителя. Вам это, может быть покажется странным, но здесь музыка и пляска неразлучны.
Надеюсь, что и теперь хлопочу не понапрасну. В ней впервые Глинка ввел в симфоническую музыку народные мелодии, чем сделал её интересной, близкой и понятной как знатокам, так и обычным любителям музыки. Общение языком музыки с широким кругом слушателей и раньше было его целью, но в опере ему помогало поэтическое слово и драматическое действие. Но даже не столичная, провинциальная светская очень быстро утомляет его, он вновь едет, на этот раз до Варшавы, где с удовольствием работает с варшавским оркестром. Разыгравшееся творческое воображение представило перед ним целую картину крестьянской жизни... Он представлял себе как они соединяются, переплетаются...
Дученто Смотреть что такое "Духовный концерт" в других словарях: Концерт — итальянское concerto, буквально согласие, от латинского concerto состязаюсь , музыкальное произведение для ансамбля исполнителей инструментального или вокального , основанное на контрастном сопоставлении звучания всего исполнительского состава… … Иллюстрированный энциклопедический словарь Концерт произведение — У этого термина существуют и другие значения, см. Концерт значения. Концерт нем. Konzert от итал. Публичное исполнение музыкальных произведений и других номеров по определённой программе.
Симфонический, вокальный, эстрадный к. Праздничный к.
М. Глинка – основоположник русской музыки.
| №2. Кто является основателем русского духовного концерта? Варианты ответа: Березовский; | АЛЕКСАНДР ДМИТРИЕВИЧ КАСТАЛЬСКИЙ (1856–1926), русский композитор, хоровой дирижер, исследователь русского музыкального фольклора; один из инициаторов т.н. «нового направления» в русской духовной музыке конца 19 – начала 20 вв. |
| ТРАДИЦИОННЫЕ ЧЕРТЫ РУССКОГО КЛАССИЦИСТСКОГО КОНЦЕРТА - Студенческий научный форум | Ценитель и исполнитель русских народных песен, основатель и первый художественный руководитель знаменитого хора, носящего сегодня его имя, – Митрофан Пятницкий всю свою жизнь посвятил собиранию и сохранению этого богатства – русского певческого искусства. |
ПОДЕЛИТЬСЯ
- Роль и значение в русской музыкальной культуре
- Роль и значение в русской музыкальной культуре
- История русской хоровой музыки (тезисы лекций)
- Чуток к музыкальной красоте, к движениям душевным
- ТРАДИЦИОННЫЕ ЧЕРТЫ РУССКОГО КЛАССИЦИСТСКОГО КОНЦЕРТА - Студенческий научный форум
Когда появился духовный концерт?
1796). Это было благоприятное время для российской культуры. Дмитрий Степанович Бортнянский – российский композитор, являющийся основоположником русской классической российской музыкальной традиции. Биография Дмитрия Степановича Бортнянского – молодые годы. Плодотворная работа Кастальского и Гречанинова в развитии нового направления русской духовной музыки, исполнительский талант В.С. Орлова стали началом претворения в жизнь идей Степана Васильевича Смоленского. Ответьте на вопросы и сделайте задания 1. В храмовом синтезе искусств в русской православной церкви музыка смешивается с Театром Кино Живописью Хореографией Статуей Архитектурой.
Что такое русский духовный концерт
Таким образом, в течение всего XVIII века русское хоровое пение прошло большой путь эволюции — от монументального партесного стиля, вызывающего ассоциации с архитектурным стилем барокко, к высоким образцам классицизма в творчестве М. Березовского и Д. Бортнянского , создавших классический тип русского духовного концерта. Возникли хоровые обработки народных песен, хоровая оперная музыка, танцевальная музыка с хором самый знаменитый образец — полонез И. Козловского «Гром победы раздавайся» на слова Державина. Ведущим хоровым жанром становится русский духовный концерт , служивший своеобразным символом древней отечественной традиции. Своего наивысшего расцвета духовный концерт достиг в екатерининскую эпоху 1762- 1796. Это было благоприятное время для российской культуры. В этот период было создано более 500 произведений концертного жанра. Концерт получил распространение и как кульминационная часть церковной службы, и как украшение придворных церемониалов.
Он был средоточием тем и образов, затрагивавших глубокие нравственные и философские проблемы. Большой вклад в становление русского классического хорового концерта внесли выдающиеся иностранные композиторы, жившие в Петербурге Д. Сарти, Б. Вершинные достижения русской хоровой музыки эпохи Просвещения связаны с именами М. Ее рождение стало кульминацией русского Просвещения. Родиной школы был Санкт-Петербург, где расцвел талант самых ярких ее представителей. В их числе — основоположники русской оперы В. Пашкевич и Е. Фомин, мастер инструментальной музыки И.
Хандошкин , выдающиеся творцы классического духовного концерта М. Березовский и Д.
Русский духовный концерт является выразительным и мощным средством передачи чувств и эмоций. Он способен вызывать глубокое волнение и переносить слушателей в мир таинственных и духовных переживаний.
Сегодня русский духовный концерт активно развивается и находит свое место в современной музыкальной культуре. Современные композиторы объединяют традиции прошлого и современные технологии, чтобы создавать новые произведения, сохраняя при этом дух русской музыки. Особенности русского духовного концерта Использование хорового пения и музыкальных инструментов Начало в древней Руси Сохранение духовности и национального характера Выразительность и мощь передачи чувств и эмоций Современное развитие и сохранение традиций Определение и сущность русского духовного концерта Сущность русского духовного концерта заключается в том, что он является отражением духовной и культурной жизни русского народа. В нем присутствуют элементы религиозной символики, народной песни, народных обрядов и традиций.
Русский духовный концерт выражает истинные чувства и эмоции, укорененные в глубинах национального сознания. Одной из особенностей русского духовного концерта является его многообразие и разнообразие. Структура произведения может быть различной: от одной большой композиции до нескольких отдельных частей, объединенных общей идеей. В русском духовном концерте широко используются хоровые ансамбли, солисты и оркестры, которые создают сложные и глубокие музыкальные формы и образы.
Русский духовной концерт является отражением русской духовности, ее прекраса и гармонии.
Хоровая литература, - М. Очерки истории русской хоровой культуры. Оперно-хоровое творчество Н. Римского-Корсакова Две главные образно-драматургические линии в творчестве Римского-Корсакова. Продолжение и обогащений глинкинских традиций в сказочно-эпическом жанре.
Внимание к старинному русскому быту. Обрядовый и игровой оттенок хоров в сказочно-эпических операх. Близость к русскому и украинскому фольклору интонационная, ладовая, фактурная. Использование подлинных народных мелодий. Особенность метроритмического строения хоров. Хоровые характеристики фантастического мира.
Фактурное разнообразие. Яркость гармонического языка. Мелодичность, изящество, простота музыкально изложения. Недостаточная яркость и оригинальность. Общая характеристика произведений для хора без сопровождения яркость художественных образов, разнообразие средств изложения, широкое использование полифонических приемов и т. Особенности хорового письма, ставшие основой стилистики хорового творчества многих русских композиторов.
Воплощение подлинно-национальных черт народно-песенного стиля в хоровых обработках русских народных песен. Разнообразие средств изложения вплоть до использования сложных полифонических приемов. Создание новых колористических звучаний на основе соединения тембров разных хоровых групп. Для изучения: 1. Опера «Псковитянка» - сцена Вече —2-я картина 1 действия, Хор «Грозен царь идет» - 1-я картина 2-го действия. Вопросы: Какие средства использовал композитор для красочности хоров в операх?
В каком году была написана опера «Снегурочка»? Сколько опер у Римского-Корсакова? В каких операх использовалась подблюдная песня «Слава»? На чей сюжет написана опера «Царская невеста»? Рекомендуемая литература: Русская хоровая литература, под ред. Высокий расцвет русской хоровой композиторской школы 60-80 гг.
ХIХ века Общественный подъем 60-80 годов. Возникновение новых музыкально-просветительских организаций: Новая русская музыкальная школа, Русское музыкальное общество, Петербургская и Московская консерватория, крупные хоровые коллективы, их значение. Высокий расцвет русской композиторской школы, разнообразие основных жанров в хоровой музыке. Видное место в музыкально-общественной среде русской музыкальной культуры творчества композиторов А. Серова и А. Серова 1820-1871.
Оперы «Юдифь», «Рогнеда», «Вражья сила» - монументальность, героика сюжета. Обилие хоровых сцен, их значение в драматургии оперы. Развитие в хоровых сценах национально-стилевых особенностей, характерных для опер Глинки, Даргомыжского. Рубинштейна 1829-1894. Многообразие сюжетов и жанров в операх. Оригинальность жанра духовной оперы.
Хоры из оперы «Демон» - поэтичность, красочность, мелодичность. Мастерство композитора в воспроизведении восточного колорита музыки хоров. Ограничение роли хора описательными и фоновыми функциями. Значение ораториального творчества А. Влияние ораториального наследия Генделя и Бетховена. Тематика ораторий, монументальность стиля, использование огромных хоровых составов.
Полифоническая разработка основного тематического материала. Динамичность и яркость отдельных хоровых номеров из ораторий. Для изучения: А. Хоры из оперы «Рогнеда» - из 1 действия «Жаден Перун», песня богатырей с хором «Во темном лесе зверье живет» из 3 действия. Хоры из оперы «Юдифь» - Хор народа из 1 действия, Хор одалисок из 3 действия. Хоры из оперы «Демон».
Хоры из оратории «Потерянный рай», «Вавилонское столпотворение». Вопросы: Какова деятельность Русского музыкального общества в 80-х гг. Х1Х века? Каково значение ораториального жанра в творчестве А. Хоры из оперы «Демон», в чем их оригинальность? Какое влияние оказало творчество Генделя, Бетховена на ораториальное наследие А.
Сколько опер написал А. Серов, в какой опере драматургическое развитие в хоровой сцене? Рекомендуемая литература: Гозенпуд А. Оперное наследие А. Русская музыка, М-Л.
Духовный концерт — концерт с исполнением произведений церковной музыки. Духовные концерты 1725—1790 — в Париже XVIII века организация концертов в дни церковных праздников, когда театры были закрыты.
Когда возник духовный концерт? Духовные концерты фр. Стали первой общедоступной альтернативой представлениям, устраивавшимся Парижской оперой, причём проводились исключительно в дни церковных праздников, когда была закрыта сама Опера. В каком веке зародился русский духовный концерт? Начиная с XVIII века русские композиторы создавали на тексты Всенощного бдения произведения концертного характера — «Всенощные», которые могли исполняться и вне богослужения; известны «Всенощные» А. Веделя и С.
Чуток к музыкальной красоте, к движениям душевным
АЛЕКСАНДР ДМИТРИЕВИЧ КАСТАЛЬСКИЙ (1856–1926), русский композитор, хоровой дирижер, исследователь русского музыкального фольклора; один из инициаторов т.н. «нового направления» в русской духовной музыке конца 19 – начала 20 вв. Величественные хоровые композиции, возвышенные мелодии и гармонии — все это характеризует русский духовный концерт. Особенностью русского духовного концерта является его духовная направленность. Объектом исследования является жанр русского духовного концерта на всём протяжении его эволюции, то есть с середины XVII до начала XXI века. Предмет исследования — эволюция жанра русского духовного концерта и его типологические особенности. Ценитель и исполнитель русских народных песен, основатель и первый художественный руководитель знаменитого хора, носящего сегодня его имя, – Митрофан Пятницкий всю свою жизнь посвятил собиранию и сохранению этого богатства – русского певческого искусства.
Когда появился духовный концерт?
телем русского духовного концерта является. (подчеркнуть). П. И. Чайковский М. С. Березовский М. И. Глинка М. П. Мусоргский. телем русского духовного концерта является. The NUBASE evaluation of nuclear and decay properties».2003,11,001. М.с лунин декабрист, м.с является основоположником русского духовного концерта, в м.с. Плодотворная работа Кастальского и Гречанинова в развитии нового направления русской духовной музыки, исполнительский талант В.С. Орлова стали началом претворения в жизнь идей Степана Васильевича Смоленского.
Информация
| Русский духовный концерт: история, особенности и значение в культуре | М. С: Основатель Русского Духовного Концерта. Мир музыки часто рассматривается как универсальный язык, который преодолевает границы и объединяет людей из всех слоев общества. |
| Основателем русского духовного концерта является - | В калейдоскопе современной концертной жизни двух последних десятилетий немалое место занима-ют концерты, в названии которых фигурирует опре-деление «духовный» – духовный концерт, концерт духовной музыки. |
Вы точно человек?
Жизнь Березовского трагически закончилась в 32 года. И он не смог, не успел создать того, что должен был бы создать. Последние два года стали годами разрушения надежд. Но были годы жизни, в которых соединилось все — удача, признание, мечты, успех. Слайд 9 Как композитор духовной музыки, Березовский является представителем нового направления в партесном пении. В его произведениях меньше следов влияния итальянской музыки; заметно стремление к самобытности, к строгому согласованию музыки с текстом, о чем в то время и не думали многие итальянские композиторы, писавшие духовную музыку для православной церкви.
Отличительные черты произведений: большая свобода голосоведения, художественность целого в ущерб внешнему блеску, замечательная отделка деталей, соединение простоты и изящества. Слайд 10 Свой самый лучший, самый знаменитый хоровой концерт «Не отвержи мене во время старости» Березовский написал примерно в двадцатилетнем возрасте, в то время, когда ему сопутствовал успех, были жизненные перспективы, уверенность в своем предназначении. И написал его на слова 70-го псалма Давида: «Не отвержи мене во время старости; когда будет оскудевать сила моя... Не удаляйся от меня... Поспеши на помощь мне».
Гаазе, 1845. Партитурное собрание духовных песней разных сочинителей с переложением на фортепиано. Духовно-музыкальные сочинения Бортнянского, Давыдова, Березовского, Галуппи и др. Духовно-музыкальные сочинения Бортнянского, Давыдова, Березовского, Галуппи и других. Сборник духовно-музыкальных песнопений. Из Цветной Триоди Пасхальный. Под ред. Тысяча лет русской церковной музыке.
One thousand years of Russian church music.
Львова - И. В другом своем сочинении - мелодраме «Орфей» на текст Я. Княжнина по античному мифу , 1792 - Фомин впервые в русской опере воплотил трагическую тему. Музыка мелодрамы стала одним из вершинных творений русского искусства эпохи Просвещения. В увертюре, предшествующей мелодраме, во всей полноте раскрылось дарование Фомина-симфониста. В ней композитор с удивительным чувством стиля сумел передать трагический пафос древнего мифа.
По сути, Фоминым был сделан первый шаг на пути создания русского симфонизма. Так в недрах театра, как это было и в Западной Европе, рождалась будущая русская симфония. Оперы Фомина были по достоинству оценены лишь в середине XX века. При жизни композитора их сценическая судьба не была счастливой. Опера «Ямщики на подставе», написанная для домашнего театра , осталась неизвестной широкой публике. Постановка комической оперы «Американцы» на либретто молодого И. Крылова была запрещена директору императорских театров не понравилось, что в ходе развития сюжета индейцы собираются сжечь двух европейцев.
Бытовая вокальная лирика Огромное реформаторское значение в народном творчестве имело рождение нового пласта фольклора - городской песни. Она возникла на основе народной крестьянской песни, которая «приспосабливалась» к городскому быту - новойманере исполнения: ее мелодия сопро-вождалась аккордовым аккомпанементом какого-либо ин-струмента. Так называли произведения для голоса с инструментальным сопровождением, написанные на русские поэтические тексты. Лирические по содержанию, «российские песни» были предшественниками русского романса. Родоначальником «российской песни» стал видный сановник при дворе Екатерины II , образованный любитель музыки Григорий Николаевич Теплов , автор первого русского печатного песенника «Между делом безделье…» 1759. По стилю и манере изложения песни Теплова представляют собой переходный жанр от канта к романсу с сопровождением. Форма его песен, как правило, куплетная.
Жанр «российской песни» был теснейшим образом связан с фольклорной традицией. Не удивительно, поэтому, что многие авторские песни стали народными «Вот мчится тройка почтовая» Ивана Рупина на сл. Созданные ими «российские песни», имеющие уже достаточно раз-витую фортепианную партию, более сложную форму,можно считать первыми русскими романсами. В них явно слышны отзвуки городского быта «Стонет сизый голубочек» Дубянского, «Милая вечор сидела», «Прежестокая судьбина» Козловского. В «российских песнях» широко использовались стихотворения известных поэтов: Сумарокова, Державина, Дмитриева, Нелединского-Мелецкого. Своим образным содержанием они связаны с типичными настроениями искусства сентиментализма. Как правило, это любовная лирика : муки и услады любви, разлука, измены и ревность, «прежестокая страсть».
Большой популярностью пользовались также анонимные «российские песни», изданные Ф. Мейером «Собрание наилучших российских песен», 1781. В это время русские музыканты осваивают сложные формы инструментальной музыки, разрабатывают жанры сольной сонаты, вариаций, камерного ансамбля. Этот процесс был тесно связан с повсеместным распространением домашнего музицирования. Музыка городского или усадебного быта в течение долгого времени оставалась той «питательной средой», в которой вызревали ранние ростки национального инструментального стиля. Первые русские инструментальные ансамбли принадлежат Дмитрию Бортнянскому. Это фортепианный квинтет и «Камерная симфония», фактически представляющая собою септет для фортепиано, арфы, двух скрипок, виолы да гамба, фагота и виолончели.
Особенно любимыми были всевозможные танцевальные пьесы - ме-нуэты, полонезы, экоссезы, контрдансы - и вариа-ции на темы народных песен для различных инструментов. Множество таких вариаций для скрипки создал Иван Евстафьевич Хандошкин 1747-1804 , представитель санкт-петербургской школы - композитор, выдающийся скрипач-виртуоз, дирижер и педагог. Хандошкин славился искусством импровизации, хорошо владел также игрой на альте, гитаре и балалайке. В истории русской музыки имя Хандошкина связано с созданием национальной скрипичной школы. Большую часть его творческого наследия составляют вариации на темы русских народных песен и сонаты для скрипки, двух скрипок, скрипки и альта или скрипки с басом. С этими сочинениями русская камерно-инструментальная музыка впервые вышла из тесного круга домашнего музицирования, приобретя виртуозный размах. Важно и то, что в них достигнуто достаточно органичное единство европейского инструментального языка и русского фольклора.
Исследователи считают, что мелодии некоторых песен, взятых композитором в качестве тем для вариаций, были впервые записаны им самим. Вариации на русские темы для фортепиано писали Трутовский например, на тему народной песни «Во лесочке комарочков много уродилось , Караулов, а также работавшие в России иностранные музыканты. Роль иностранных музыкантов в развитии русской музыки была двойственной. Справедливые упрёки передовой общественности вызывало слепое преклонение аристократических кругов перед всем иностранным, связанное с недооценкой русского искусства. Вместе с тем деятельность иностранных композиторов , исполнителей и педагогов способствовала общему подъёму музыкальной культуры и воспитанию отечественных кадров музыкантов-профессионалов. Судьба его творческого наследия драматична: большинство сочиненийкомпозитора, звучавших на протяжении всего XIX столетия , оставалосьврукописях и хранилось в Придворной певческой капелле. В первых десятилетиях XX века весь богатейший архив капеллы с уникальными автографами многих русских композиторов был сожжен.
Успех и признание, покровительство высочайших особ пришли к Березовскому рано. Уже в молодом возрасте прославившись в России, он вскоре стал первым русским композитором, принятым в члены знаменитой Болонской академии. Однако, несмотря на все высокие отличия, вернувшись после 9-летнего пребывания за границей на родину, Максим Березовский не смог добиться сколько-нибудь заметного положения. Его зачисление в Придворную капеллу на скромную должность рядового служащего явно не соответствовало ни полученному зарубежному опыту, ни творческим возможностям. Очевидно, это вызывало у композитора чувство горького разочарования, хотя его хоровые духовные сочинения разучивались всеми любителями церковного пения и высоко оценивались современниками. В культурной среде XVIII века музыка занимала самое низкое положение, она целиком зависела от меценатства, а сам музыкант в аристократическом обществе занимал положение полуприслуги. Творения русских авторов нередко считались музыкой «второго сорта» по сравнению с произведениями немцев или итальянцев.
Ни один отечественный мастер не достиг высокой должности при дворе. Умный и хитрый мельник Фаддей, притворившись всесильным колдуном, совершенно заморочил голову простодушным своим соседям. Впрочем, все заканчиваетсявеселой свадьбой девушки Анюты и красивого деревенского парня Филимона. На почтовой станции - подставе -собираются ямщики. Среди них молодой ямщик Тимофей, который удался и лицом, и умом, и сноровкой. С ним молодая красавица-жена Фадеевна, любящая мужа. Но у Тимофея есть завистник и злейший враг - вор и пройдоха Филька Пролаза.
Этот Филька мечтает сбыть счастливчика Тимофея в рекруты и завладеть его женой, давно ему приглянувшейся. И быть бы Тимофею солдатом, если бы не проезжий офицер. Он помогает освободить Тимофея как единственного кормильца крестьянской семьи от службы. В солдаты же попадает сам Филька. Мелодрама - театральная пьеса с музыкой, которая чередуется с декламацией, а иногда исполняется одновременно с произнесением текста. Под духовной музыкой в узком смысле подразумевают церковную музыку христиан; в широком смысле духовная музыка не исчерпывается сопровождением богослужения и не ограничивается христианством. Тексты сочинений духовной музыки могут быть как каноническими например, католическая месса , так и свободными, написанными на основе или под влиянием священных книг для христиан - Библии.
Иоганн Себастьян Бах - один из известнейших композиторов , писавших духовную музыку В дальнейшем речь идёт о духовной музыке в широком смысле. О духовной музыке, понимаемой как синоним богослужебной у христиан - церковной музыки , см.
В сонатах Шопена медленная часть и скерцо меняются местами. Лист создает одночастные сонаты типа музыкальной поэмы соната «По прочтении Данте».
В их основе лежит очень широко развитая сонатная форма с многими темами, их преобразованиями и контрастными эпизодами. Чайковский, С. Рахманинов, А. Скрябин, Н.
Сонаты для самых разных инструментов создали советские композиторы С. Прокофьев, Н. Мясковский, А. Александров, Д.
Шостакович, А. Хачатурян, Д. Кабалевский, М. Вайнберг, Р.
Ко дню рождения Митрофана Пятницкого, основателя знаменитого русского хора
Рютова, В. В числе песнопений — известные хоровые концерты. Большинству любителей церковной музыки хорошо знакомо выражение «концерт». Это песнопение, которое звучит на Божественной литургии перед Причастием. Что такое «концертность» для духовной музыки и можно ли исполнять концертные произведения в стенах храмов? На месте концерта должен находиться причастный стих, то есть какой-либо стих или строка из Псалтири, взятые сообразно значению праздника. Причастный стих поётся после завершения Евхаристического канона, во время причащения священнослужителей в алтаре. В это время прихожане также готовятся приступить к Причастию и должны максимально сохранить внимание и благоговейный настрой. Раньше причастен распевался на знаменные напевы, это занимало довольно большое количество времени: в зависимости от того, сколько священников принимают Причастие. В настоящее время причастен чаще всего исполняется на речитатив, то есть произносится быстро, на одном аккорде.
А после причастного стиха исполняется духовный концерт. Иногда он может выступать в качестве причастного стиха, то есть звучит на текст причастна в таком случае причастный стих не исполняется. Термин «духовный концерт» — европейского происхождения, в отечественной церковной практике появился в конце 17 в. До этого времени музыкальное оформление богослужений опиралось на знаменное унисонное пение. Это были мерно текущие, заполняющие однородным звучанием храм мелодии в исполнении низких мужских голосов. Знаменные песнопения создавали особый настрой в душах молящихся людей, и казалось, что начинают стираться временные границы хода богослужения, время останавливается и сердце верующего человека касается вечности. Музыка способствовала покаянию и молитве верующих. Партесный стиль, проникнув в музыку Церкви, вытеснил на второй план знаменное пение и стал применяться повсеместно. Произведения, написанные в этом стиле, отличала повышенная сентиментальность и чувствительность а порой и чувственность , музыкальное выражение порой совершенно не соответствовало смыслу церковных песнопений.
Первые духовные концерты начало 18 в. Это были монументальные песнопения, написанные в многочастной музыкальной форме. Они были полны контрастов внешнего характера, то есть строились по принципу «тихо-громко», «быстро-медленно», «мажор-минор», «солист-хор». Такая состязательность пришла из церковных песнопений, звучащих под гулкими сводами европейских соборов. Постепенно утрачивалось понимание не только знаменного пения, но и вообще смысла богослужения. Не Литургия, не важнейшие моменты всенощного бдения, а духовные концерты имели неимоверную популярность во всех уголках России. Порой они даже служили своего рода «эстетической приманкой» для привлечения в храмы любителей церковного пения: многие и крестьяне, и купцы, и сам губернатор являлись в церковь лишь «к концерту»! Композиторы-классики церковной музыки конца 18 в. Березовский, А.
Ведель, С. Дегтярёв — зачастую находились под сильным влиянием европейских стандартов. Причем влияние оказывала не только церковная, но и светская музыка западных композиторов. В эти же годы концерты начали звучать во внебогослужебное время, то есть вышли за стены храмов. Например, в честь побед русского оружия на площадях исполнялись торжественные песнопения концертного плана, сопровождаемые колокольным звоном, пушечной пальбой и фейерверком. Или на богатых свадьбах, в ожидании молодых, церковный хор пел соответствующие радостному событию концертные произведения. Своего расцвета хоровой концерт достиг в творчестве композиторов Московского Синодального училища на рубеже 19 и 20 вв. В сочинениях А. Архангельского, А.
Гречанинова, А. Кастальского, П. Чеснокова выразилось стремление к традициям русского духовно-музыкального творчества и использованию знаменных мелодий, взятых за основу развития. Авторы начинают обращаться к ушедшим в историю древним распевам, использовать отдельные элементы старинных напевов в мелодии своих песнопений. Внешняя контрастность уступила место звукоподражательным моментам, многочастность формы сменилась сквозным развитием. Сократилось также время звучания концертов. Воздействие текстов становилось более глубоким, усиливалось выразительной и талантливой концертной музыкой. На музыкальном диске «Услыши, Боже…» представлены концертные песнопения разных стилей и направлений, ставших частью церковно-певческой традиции нашего народа. Диск призван познакомить слушателей с лучшими образцами концертов, а также способствовать выбору певческими коллективами в своем творчестве поистине глубоких и духовных произведений.
Благодаря реформам Петра I Россия активно включилась в этот процесс, приобщаясь кдостижениям европейской цивилизации. Ее поворот в сторону Европы, породивший феномен «русской европейскости», произошел типично по-русски - круто и решительно. Взаимодействие с более устоявшимися художественными школами Западной Европы позволило русскому искусству пройти путь «ускоренного развития», освоив в исторически сжатые сроки европейские эстетические теории, светские жанры иформы. Главное достижение русского Просвещения - расцвет личностного творчества, которое приходит на смену безымянному труду художников Древней Руси. Реализуется ломоносовская формула: «будет собственных Платонов и быстрых разумом Ньютонов Российская земля рождать». Наступает время активного становления светского мировоззрения. Храмовое искусство продолжает свое развитие, однако постепенно отходит на второй план в культурной жизни России. Светская же традиция всемерно укрепляется. В музыке XVIII века, как в литературе и живописи, утверждается новый стиль , близкий европейскому классицизму.
Новые формы великосветского быта-гуляния в парках, катания по Неве, иллюминации, балыи «маскерады», ассамблеи и дипломатические приемы- способствовали широкому развитию инструментальной музыки. По указу Петрав каждом полку появились военные духовые оркестры. Официальные торжества, балы и празднества обслуживались двумя придворными оркестрами и придворным хором. Примеру двора следовала петербургская и московская знать, котораязаводила у себя домашние оркестры. Крепостные оркестры и музыкальные театры создавались и в дворянских усадьбах. Распространяется любительское музицирование, обучение музыке становится обязательной частью дворянского воспитания. В конце столетия многообразная музыкальная жизнь характеризовала быт не только Москвы и Петербурга, но и других русских городов. Среди музыкальных новшеств, неизвестных Европе, был роговой оркестр , созданный российским императорским камер-музыкантом И. Марешом по поручению С.
Мареш создал слаженный ансамбль, состоящий из 36 рогов 3 октавы. Участвовали в нем крепостные музыканты, которые играли роль живых «клавиш»,поскольку каждый рог мог издавать только один звук. В репертуар входила классическая европейская музыка, в том числе сложные сочинения Гайдна и Моцарта. В 30-х годах XVIII века в России была создана придворная итальянская опера, спектакли которой давались в праздничные дни для «избранной» публики. В это время Петербург привлекает многих крупнейших европейских музыкантов,преимущественно итальянцев, среди которыхкомпозиторы Ф. Арайя, Б. Галуппи, Дж.
Бортнянскому принадлежат 35 концертов для 4-голосного смешанного хора, 10 концертов для 2 хоров, ряд других церковных песнопений, а также светские хоры, в том числе патриотическая хоровая песня «Певец во стане русских воинов» на сл. Жуковского 1812. Чайковским [7] как «лучший из всех тридцати пяти». Его текст взят из 38-го псалма Библии, где есть такие строки: «Скажи мне, Господи, кончину мою и число дней моих, дабы я знал, какой век мой... Услышь, Господи, молитву мою, и внемли воплю моему; не будь безмолвен к слезам моим... В концерте три части, но между ними нет контраста. Музыка отличается единством скорбно-элегического настроения и цельностью тематизма. Первая часть открывается темой, изложенной трехголосно и напоминающей псальму XVII века. Вторая часть — короткий эпизод строгого хорального склада. Развернутый финал, написанный в форме фуги, превышает по размерам первые две части. В музыке финала преобладает тихая нежная звучность, передающая предсмертную мольбу человека, уходящего из жизни. Сборники русских песен Для всей передовой русской культуры XVIII века характерен глубокий интерес к образу жизни, нравам и обычаям народа. Начинается систематическое собирание и изучение фольклора. Известный литератор Михаил Дмитриевич Чулков составляет первый в России сборник текстов народных песен. Впервые делаются нотные записи народных песен, появляются печатные сборники с их обработками: Василия Федоровича Трутовского «Собрание русских простых песен с нотами» , Николая Александровича Львова [8] и Ивана Прача [9] «Собрание народных русских песен с их голосами». В сборник Львова-Прача вошли 100 песен, многие из которых являются классическими образцами русского фольклора: «Ах вы, сени, мои сени», «Во поле береза стояла», «Во саду ли, в огороде». В предисловии к сборнику «О русском народном пении» Н. Львов впервые в России указал на неповторимое своеобразие русской народной хоровой полифонии. О его составителе нет достоверных сведений. Предполагается, что Кирша Данилов Кирилл Данилович был певцом-импровизатором, скоморохом, жившим на горнозаводском Урале. Напевы песен он записал одной строчкой без текста, который помещен отдельно [10]. Русская национальная композиторская школа С профессиональным освоением национального фольклора непосредственно связано становление во второй половине XVIII века первой в России светской композиторской школы. Ее рождение стало кульминацией русского Просвещения. Родиной школы был Санкт-Петербург, где расцвел талант самых ярких ее представителей. В их числе — основоположники русской оперы В. Пашкевич и Е. Фомин, мастер инструментальной музыки И. Хандошкин, выдающиеся творцы классического духовного концерта М. Березовский и Д. Бортнянский, создатели камерной «российской песни» О. Козловский и Ф. Дубянский и другие. Большинство русских композиторов были выходцами из народной среды [11]. Они с детства впитали живое звучание русского фольклора. Естественным и закономерным, поэтому, стало включение народных песен в русскую оперную музыку оперы В. Пашкевича и Е. Фомина , в инструментальные сочинения творчество И. По традиции предшествующих веков наиболее широко в век Просвещения развивались вокальные жанры, как светские, так и храмовые. Среди них выделяются духовный хоровой концерт, комическая опера и камерная песня. Как и в фольклористике, в этих жанрах сохраняется отношение к слову как к приоритетной основе музыки. Автором оперы считается либреттист, а автором песни — поэт; имя композитора нередко оставалось в тени, а со временем забывалось. Русская комическая опера Рождение национальной композиторской школы XVIII столетия было тесно связано с развитием русской оперы. Оно началось с музыкальной комедии, которая опиралась на комедийные произведения русских писателей и поэтов: Я. Княжнина, И. Крылова, М. Попова, А. Аблесимова, М. Комическая опера была бытовой по своему содержанию, с незамысловатой, но увлекательной фабулой из повседневной российской жизни. Ее героями были сметливые мужички, крепостные крестьяне, скупые и жадные богатеи, наивные и прекрасные девушки, злые и добрые дворяне. Драматургия строилась на чередовании разговорных диалогов с музыкальными номерами, основанными на русских народных песнях. Поэты указывали в либретто, на какой «голос» популярную песню следовало петь ту или иную арию. Аблесимова с музыкой М. Соколовского [12]. Драматург А. Аблесимов сразу писал свои тексты в расчете на определенный песенный материал. Вклад М.
Проникновенностью мелодии он напоминает столь близкие композитору украинские народные песни, а серьезностью высказывания и строгостью мысли эта музыка достойна пера знаменитого современника Березовского, венского классика Глюка. Концерт монотематичен: фуги в первой части и в финале основаны практически на одной теме. Инструментальное изложение хоровой партитуры, отвлеченное от смыслового содержания текста, однако полностью сохраняет трагедийную эмоциональную насыщенность этого произведения.
Сарти, Б. Вершинные достижения русской хоровой музыки эпохи Просвещения связаны с именами М. Максим Созонтович Березовский 1745-1777 М. Березовский - выдающийся мастер русской хоровой музыки XVIII века, один из первых представителей национальной композиторской школы. Сохранившееся творчество композитора невелико по объему , однако весьма значительно по своей исторической и художественной сути. В музыкальной культуре 60-70-х годов XVIII столетия оно открываетновый этап - эпоху русского классицизма. Имя Березовского называется в числе родоначальниковклассического хорового концерта a cap р ella : его произведения, наряду с творчеством итальянского композитора Галуппи, представляют первый этап в развитии этого жанра. Вершиной творческих исканий М. Березовского стал концерт «Не отвержи мене во время старости». Это общепризнанный шедевр русской музыки XVIII века, стоящий в одном ряду с высочайшими достижениями современного ему европейского искусства. Небольшой по масштабам, концерт воспринимается как произведение эпически монументальное. Его музыка, раскрывающая многообразный духовный мир человека,поражает глубиной эмоций и жизненной достоверностью. И в тексте, и в музыке концерта отчетливо звучит личная интонация. Это речь от первого лица. Просьба-мольба, взывающая ко Всевышнему I часть , сменяется картиной преследований человека злобствующими недругами II часть - «Пожените и имите его». Затем следует новая тема - молитва надежды «Боже мой, не удалися» - III часть , и наконец, финал, полный протестующего пафоса, направленного против зла и несправедливости «Да постыдятся и исчезнут оклеветающии душу мою». Уже тот факт, что всем темам концерта свойственны определенные, конкретные эмоциональные черты, говорит о принципиальной новизне стиля, преодолевающего абстрактную нейтральность тематизма партесного пения. Четыре части произведения связаны не только единым драматургическим замыслом и тональной логикой, но и интонационными нитями: певучая тема, звучащая в первых тактах концерта, становится интонационной основой всех прочих образов. Особенно существенно то, что начальное интонационное зерно трансформируется в динамичную и напористую тему заключительной фуги «Да постыдятся и исчезнут... Дмитрий Степанович Бортнянский 1751-1825 Д. Бортнянский развил основной тип русского классического хорового концерта, соединив в музыке элементы светского музыкального инструментализма и вокальной церковной музыки. Как правило, его концерты имеют три части, чередующиеся по принципу быстро - медленно - быстро. Нередко первая часть, самая весомая в цикле, содержит признаки сонатности, выраженные в сопоставлении двух контрастных тем, изложенных в тонико-доминантовом соотношении. Возвращение в основную тональность происходит в конце части, но без тематических повторов. Бортнянскому принадлежат 35 концертов для 4-голосного смешанного хора , 10 концертов для 2 хоров, ряд других церковных песнопений, а также светские хоры, в том числе патриотическая хоровая песня «Певец во стане русских воинов» на сл. Жуковского 1812. Чайковским как «лучший из всех тридцати пяти». Его текст взят из 38-го псалма Библии, где есть такие строки: «Скажи мне, Господи, кончину мою и число дней моих, дабы я знал, какой век мой... Услышь, Господи, молитву мою, и внемли воплю моему; не будь безмолвен к слезам моим... В концерте три части, но между ними нет контраста. Музыка отличается единством скорбно-элегического настроения и цельностью тематизма. Первая часть открывается темой, изложенной трехголосно и напоминающей псальму XVII века. Вторая часть - короткий эпизод строгого хорального склада. Развернутый финал, написанный в форме фуги, превышает по размерам первые две части. В музыке финала преобладает тихая нежная звучность, передающая предсмертную мольбу человека, уходящего из жизни. Сборники русских песен Для всей передовой русской культуры XVIII века характерен глубокий интерес к образу жизни, нравам и обычаям народа. Начинается систематическое собирание и изучение фольклора. Известный литератор Михаил Дмитриевич Чулков составляет первый в России сборник текстов народных песен. Впервые делаются нотные записи народных песен, появляются печатные сборники с их обработками: Василия Федоровича Трутовского «Собрание русских простых песен с нотами» , Николая Александровича Львова и Ивана Прача «Собрание народных русских песен с их голосами». В сборник Львова-Прача вошли 100 песен, многие из которых являются классическими образцами русского фольклора: «Ах вы, сени, мои сени», «Во поле береза стояла», «Во саду ли, в огороде». В предисловии к сборнику «О русском народном пении » Н. Львов впервые в России указал на неповторимое своеобразие русской народной хоровой полифонии. Песни из этих сборников использовались как любителями музы-ки, так и композиторами, которые заимствовали их для сво-их произведений - опер, инструментальных вариаций, сим-фонических увертюр. О его составителе нет достоверных сведений. Предполагается, что Кирша Данилов Кирилл Данилович был певцом-импровизатором, скоморохом, жившим на горнозаводском Урале. Напевы песен он записал одной строчкой без текста, который помещен отдельно. Русская национальная композиторская школа С профессиональным освоением национального фольклора непосредственно связано становление во второй половине XVIII века первой в России светской композиторской школы. Ее рождение стало кульминацией русского Просвещения. Родиной школы был Санкт-Петербург, гдерасцвел талант самых ярких ее представителей. В их числе - основоположники русской оперы В. Пашкевич и Е. Фомин, мастер инструментальной музыки И. Хандошкин, выдающиеся творцы классического духовного концерта М. Березовский и Д. Бортнянский, создатели камерной «российской песни» О. Козловский и Ф. Дубянский и другие. Большинство русских композиторов были выходцами из народной среды. Они с детства впитали живое звучание русского фольклора. Естественным и закономерным, поэтому, стало включение народных песен в русскую оперную музыку оперы В. Пашкевича и Е. Фомина , в инструментальные сочинения творчество И. По традиции предшествующих веков наиболее широко в век Просвещения развивались вокальные жанры, как светские, так и храмовые. Среди них выделяются духовный хоровой концерт, комическая опера и камерная песня. Как и в фольклористике, в этих жанрах сохраняется отношение к слову как к приоритетной основе музыки. Автором оперы считается либреттист, а автором песни - поэт; имя композитора нередко оставалось в тени, а со временем забывалось. Русская комическая опера Рождение национальной композиторской школы XVIII столетия было тесно связано с развитием русской оперы. Оно началось с музыкальной комедии, которая опиралась на комедийные произведения русских писателей и поэтов: Я. Княжнина, И. Крылова, М. Попова, А.
№2. Кто является основателем русского духовного концерта? Варианты ответа: Березовский;
эволюция жанра русского духовного концерта и его типологические особенности. 1777) Основоположник жанра – «духовный концерт». Русский духовный концерт имеет большое значение в культуре России. Он является символом национальной идентичности и высшего духовного возвышения. The NUBASE evaluation of nuclear and decay properties».2003,11,001. М.с лунин декабрист, м.с является основоположником русского духовного концерта, в м.с. Основателем русского духовного концерта является _. 9. Разместите нужные подписи под изображениями. Картина идол икона. 10. В какую оперу П. И. Чайковский включил танец скоморохов? 11. Соотнесите жанры с услышанными на уроке произведениями. еликого русского композитора Михаила Ивановича Глинку справедливо называют основоположником русской музыкальной классики.